Táchira teatral: Jornada histórica, espacio histórico (escena 1), por William Leal

 Jornada histórica, espacio histórico (escena 1)

Preparando la escena

Voces, luz, movimientos y el teatro se hizo presente dejándose acompañar de la música, la poesía, la narración oral, el stand-up comedy, las artes circenses y las muñecas de trapo para festejar su Día Mundial.

El Ateneo del Táchira, emblemática edificación de la ciudad de San Cristóbal inaugurada en 1938, diseñada por Luis Eduardo Chataing (1906-1971), hijo de Alejandro Chataing (1873- 1928) artífice del Teatro Nacional de Caracas, abrió sus puertas a la escena regional. La jornada vespertina realizada el 25 de marzo por el Movimiento Teatro Escena Táchira (MOTESTA) se caracterizó por la diversidad estética de la docena de agrupaciones e individualidades presentes.

El encuentro.  Yolanda Jiménez y Héctor Rodríguez

El Encuentro, creación escénica de la Misión Cultura-Táchira dio la bienvenida a los espectadores; Yolanda Jiménez y Héctor Rodríguez nos deleitaron con esta pieza costumbrista cargada de humor. El hombre a quien el llamado progreso le arrebató los peces se convirtió en El pescador de ilusiones, interpretación y dirección de Abelardo Chavarriaga (Odraleba Teatro); tragicomedia donde el performance art, el payaso y el teatro se dan la mano.

El pescador de ilusiones. Abelardo Chavarriaga, Odraleba Teatro. 

La lucha por los derechos de la mujer continúa en el siglo 21 y el teatro no la abandona, así lo hizo saber Arte y Movimiento, agrupación integrada principalmente por adultos y adultas mayores, con Alza tu voz, obra escrita y dirigida por Irma Sánchez Segovia a quien acompañan en la actuación: Ana Murillo, Aura Galindo, Digna Leal, Aura Correa, Rosa Alviarez, Rosario Herrera, Wilerma Guerrero, Luz Delia Manzanero y Belquis Carrero; la música en vivo está a cargo de Javier Pineda (guitarra) y Oliver González (piano).

Alza tu voz. De Irma Sánchez Segovia, Arte y Movimiento.

Cerca de cuatro décadas en los escenarios le han dado a Oscar Rovira la seguridad escénica y el alcance vocal exhibido en la dramatización de los poemas Las Hilanderas (Andrés Eloy Blanco) y Galerón con una negra (Aquiles Nazoa). 

Oro azul. De William Leal, grupo UPTAIET.

La agrupación de la Universidad Politécnica Territorial del Táchira (UPTAIET) presentó Oro azul, dramaturgia y dirección de William Leal, un llamado a conservar nuestras fuentes de agua libres de impurezas. En esta ocasión actuaron en el grupo Teatro Universitario UPTAIET los estudiantes Leonard Sanguino, Sinaí Camperos y Luis Ángel Márquez contándose con la participación musical, en vivo, del maestro violinista Luis Ramírez.

Los hijos que se van.  Interpreta: Margarita Acevedo.

La polifacética Margarita Acevedo (muñequera, actriz, poetisa, gestora cultural) llegó con sus muñecas de trapo para conmovernos con la interpretación de Los hijos que se van. Cumpliendo la mitad de la actividad Edwar Dugarte, actor y especialista en artes circenses, director de la agrupación Sacienzen Teatro de Vanguardia entró a escena de la mano de Raúl Sánchez y Deiby Holmos con los Cuentos de gatos y ratones.

Algunos participantes de la jornada del 25 de marzo.

Fecha histórica para el teatro en el Ateneo del Táchira conocido también como el Salón de Lectura de San Cristóbal que inauguró el 25 de marzo las actividades del Día Mundial del Teatro que se extendieron hasta el 27 en la sala Rafael Daboin de la Universidad Nacional Experimental del Táchira (UNET), El Museo de Artes Visuales y del Espacio del Táchira (MAVET) y la Escuela Regional de Teatro del Táchira.

Jornada histórica, espacio histórico (escena 2) abordará próximamente la segunda parte de lo acontecido en el Ateneo del Táchira con motivo del Día Mundial del Teatro 2026.

William Leal S.C, abril de 2026 

Mucho más que un cuento: El Pinocho “Milagro Corazón”, de William Quiroz, humaniza la fantasía en Maracaibo

 El musical teatral Pinocho en la gran sala del Teatro Baralt.  Este jueves 16 de abril a partir de las 6:30 pm.

 

Por Jesús Eduardo Espinoza.

La agrupación Titilar Teatro, de Maracaibo, referente indiscutible del espectáculo infantil en la región, estrena su nueva producción musical: Pinocho. La cita es a partir de este jueves 16 de abril, a las 6:30 p. m., en la emblemática Gran Sala del Teatro Baralt.

Tres décadas de magia bajo la dirección de William Quiroz, destacado docente, actor y dramaturgo con más de 30 años de trayectoria, esta puesta en escena promete cautivar a toda la familia.

El Viaje del Héroe: De Madera a Corazón. La obra sigue la historia clásica de Carlos Collodi, pero adaptada con el sello de la "pluma" de Quiroz. Veremos el proceso de creación de la marioneta por parte de Geppetto y su anhelo de tener un hijo. La trama se centra en las aventuras y desventuras de Pinocho mientras intenta aprender qué significa ser un "niño de verdad", enfrentándose a las tentaciones y las consecuencias de sus decisiones.

La interacción entre los actores y las marionetas (dirigidas por Wolfgang González) crea una atmósfera mágica donde lo inanimado cobra vida, representando la dualidad del propio Pinocho.  Basada en la tradición de Titilar Teatro y la descripción de este nuevo montaje dirigido por el maestro William Quiroz, la comedia musical de Pinocho se presenta como una experiencia sensorial y pedagógica. Quiroz, formado en la Escuela de Teatro Inés Laredo bajo la guía de figuras como Nereida Pérez Bertulia Camacho, María Artuñez y Yazmina Jiménez, Alexis Blanco,  ha dedicado su vida a humanizar la escena y formar nuevas generaciones sin perder la sencillez que lo caracteriza.

Una puesta en escena integral

La obra destaca por una versión que combina la experiencia de actores consagrados con el ímpetu de nuevos talentos del estado Zulia. Entre los elementos que dan vida a esta historia se encuentran:

A cargo del maestro titiritero Wolfgang González, quien también actúa como  Geppetto y aporta la tradición del teatro de objetos a la acción dramática con marionetas de alto nivel.

La puesta cuenta con un diseño visual de alto nivel a través del despliegue de colorido en el vestuario, escenografía detallada y efectos especiales de iluminación que transportan al espectador al mundo de fantasía.

Pinocho refleja la disciplina característica de Titilar, donde los intérpretes cantan, bailan y actúan, una mística defendida también por el poeta y dramaturgo Carlos  IIdemar Pérez, quien forma parte del elenco.

Un legado en la escena infantil

Titilar Teatro sigue consolidando su repertorio profesional, que ya cuenta con éxitos como La loca historia de la Caperucita Roja y el Lobo Feroz, Romeo y Julieta, Sopa de Piedras (de José Ignacio Cabrujas) y El Mago de Oz.

Es muy valiosa esa visión de unidad que a  venido planteando el  maestro William Quiroz. En el ámbito de la gestión cultural, ese deseo de integrar a diversos creadores en un solo espectáculo no solo fortalecería la calidad artística, sino que enviaría un mensaje de solidez institucional ante los entes públicos.  

El teatro en el Estado Zulia no es solo entretenimiento; es un patrimonio vivo sostenido por la disciplina, el sudor y la pasión de hombres y mujeres que han dedicado su vida a las tablas. En el centro de este movimiento encontramos a figuras como el maestro William Quiroz, un creador incansable y un soñador que hoy plantea una meta necesaria: la unión gremial en un gran espectáculo común.

Una visión colectiva

La propuesta de Quiroz trasciende el éxito individual de su agrupación, Titilar Teatro. Su deseo es amalgamar los talentos de Maracaibo en una puesta en escena que demuestre la fortaleza del sector. Esta integración permitiría: el intercambio de saberes entre actores consagrados y nuevas generaciones la optimización de recursos creativos y técnicos; .y el impacto social, demostrando que el arte es un puente de encuentro.

El apoyo gubernamental no debe verse como un favor, sino como una inversión necesaria en la identidad del pueblo. El teatro profesional que se produce en nuestra región merece espacios dignos, presupuestos justos y una plataforma que permita que el esfuerzo de directores como Quiroz llegue a cada rincón del estado.

Es hora de que el talento teatral del Zulia brille con la fuerza de un solo cuerpo. El llamado está hecho: por un teatro sólido, unido y respaldado.  

Si el maestro Quiroz desea materializar esta unión, se podría proponer un "Festival de Escenas Cruzadas" o una coproducción regional donde cada agrupación aporte un elemento (actores, escenografía, música) para una obra de gran formato.

La invitación queda abierta para que el público zuliano se deje sorprender por la entrega, el ritmo y la magia de esta comedia musical que reafirma el compromiso de Quiroz con la excelencia teatral.   

Gran Sala del Teatro Baralt
Jueves 16 de abril, 2026 6:30pm
Boletos: $5

Convocatoria Cuarta Asamblea del Movimiento Teatral Venezolano, Motevo. Sábado 18 de abril, 2026 10:00am

Link del video convocando a la Cuarta Asamblea del Movimiento 

Teatral Venezolano, Motevo.

Sábado 18 de abril, 2026 10:00am

Escuela Nacional de Artes Escénicas César Rengifo

https://youtube.com/shorts/7GGDtWkmk1U?feature=share

 

Claroscuro: Una experiencia íntima donde la luz y la sombra se encuentran, este 18 de abril, Maracaibo

 Un monólogo que es viaje sensorial, cercano y profundamente humano.

En el marco de la celebración de los 30 años de la agrupación Teatro Titilar, este 18 de abril con entrada libre. 

Claroscuro es un monólogo de medias tintas, de luz y de sombra.  Está detenido en el tiempo y, sin embargo, en perpetuo movimiento interior.  Es una entidad que nos observa. Se parece a alguien. Tal vez a muchos. Tal vez a todos.

Desde un umbral incierto entre la conciencia y la revelación, la voz protagonista emerge en un mundo donde la vida no se define por contornos exactos, sino por vibraciones de luz y sombra.

A medida que su pensamiento se despliega, la realidad se fractura y se recompone: la duda con la certeza, la sombra con la luz… y en ese tránsito, el arte despierta a la urgencia de asumir su mirada.

Claroscuro es una experiencia escénica viva, que se transforma en cada representación gracias a la excelente labor de su intérprete, Isidro Morillo, que lleva al espectador a mundos cercanos que irónicamente parecen lejanos.  La voz del intérprete es a la vez la voz oculta de una ciudad, de un gentilicio que se debate entre la apariencia y su vida interior.

El unipersonal impacta al proponer a partir de las artes escénicas una mirada honesta los miedos y aspiraciones colectivas.

Porque crear no es repetir…
crear es atreverse a ver… incluso en la penumbra.

Claroscuro 
Sábado, 18 de abril
4:00 PM (única función)
Casa Arepa y Cacao (Calle 95, detrás del C.C. Santa Bárbara)
Entrada gratuita

Tente EmpieDanza-Teatro estrena "Solapada ternura" celebrando el Día Internacional de la Danza en el Centro de Bellas Artes, Maracaibo, el 29 de abril, 2026

Tente EmpieDanza-Teatro estrena "Solapada ternura" para celebrar el Día Internacional de la Danza

El próximo 29 de abril, el proyecto Tente EmpieDanza-Teatro presentará su más reciente espectáculo: Solapada ternura. La cita es en el Centro de Bellas Artes a las 6:00 p. m., en una función especial para conmemorar los 73 años de esta institución, el Día Internacional de la Danza y el 26º aniversario de Tente Empié, grupo que ha aportado no solo al teatro danza zuliano sino también al movimiento escénico venezolano. .

Bajo la dirección general de la reconocida coreógrafa Silvia Martínez, la pieza se adentra en las tensiones entre el artificio y la esencia humana.

Ambientada en un universo de divas/os y puestas en escena, plantea una pregunta central sobre la construcción del ser: «¿Quiénes somos cuando la música deja de sonar?».

La fragilidad detrás de la máscara

De una fase performática junto a Fundateatristas, en 2023, la producción evoluciona para convertirse en una obra que explora la vida como un escenario total. A través de personajes que transitan entre el brillo, el maquillaje y la interpretación, se reflexiona sobre cómo los roles que asumimos terminan por moldear nuestra realidad. En un ejercicio de honestidad, las máscaras caen y solo queda la vulnerabilidad humana acompañada de un cúmulo de memorias que marcan los cuerpos.

La pieza, dirigida por Silvia Martínez, será interpretada por Ileana Arteaga, Ismenia Juárez, Carla Matos, Juan Mantilla, Cecilia Muñoz, Paola Saavedra y Dafne Solarte. El espectáculo contará, además, con la presencia en escena del maestro Víctor Fuenmayor y la voz de José Morán para enriquecer la propuesta artística.

Cabe resaltar la participación especial de 18 intérpretes de la ciudad: Alexis Blanco, Dennys Fernández, Leonardo Isea, Ángel Marín, Freddy Marín, Ronald Millán, José Molero, José Luis Montero, Isidro Morillo, Arnaldo Pirela, Juan Carlos Quintino, William Quiroz, Henry Semprún, Romer Urdaneta, Luis Vargas y Alexander Ventura, en un video realizado por Juan Mantilla con la colaboración de Ángel Marín de Teatro Esencial.

La composición y los arreglos musicales estarán a cargo de Carla Matos y Michael Avariano. La identidad visual de los personajes -definida a través del maquillaje y el peinado- fue diseñada por Ricardo Sánchez y Tico Perozo. Los accesorios de Ileana Arteaga y el vestuario confeccionado por Melissa Escalona. Al conjunto se suma el apoyo en escena de Jaime Villasmil, Carlos Matos y Lucía Sánchez.

Apertura y contexto

Al inicio de la velada, el público disfrutará de un performance multidisciplinario dirigido por Silvia Martínez, junto a Juan Carlos Quintino, Tico Perozo, Ramón Bazó y Luis Medina. Esta escena que conjuga cine, pintura y teatro danza, confronta la fisura emocional de la existencia contemporánea a partir de la estética opresiva, cruda y distorsionada del Expresionismo alemán.

La apuesta traslada la intensidad de las grandes metrópolis a un contexto marabino, con un horizonte de redención espiritual impulsado por la necesidad de esperanza y la búsqueda de sentido. Cabe destacar que esta coreografía fue presentada originalmente en este mismo escenario en la apertura del Festival de Cine Alemán de 2025.

Al equipo de producción del Centro de Bellas Artes, se suman, desde la Facultad Experimental de Arte (FEDA) y la Cátedra de Diseño de Producción Escénica, Mariangel Blanco, Brenda Petit y Sofía Beck, bajo la guía del profesor Hermmankis Parra.

Finalmente, Jesús Madueño intervino el logo aniversario y, junto a Gabrielle Leendertz y Guary Otero, diseñaron la imagen de la obra. Colaboran también Fundateatristas, Ana Felicia Núñez, José Javier León, Gabriel Cubillán, Stefany Bohórquez, Keyla González y el Gabinete de Cultura del Zulia.

Solapada ternura es el resultado del trabajo de profesionales comprometidos con el arte como expresión de una sociedad compleja.

Investigación y creación artística

Fundado en el año 2000, Tente EmpieDanza‑Teatro se ha consolidado como un proyecto multidisciplinario e intertécnico. Su propuesta se sustenta en la investigación del cuerpo como metáfora, articulando lenguajes para la creación artística contemporánea. Durante más de dos décadas, ha sido una plataforma de experimentación donde movimiento, dramaturgia y plástica convergen en una sola voz escénica.

Fecha: 29 de abril.
Lugar: Centro de Bellas Artes (CBA).
Hora: 6:00 p.m.
Costo de la entrada: 10$.
Puntos de venta: Disponibles a través de MD Tickets

El teatro: una isla flotante, por Freddy Antonio Torres González.

 El teatro es una isla flotante, un espacio de libertad donde la curiosidad abre caminos.

La fatalidad como experiencia, según el Fausto de Goethe, es el más querido niño terrible de la fe para entonces atribuirle a Shakespeare, los prodigios de su teatro, la mentalidad de un hombre que profesa una religión revelada.

De hecho, no hay pruebas

de esta suposición, y
lo que dicen sus personajes
no puede ser otra cosa que la expresión
de las conjeturas, y prejuicios de sus detractores.

Shakespeare se estudia más bien como un escéptico del Renacimiento tardío y como todos dudó que nuestra alma fuera inmortal y que Dios hubiera creado el mundo de la nada.

Se cree que un poeta como él ha tenido y como" lo revelado " sus obras maravillosas; un sentido de lo trágico que presupone una experiencia de fatalidad.

Con esto se alude a una irrupción en la vida humana de un "Fatum", que es similar a la Moira griega, es un poder único, ignoto, particularmente funesto, que penetra en nuestra existencia cotidiana desviándose del camino previsto por nosotros.

Pero, a pesar de esto, se puede como sugiere Nietzsche, aprender a amar el Fatum regresivo que viene de afuera al propio ser, de manera que con el talento del autor, llega a tener cierto sentido de expresión nihilista, "Ego Fatum":

Yo soy mi destino

porque me he identificado con él
y por eso deseo que se cumpla
cómo lo preveo,
y se cumpla. (Amor Fati).

El teatro siempre ha sido

una isla flotante como dice Eugenio Barba,
en el entrenamiento diario del actor
todo depende de la hora
el estado emocional del aprendizaje,
un espacio libre donde el rechazo
y la libertad de estar confluyendo
para otorgar cualidades.

La experiencia de la fatalidad

suele ser " lógica" de previos agravios,
a veces un castigo que recibimos
como culpa de nuestros antepasados
porque no proviene de una facultad divina.
No obstante, el fatalismo,
incorporado por ciertas religiones
ciertas sectas religiosas,
es más bien pretender adivinar
algo del Fatum que creemos
cómo apropiado para nosotros
En cuanto a la Moira de la tragedia griega
inflexible, ella actúa para corregir
un atributo de los dioses mismos.

Jan Kot un estudioso polaco de Shakespeare,

dice, "el autor inglés no tiene ninguna ilusión,
ni siquiera la ilusión de que se puede vivir
sin ilusiones".

Esto quiere decir que lo acerca a Kafka,

para quien, no es posible conocer algo
que no sea ilusorio.

Este acercamiento con Kafka es tenaz,

ya que posee un aura religiosa
de profeta del desastre existencial.

Cualquier presunción de apreciar

a Shakespeare como agnóstico
o un ateo como ocurre con Cioran
el poeta de la inconveniencia de haber nacido,
quiere llevarlo a la plegaria lo cual no es verdad. Los ingleses pretenden hacer de Shakespeare un poeta del cristianismo
elevado para castigar a los incrédulos;
ellos ignoran que en su espíritu profundo
predomina la espiritualidad pagana.

La curiosidad abre caminos,

soltar lo que uno sabe es condición de ver desde otra perspectiva,
dice el biólogo chileno Maturana.

Escuchar de manera personal y única,

se requiere una actitud sin prejuicios
ni expectativas para soltar las certidumbres.

En el entrenamiento actoral del Odin Teatro de Barba, hace una selección basada en las dotes de carácter, en la fuerza de ánimo, en la testarudez, y no en el talento aparente o las capacidades expresivas del intérprete.

La mayoría abandona los ensayos, probablemente porque no logra comprender con la imagen de teatro que tiene, y los duros ejercicios de cuatro horas intensas.

Los que aguantan y se quedan consiguieron un sentido espiritual personal. Ellos mismos encontraron un sentido, es decir, no hay justificaciones.

Ellos mismos buscaron la razón a esta forma de entrenar el cuerpo desde la sumisión,

una elección personal individual: una rigurosa disciplina voluntaria.

Si uno está centrado en lo que sabe,

interfiere en la relación de escucharse
recíprocamente: es una condición biológica
del encuentro entre el director y el actor.

La idea de Maturana de que los organismos

vivos se producen y se mantienen

a sí mismos desde su propia estructura.

Cada organismo percibe el mundo
según su propia organización interna,
no según su propia organización interna,
tampoco según una realidad objetiva.

Lo que veo, no es “lo que hay”,

sino lo que mi sistema nervioso,

con toda mi historia y sus configuraciones,

puede procesar.

Cuando uno entabla una conversación, convencido de lo que el otro es,

lo que el otro necesita,

lo que el otro va a decir,

no estoy escuchando al otro, lo ignoro,

y esa imagen construida en el proceso

de la elaboración de las vivencias

de la realidad en la escena,

puede ser tan sólida que me haga invisible

lo que realmente está frente a mí.

El método de resonancia lubrica

del experto Investigador Maturana,

parte desde esa primicia.

La postura fenomenológica de Hellinguer,

enseñó como condición el trabajo genuino

con el Otro.

Hacerse disponible para ser tocado

por lo que el sistema porta, sin organizar

ese campo con categorías previas.

Eso significa soltar las certidumbres.

No ignorar lo que se sabe.

Ponerlo entre paréntesis.

El terapeuta que no logra ponerlo entre paréntesis no puede ver

lo que está frente a él.

Solo puede confirmar lo que decidió encontrar.

Cuando Nietzsche lo formuló: los conceptos que no pueden ser revisados se convierten en momias capturan la realidad en un momento y la presenta como si fuera un hallazgo vivo.

Pero la "cosa viva" siguió moviéndose.
El foco del facilitador " la tolerancia a la incertidumbre”.
La capacidad de estar con la pregunta sin apresurarse con la respuesta es lo ideal.
Dejar que el campo revele,
antes que el mapa decida.

Freddy Antonio Torres González.

Entrevista a William Quiroz: Titilar festeja sus 30 años conversando en el Teatro Baralt sobre su estreno de Pinocho, por Alexis Blanco.

Recientemente presenciamos a William Quiroz, en una función bellísima en la plazoleta de Rafael María Baralt, haciendo que gente como Yazmina Jiménez o Luis Perozo Cervantes volviesen a sentirse niños, entre niños, ha sido un lujo superior.

Por Alexis Blanco.

En el Café Baralt suceden todos los días cosas maravillosas, sobretodo, encuentros creativos de nivel superior. Por ejemplo, sentarse en una mesa con William Quiroz para una entrevista acerca de los 30 años de su Grupo Titilar y, más tarde, contar con la presencia de otro mago del teatro para niños, Wolfgang González, quien hará de Gepetto en la próxima producción.

Recientemente presenciamos a William Quiroz, en una función bellísima en la plazoleta de Rafael María Baralt, haciendo que gente como Yazmina Jiménez o Luis Perozo Cervantes volviesen a sentirse niños, entre niños, ha sido un lujo superior.

William ha macerado, de calle en calle, de plaza en plaza, de lugar insólito a sitio increíble, un teatro itinerante, una humilde cátedra de seis lustros donde él, psicopedagogo profesional monta en sus alas a un público cándido que ríe y canta y participa de sus rutinas hermosas y bien desarrolladas.

Un actor de inmensas facultades, duende y finura, quien ha logrado recrear una voz extra, una máscara que le permite a su vez descansar su propia voz, al tiempo que matiza y administra con clase los variantes momentos de su espectáculo infantil. Eso es técnica y oficio, una proeza cuyo origen expondrá en esta interviú.

-¿Qué estáis haciendo ahora?

Vamos a estrenar Pinocho, el próximo jueves, 16 de abril, a las 6:30 pm, aquí en el Teatro Baralt.

-Hablemos de tu teatro como patrimonio durante 30 años…

-Titilar siempre ha tenido una mirada pedagógica en función de utilizar la

herramienta artística como un instrumento de comunicación. El arte en sí, para mí siempre será transformador, siempre. Desde que lo inicié, estudiando, hasta conocerlo, y aún sigo conociéndolo, él me ha permitido la experiencia de poder encontrar unos códigos, un lenguaje, una narrativa, que que se puede emplear dependiendo del target del público, de quien yo vaya a dirigir en una pieza de teatro…

–Cuáles son tus expectativas para el conversatorio de este viernes 10 de abril?

-Yo invité a todos los amigos del gremio cultura, también de educación, así como a entidades de gobierno. Espero que se acerquen, porque todos tenemos un vínculo en común que es el de hacer cultura, para para brindar una alternativa diferente a la ciudad, a la comunidad. En lo particular, para mí es como una retroalimentación.

Porque vamos a escucharnos, todos, y es un aprendizaje vivencial, en el sitio. También tengo una finalidad, un objetivo, que quiero que se cumpla, o por lo menos tomar el propósito como el punto de partida que es culminar con una ruta nueva, un planteamiento desde todos nosotros, de cómo miramos la ciudad y definir lo que está sucediendo.

El hecho cultural, en toda sus disciplinas, en la ciudad. No quiero ser peyorativo, pero no vamos a seguir siendo islas dentro de una gran ciudad. O vamos a hacer una comunidad realmente y vamos a permitirnos engranar un trabajo o ser sistemáticos en un proceso colectivo. Desde el respeto, desde la mirada, desde el propósito de cada cual, porque cada quien tiene unos objetivos diferentes, pero creo que hay uno siempre en común, que es el hecho de permanecer activos, como merece nuestra ciudad. Aquí realmente suceden cosas, pero en muchas ocasiones esas cosas están pasando desapercibidas por todo el mundo.

Con smoking, el autor y director de Pinocho, William Quiroz
(Foto Enzo Ríos)

-Hablas de una fiesta teatral…

-Por eso, cuando se me ocurrió la idea de hacer la Fiesta del Teatro de las Américas, yo dije a ver nosotros nos la merecemos y la necesitamos. Nosotros, desde el 20 de marzo, comenzamos con una actividad itinerante como un circuito cultural por toda la ciudad, con amigos de diferentes disciplinas. Los invitamos, les hablamos, sobre objetivos en común. El primero, que nosotros podamos tener la oportunidad de celebrar con nuestros amigos que han permanecido durante este tiempo de los 30 años, y, el segundo, es que la comunidad que nos sigue a cada uno de nosotros pueda tener la posibilidad de conocer dónde está cada quien. La cultura está en todos lados. Nuestra Fiesta ha sido desde el 20 de marzo hasta el final de abril.

-Puedes brindarnos una sinopsis desde aquellos días iniciales a este tiempo de celebración…

-Todo comenzó con los doce jóvenes que egresamos de la Décima promoción de la Escuela de Teatro “Inés Laredo”. Estábamos sentados en las escaleras de la escuela de teatro vislumbrando como, en aquel momento, los grupos referentes más importantes en la ciudad, y que no absorbían ese talento educado en la escuela de teatro. O muy poco.

Era muy selectivo entonces. Nosotros ya habíamos tenido una oportunidad que nos brindará la maestra Yasmina Jiménez, quien nos permitió hacer lo que soñábamos. Luego, gracias a la tutoría de nuestra profesora de teatro infantil, Diana Labrador, montamos una pieza inspirada en el cuento de Cósimo Mandrillo, El árbol de jugar. Y culminó siendo nuestra primera pieza de teatro infantil, hecha desde la experimentación. Así, hicimos un circuito a nivel estatal.

-¿Quiénes integraban aquella promoción hecha grupo?

-Marcos Meza Pineda, Jorge Iglesias, Óscar Hernández, Doris, (no recuerdo ahora el apellido), Norka Zapata, Joana Fuenmayor, Maribel Granadillo, Vicky Reyna, Reinaldo Rincón, Jesús Franco y mi persona…

-¿Cómo surge el nombre de Titilar?

-Teníamos y sentíamos la determinación de hacer una agrupación de teatro, no teníamos un nombre, Alexis. Queríamos hacer un homenaje a la escuela de teatro. En principio era algo así como “Pietila”. Titilar nace en la calle Padilla, al lado del hotel Caribe, de Augusto Pradelli. Entonces nos sentamos allí a preguntarnos “¿como nos vamos a llamar?”. Y empezamos a pensarlo y dijimos “bueno vamos a llamarnos, Teatro Infantil de la Escuela de Teatro Inés Laredo y nos sonaba un tanto largo. Luego miramos el cielo y una estrella estaba pasando. El brillo de la estrella hizo que encontráramos esa clave y así surgió Titilar.

-¿Cuál ha sido su visión?

-Nosotros siempre hemos hemos tenido una razón social que es la transformación a través de las artes, generando, fomentando, valores, reforzando buenas conductas en el espectador ciudadano. Aprendiendo a hacer cosas desde la nada. Recreando la dialéctica del ensayo y error, con mucha responsabilidad.

(Tomado de Noticia al Día, 10 de abril, 2026)

El mundo trágico: el actor en la dramaturgia, por Freddy A. Torres González

 

Juan Carlos Gené

Freddy A. Torres González

Vivimos tiempos complejos.

También tiempos confusos.

Esa compleja confusión se transmite en las imágenes que las denominaciones despiertan en nosotros; en este caso la referencia al actor y su especificidad en el teatro.
Pero en lo teatral la palabra actor despierta imágenes diferentes a cada uno de nosotros y esto es un fenómeno contemporáneo.

En el mundo trágico de Eurípides y Nietzsche la idea del mito es el irresistible poder de la música en la Sirenas que les servían para llamar a los seducidos por su canto.
Los hombres mueren cuando se entregan a la verdad y dejan de aferrarse a sus ilusiones.

Pero Odiseo, el astuto, se salva porque ha ordenado que lo amarren al mástil de su nave y ha taponado sus oídos de sus compañeros de viaje a fin de que no oigan el canto de las sirenas que embriagan.

Hasta mediados del siglo pasado
el hombre o la mujer que encarnan
personajes de ficción trazados en forma
literaria por el dramaturgo.

Sin embargo, existía una excepción:
Los actores que asumían la tradición
popular, callejera, de improvisación,
la máscara y la espontaneidad no literaria,
quedan suscritos a las representaciones
de La Comedia del Arte, por ejemplo.

Del arte de la cultura al arte elemental,
esto parece ser una idea moderna.
¿Pero, lo es de verdad?
El hombre arcaico,
despiertan nuestra curiosidad
todas las obras del arte bruto,
producidas por personas ajenas a la cultura,
que no han recibido de ellas ninguna
información o influencia.

La gran construcción dramática de Occidente
cuyo documento fundamental es la dramaturgia, desde Esquilo hasta
Heiner Müller, es una imponente verbalidad.
Si bien Shakespeare Calderón o
Lope de Vega es la cúspide de ese
monumento innegable, la base dramatúrgica
de todo el teatro anterior, es la verbalidad.
Todo el teatro mundial como documento
en 2500 años de existencia histórica
sólo conserva de su pasado el documento de la dramaturgia.

El hombre arcaico resucitó un arte espontáneo,
más cercano a la naturaleza, con sus asperezas y sus peligros;
mientras que el arte de las Musas
se manifiesta a veces demasiado ordenado,
casi demasiado armonioso, que nos ofrece una cierta seguridad, pero nos da un ilusorio equilibrio emocional y fantástico.

En esto Nietzsche tiene razón:
para los seres humanos es la ilusión,
la belleza encubridora, un antídoto
contra la verdad... asesina.
Pero preguntaría Eurípides, es nuestra vida
entonces, ¿sólo soportable si se basa
en la mentira…?
¿Es la lucha entre la verdad y la belleza
un combate igual al combate de la verdad
y la apariencia? Y nosotros... ¿hemos de morir
cuando el Ser se nos revela?
No haber nacido supera todo lo que se sabe.

Tenemos que resignarnos a vivir el teatro
siempre en el presente.
Existe, creo, cierto acuerdo de máxima
complejidad en la evolución de la materia,
es el hombre, un individuo con conciencia
de sí mismo. Capaz de representarse
su propia muerte y de imaginar la eternidad
y el infinito permaneciendo en su inmanencia.
Y la condición de su existencia,
de este individuo hombre, es la materia.
Y también, el hombre- actor es cuerpo,
es esencia material y la materia la condición
de su espiritualidad.

Por definición el hombre, dice Juan Carlos Gené, es el actor como creador cuyas fantasías obsesivas son las que siempre compone los materiales primarios del arte.

El hombre - actor siente que deben ser

accionadas, comprometiendo con ello
todo su cuerpo como un todo:
pulso, aliento, gesto, pensamiento,
afectividad y verbalidad.
Todas ellas funciones corporales,
manifestaciones de vida, que se organizan
en función expresiva.

La palabra cultura

se asocia a una militancia,

a un adoctrinamiento.

Está asociada s todo un aparato

de intimidación y de presión del arte.

Ahora bien, ¿qué sentido secreto tiene

lo divino para los hombres…?

¿Es algo esperanzador o es algo deprimente?

Justamente un Coro de Sófocles ofrece una contestación muy pesimista por cierto,

en Edipo en Colono:

"otra vez no haber nacido

supera todo lo que se sabe;

más una vez salido el sol,

volver ahí de prisa de dónde se viene,

es mejor".

Eurípides fue un nihilista religioso

eso quiere decir que se distanció

de la religión oficial para remontarse

a una religión ancestral, sagrada, reprimida.

Ahora bien,

quiero referirme en el oficio del actor,

a las fantasías que se accionan.

El verbo accionar va unido a lo teatral

desde la expresión "drama": lo que ocurre,

es decir, la acción. Y de ahí del actor,

el que hace, el que acciona.

Pero ¿qué hace el actor en la escena?

¿En qué consiste esa acción, esa dinámica

que depende la viva teatralidad de un hecho

escénico…? Acciona para modificar a los

otros, y para hacerlo se modifica.

Definitivamente, un personaje es un modo de relacionarse con los otros;

Y esto es una manera de modificarse, para poder a su vez, modificar.

El instrumento

corporal del actor

es el cuerpo,

es en realidad,

el yo del actor.

Es un cuerpo,

el hombre lo es,

respuesta

fenómeno

estímulo

piensa

con el cuerpo,

siente

haciendo

"orgánico"

término

clave

paso

sorprendente

de la actuación,

cuerpo

libre

asombrado

creativo

conciencia

sujeto

actuante.

Por todo ello,

encarnar un personaje

darle corporeidad

es la operación donde el actor

convoca al personaje en su cuerpo

y se deja modificar por la fantasía

literaria que despierta.

Es un trato íntimo, entre el actor

y lo literario que materializa

en su cuerpo despierto.

Es un parto, nacimiento humano,

la madre (el actor) y el niño (el personaje).

El director es la comadrona,

orienta, sugiere, alienta, ayuda, en fin.

No puede parir; su parto es otro;

complejo, personal, silencioso.

Menos individual.