Teatro Alberto de Paz y Mateos: Una señorita en edad de merecer

 

Texto y fotos Dora Lucena Ramírez

El sábado 07 de noviembre, asistí a la Sala Experimental del Teatro Alberto de Paz y Mateos a ver la obra Una señorita en edad de merecer escrita por Karin Valecillos.

 

Karin Valecillos es una escritora caraqueña de teatro, cine y televisión con una amplia formación nacional e internacional. Ha recibido numerosos galardones por sus obras de teatro y sus guiones de cine, entre ellos, el premio (2016) al Mejor Guion de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Venezuela (ACACV) por su trabajo con el guión de la película El Amparo.

 

El director de esta producción es Henry Manganiello quien es director de teatro, guionista, productor teatral y productor y director de videoclips musicales.

 

Formando parte del elenco, se encuentra la primera actriz, Dilia Waikkarán, nacida en el estado Sucre.  Dilia es locutora, actriz de teatro, cine y televisión. Ha participado en un número importante de exitosas telenovelas y películas, así como también en El Show de Joselo y Radio Rochela. Entre sus distinciones como actriz se encuentran premios y reconocimientos nacionales e internacionales. El montaje cuenta además con las actuaciones de Nella Martínez, Jesús León, Daniella Morales.  La producción está a cargo de Ayrtons Guilarte.  Con este equipo, no es extraño que Una señorita en edad de merecer se haya presentado a sala llena.

La obra se desarrolla en Caracas, en la primera mitad del siglo XX. Presenta la vida de las Núñez, tres mujeres apegadas a las normas y buenas costumbres; ellas se ganan la vida con la venta de tortas. Llevan una vida convencional hasta que aparece un pretendiente y comienzan a aflorar secretos, miedos, angustias y unas inmensas ganas de vivir, de enamorarse y, sobre todo, la valentía para enfrentar los convencionalismos.

 

Esta es una obra de teatro ligero, que con una escenografía austera nos presenta situaciones de humor y enredos con diálogos sencillos, cotidianos y mucha fluidez y dinamismo. Todo esto unido a excelentes actuaciones. Es una comedia fresca y entretenida que disfruté muchísimo.

Noviembre 2026

Breviario sobre el Día Nacional del Teatro 13 de noviembre

Oscar Acosta

1.-El cambio de fecha

La celebración del Día Nacional del Teatro en Venezuela tiene detrás una historia que va más allá de una simple efeméride. La fecha conmemora la primera vez que un jefe de Estado aludió al teatro mediante una medida ejecutiva en el país. Sin embargo, su razón más importante es otra: en el segundo Coliseo, cuya construcción ordenó Bolívar con su decreto desde Bogotá el 13 de noviembre de 1828, surgió la escena venezolana.

Anteriormente, la efeméride se conmemoraba el 28 de junio, con base en un acta de 1600 en la que se informa que el cabildo caraqueño ordenó realizar una comedia el 25 de julio, día de Santiago. La motivación fue durante décadas cuestionada por diversas razones; una de ellas puede resumirse en una sola pregunta: ¿cómo vamos a celebrar un Día Nacional de algo que se decidió en 1600, cuando ni siquiera existía Venezuela como nación?

No es la primera vez que se cambia o resignifica una conmemoración: lo mismo sucedió con el Día de la Bandera, cuya fecha fue modificada del 13 de marzo al 3 de agosto. Los periodistas venezolanos celebraban su día el 24 de octubre, hasta 1965, cuando fue decretado el 27 de junio como Día Nacional del Periodista.

La historia, como toda disciplina del conocimiento, evoluciona; no en el sentido de cambiar el pasado, sino como interpretación o ideas sobre el significado del mismo, sea porque cambian las mentalidades o porque surgen nuevos datos que obligan a rectificar lo entendido por cierto. La historia es una conversación permanente entre lo que sucedió y lo que hoy nos importa o lo nuevo que aparece de lo sucedido.

2. Un decreto con historia

El decreto de Bolívar ordenó la reconstrucción de un teatro que ya existía desde años atrás, cuando fue abierto de manera precaria entre finales de 1818 y principios del año siguiente. Estaba situado en la hoy llamada esquina Coliseo, justo en la estación del Metro La Hoyada, Caracas. No debe confundirse con el primer Coliseo de la esquina del Conde, el primero de la ciudad, abierto en 1784 a instancias del gobernador y capitán general de la Capitanía General de Venezuela, Manuel González Torres de Navarra. En el segundo recinto para espectáculos de Caracas, según documentación comprobable, se montaron las primeras piezas escritas por venezolanos: El café en Venezuela, atribuida a Isaac Álvarez de León, estrenada en 1822, y Virginia, de Domingo Navas Spínola (1781-1838), primera pieza teatral editada en Venezuela, estrenada en 1824. Navas Spínola fue un intelectual caraqueño que, además de ejercer la política, llegando incluso a ser alcalde de la capital, cultivó la poesía, la traducción y el periodismo. También se representaron obras de Gerónimo Pompa, Pedro Pablo del Castillo y Heraclio Martín de La Guardia, parte de la primera avanzada de la dramaturgia venezolana. En ese segundo Coliseo nació la escena criolla.

3. Un mito del primer coliseo

No hay constancia documental de que en el primer Coliseo, llamado del Conde e inaugurado en 1784, se montaran obras escritas por venezolanos. La tradición teatral y algunos cronistas afirman que Andrés Bello escenificó allí una loa en homenaje al rey Carlos IV titulada Venezuela consolada, escrita con motivo de la introducción de la vacuna contra la viruela por el médico Balmis en 1804. Pero no se ha encontrado comprobación documental de que haya sido representada; la afirmación se basa en conjeturas y suposiciones que parten de lo escrito por Arístides Rojas en su ensayo Orígenes del teatro en Caracas (1890), trabajo en el cual este cronista comete varios errores. Además, aun si se hubiera representado, su importancia dramática como antecedente del teatro venezolano, en cuanto a la forma y el contenido, es bastante limitada.

4. ¿Por qué Bolívar decretó el teatro?

El Libertador tenía interés por el teatro y la educación como herramientas sociales importantes para la creación de una nación. Sin embargo, desde Bogotá difícilmente se habría ocupado de un salón de espectáculos en Caracas si el jefe político y militar de Venezuela, José Antonio Páez, no se lo hubiera solicitado, tal como expresa el mismo decreto. Este se emitió dos meses después de un intento serio de magnicidio contra Bolívar en Bogotá, en un contexto de graves problemas económicos, sociales y políticos.

La reconstrucción fue ordenada gracias a la intermediación de Páez, quien a su vez favorecía a José María Ponce y Ambrosio Cardozo, hermanos masones del caudillo llanero. Ponce y Cardozo eran pardos: el primero, oficial veterano de la guerra de Independencia; el segundo, carpintero. Ambos decidieron invertir en la única sala teatral que existía en Caracas abierta en 1819 y, para asegurar el éxito económico, gestionaron el decreto, que les garantizó el monopolio de las representaciones en la ciudad y la exención de impuestos por quince años, a cambio de una función anual a beneficio de los hospitales.

5. El único teatro con temporadas regulares

En Caracas, entre 1819 y 1843, no hubo otros edificios teatrales permanentes. Se montaron también tarimas improvisadas para ocasiones especiales, pero este segundo Coliseo fue el único con temporadas regulares durante más de veinte años. La exclusividad de las representaciones ordenada por el decreto hizo que prácticamenúte todos los espectáculos escénicos se presentaran allí: teatro, ópera, zarzuela, conciertos sinfónicos, dioramas (especie de reproducciones tridimensionales estáticas a escala de escenas o paisajes famosos), magos y números de circo. Solo cuando el decreto estaba a punto de cesar en su efecto comenzaron a abrir otras escenarios. Hubo a la vez otros espacios teatrales en Venezuela, pero ninguno tan importante como este por la cantidad y variedad de espectáculos que pasaron por sus tablas. Fue cerrado definitivamente en 1851, cuando su deterioro era muy evidente.

6. La primera compañía teatral formal

Por y para ese lugar se constituyó la primera compañía teatral formal, encabezada por los actores de origen cubano Cecilia Baranis y José Ferrer. Este último es el primer director teatral, según el significado actual del término, del que se tiene constancia segura en Venezuela: pautaba el repertorio, orientaba a los actores asignándoles los roles a interpretar y establecía los horarios a seguir. Un contrato de 1828 entre Ponce y Cardozo, dueños del edificio, y Ferrer como director, por un lado, y ocho actores, por otro, es prueba de la constitución formal del primer grupo teatral autónomo del país. El contrato se firmó con la agrupación completa, no de forma individual. Baranis figuraba como «primera dama» y ganaba casi el doble que el resto del elenco.

La agrupación se llamó Compañía de Cómicos. Los actores eran versátiles: además de actuar, practicaban esgrima, canto y baile, y estrenaban cuatro comedias mensualmente. Estaban obligados a interpretar el rol asignado por el director; si llegaban tarde o faltaban a la función, eran multados. En caso de ausentarse varios días, solo podían cobrar salario si la causa era una enfermedad.  Baranis llegó a escribir al Ayuntamiento pidiendo que se pusiera orden en el funcionamiento del teatro. Ferrer, tras ser desplazado del escenario por el actor y director español Andrés Julia-García, intentó sin éxito abrir otra sala: impugnó el decreto de Bolívar alegando el monopolio de Ponce, quien quedó como único dueño del sitio. A Julia-García debemos el primer ensayo publicado sobre el arte teatral en el país, titulado De la declamación teatral (1839).

En esa época los actores hacían gala de gran iniciativa y empuje, en un tiempo en que hacer teatro era una aventura temeraria: cargaban telones, vestuarios y utilería a lomo de mula y en lanchas con remos.

Fragmento del contrato entre dueños del Coliseo y el grupo de actores (1828),
en el cual se identifican estos y se estipula el salario a cobrar. 

7. Antes de 1828: actores sin compañía

Antes hubo actores, pero en el primer Coliseo, que funcionó hasta 1812 cuando fue destruido por un terremoto, eran más empleados de quien regentaba el teatro que un equipo o agrupación; casi todos eran pardos (mestizos), salvo una actriz llamada Teresa, que era blanca y de La Guaira. Poco sabemos de ellos: solo se han hallado un par de listas con nombres y salarios. Tampoco al día de hoy sabemos mucho de los actores de la primera etapa del Coliseo que decretó Bolívar.

Por eso, el grupo de actores que firma un contrato y otros documentos para el funcionamiento del teatro en 1828 puede considerarse como iniciador del movimiento teatral profesional venezolano. Hubo, como hoy, asociación y confrontación entre ellos, demandas, rupturas con el dueño del teatro y litigios por el uso del escenario. El teatro venezolano comenzó a cobrar vida propia más allá del pago por las funciones o del deseo de los gobernantes.

8. Una historia por seguir investigando

Todo lo anterior tiene respaldo en documentos de los archivos históricos venezolanos: el Archivo General de la Nación, el de la Academia de la Historia y el Archivo Histórico Municipal de Caracas; además, contamos con bastante hemerografía y material de repositorios digitales extranjeros.

La cantidad de información desconocida sobre la escena venezolana que aún espera en los archivos y hemerotecas es enorme. Falta estudiar, por ejemplo, el teatro inaugurado en Ciudad Bolívar en el siglo XIX, el coliseo de La Guaira abierto en 1829, las temporadas de grupos profesionales en pueblos andinos que entraban a Venezuela por Maracaibo o el teatro colonial de Cumaná… Por este Coliseo decretado por El Libertador pasaron artistas como el notable dramaturgo y actor catalán José Robreño y su familia, y Francisco Villalba, director y actor español que recorrió Suramérica y fundó la Biblioteca Nacional de Colombia. Heraclio Martín de La Guardia, para algunos estudiosos el dramaturgo venezolano más exitoso del siglo XIX, estrenó en 1849 su primera pieza, Cosme Segundo de Medicis, en este escenario.

El Día Nacional del Teatro no conmemora solo una medida ejecutiva de El Libertador. Su verdadero sentido está en el nacimiento de una escena criolla, con dramaturgos, actores, directores y compañías que comenzaron una tradición. Recordarlo es reconocer que el teatro venezolano tiene raíces documentadas y una historia mucho más amplia y trascendente de lo que suele contarse en nuestras escuelas.

Día Nacional del Teatro: celebración y crítica

 Robert Rodríguez Legendre*

Me uno a la conmemoración de los trabajadores y trabajadoras de los escenarios nacionales, haciendo votos porque sigan los éxitos y el buen resultado de sus sueños, la creatividad y el esfuerzo constante, que siempre se sobreponen a las dificultades. Además de mis parabienes, quiero a continuación hacer una reflexión crítica que creo necesaria en la fecha.

Un recorrido por el devenir del teatro venezolano en los últimos quince años conduce a un estado de crisis producto de la inexistencia de planes estratégicos y al abandono de los entes oficiales relacionados con el área. Una muestra evidente de ello es la decadencia o paralización de festivales emblemáticos como el de teatro juvenil, la Colonia Tovar, Oriente, las Comunidades de Caracas, el Binacional (en la frontera del Táchira con Colombia), la Bienal de Mérida, el festival de Calle, el de Teatro Penitenciario y el Nacional de Teatro Popular, cuya última edición se celebró en 2012 en el Ateneo de Carúpano, estado Sucre. Esta realidad se agrava al sumar el deterioro de los centros de formación -del cual he sido testigo directo cada vez que he visitado la Escuela César Rengifo y observado el deterioro de sus instalaciones-, la escasez de salas accesibles para la acción escénica (con alquileres por función que alcanzan miles de dólares incluso en teatros de propiedad pública) y el desamparo institucional que sufren las agrupaciones tanto metropolitanas como regionales.

Se hacen algunos festivales, es cierto, pero organizados y gestionados solo por el Estado, como si los que hemos sido activadores del teatro durante décadas fuésemos incapaces para estas iniciativas. Se puede apostar que un evento realizado de manera independiente por teatristas organizados resulta menos costoso y más efectivo que cualesquiera de los que realizan los organismos oficiales. Es injustificable tanto protagonismo de la burocracia. 

No menciono nombres para evitar individualizar las responsabilidades. El problema principal de lo que indico no es la buena o mala voluntad de este o aquel directivo, sino de políticas equivocadas o de la ausencia de las mismas (aunque también la falta de estas es una forma de hacer política).

Desde sus ancestrales inicios, el teatro -además de entretener- constituye un medio que facilita el estudio, análisis histórico y la crítica de los pueblos. Generalmente, se llevan obras a la escena con o sin el apoyo de quienes deciden en el Ministerio, las gobernaciones o alcaldías, incluso a veces a pesar de estos; se cuentan con los dedos de una mano las excepciones. Este teatro de denuncia y propuesta social con su mensaje educativo, orientador y revolucionario que busca un mejor nivel de vida, lo ha desarrollado en nuestro país el teatro popular en calles, canchas, plazas y otros espacios abiertos con activa participación de la comunidad, la gran mayoría de las veces empleando recursos propios. Pero el entusiasmo de los teatristas populares, no debe excusar la ineficiencia de la gestión cultural estatal.

El teatro es un arte plural en su creación y expresión, que requiere la participación y compromiso de todos. De allí que solicitemos a las máximas autoridades del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, la realización de asambleas consecutivas BIEN ORGANIZADAS, con la asistencia y participación de teatristas y autoridades del ente en referencia, a fin de analizar y evaluar la situación de nuestros escenarios en sus diversas expresiones, con miras a la solución de sus problemas, de acuerdo con lo que contemplan los artículos 99, 100 y 101 de nuestra Constitución Nacional.

El llamado también es para el movimiento de teatro. Reflexiono y me pregunto: ¿acaso no somos también responsables de la situación del arte teatral en el país por no hacer cumplir nuestros derechos, así como los del público para el cual trabajamos? La debacle económica y el bloqueo al país no deben ser motivo ni justificación para que hayamos llegado a ciertos extremos.

 

*Robert Rodríguez es sociólogo y promotor cultural.

Fundador de la Asociación de Teatro Popular Venezolano.

Mensaje del Día Nacional del Teatro, 13 de noviembre de 2026

Agradezco la oportunidad para dirigirme a toda la comunidad teatral del país en esta fecha tan significativa. Lo hago con especial emoción porque este año la agrupación Teatro Negro de Barlovento, que tengo el honor de presidir y dirigir, cumple 50 años de existencia artística y de aporte sostenido al quehacer teatral barloventeño.

Celebrar el Día Nacional del Teatro es reconocer que el teatro es mucho más que una puesta en escena. Es una forma de encontrarnos, de escucharnos y de mirarnos en la experiencia del otro. Celebrar esta fecha también es comprometernos con la formación, con la circulación de nuestros espectáculos, con la dignificación de las condiciones en que se hace teatro, con el cuidado de nuestras salas y espacios culturales, con la formación de nuevos públicos y con el diálogo permanente entre las agrupaciones, las instituciones y la comunidad.

Reconocemos el esfuerzo de tantas agrupaciones que con vocación sostienen la vida teatral en el país.

El Teatro Venezolano es grande, se realiza de diferentes maneras y en diferentes lugares. Nosotros (Teatro Negro) precisamente venimos de un patio con olor a cacao, de una orilla de río, de un conuco, de una fiesta de pueblo, de una abuela que cuenta historias, de un velorio donde se canta para acompañar el dolor, de una madre que cocina y canta, de un tambor que llama y de un pueblo que recuerda su pasado y no lo quiere olvidar. El Teatro Negro de Barlovento nació de ahí, de escuchar historias de negros, de indios y de blancos; hemos querido mostrar y compartir a través de nuestros montajes esa mezcla que nos define como afrovenezolanos.

Nuestra misión es que la memoria de nuestros pueblos afrobarloventeños sea una voz viva y un conocimiento compartido dentro y fuera de Barlovento.

Hemos construido en cincuenta años, una realidad teatral con arraigo Barloventeño y lo llamamos Teatro total; donde se mezcla el canto, la música, el baile, las manifestaciones, la expresión oral, gestual y corporal en todos los montajes.

En Barlovento se realiza de manera natural el trabajo artístico que forma parte de la memoria de nuestra región y es por esto que el Teatro Negro de Barlovento tiene como finalidad mantener, transmitir y difundir de generación en generación nuestra identidad a través del trabajo teatral que nos dejó nuestro fundador Armando Urbina.

Damos Gracias a Dios que somos una agrupación que ha podido caminar el escenario venezolano y mostrar que Barlovento no solo se expresa con la música, el canto, el tambor, la danza o las manifestaciones culturales por separado, sino que también se expresa a través del teatro integral.

Esa ha sido nuestra manera de entender el teatro, es llevar a escena la vida de un pueblo. Lo contamos desde adentro y desde el convivir diario. Nuestro modo de hacer teatro empieza por observar y escuchar. Nosotros trabajamos con respeto lo antropológico, vemos el teatro como la vida, como somos nosotros.

En el Teatro Negro de Barlovento no separamos el canto de la música, ni la música de la danza, ni la actuación de la vida, todo eso, nos gusta verlo junto en escena. El proceso de creación es colectivo y la dramaturgia se construye entre todos, aunque haya quien dirija y quien ordene este proceso de creación. En escena buscamos la verdad, que la voz sea la de nosotros, que los personajes hablen con el cuerpo, que la música nos inspire, y que el gesto sea el que conocemos en la vida real. Otra forma teatral de nuestra agrupación, es formar mientras creamos.

Hacemos teatro para compartirlo y para que otros lo sigan haciendo.

Atendemos a niños y jóvenes porque son el legado del orgullo por la identidad. La formación no es un taller aparte, es parte del proceso teatral. En cada montaje se enseña y se aprende; en cada ensayo se prepara relevo, en cada función se siembra orgullo. Ese es nuestro modo de cuidar el teatro afrobarloventeño.

El Teatro Negro también ha realizado versiones de historias, por ejemplo, una obra de Federico García Lorca, la contamos igual, pero imaginándonos como habría sido esa historia si hubiese ocurrido en Barlovento.

Hoy en día seguimos soñando con contar historias, aportando en la construcción del teatro venezolano.

En este Día Nacional del Teatro y en nuestro 50⁰ aniversario, dejamos constancia de gratitud, de memoria y de futuro. Más allá de ver cincuenta años de trayectoria teatral, nosotros vemos una raíz, una siembra. Más allá de ver un escenario nosotros vemos nuestras historias. Más allá de ver una función nosotros vemos la posibilidad de compartir y reconocernos como venezolanos.

Nuestro compromiso para los próximos años es cuidar el legado de estos cincuenta años, formar relevo, atender a niños y jóvenes guardar nuestra memoria, seguir creando y llevar el nombre de nuestro amado Barlovento donde haga falta. Queremos seguir siendo una escuela de identidad y de orgullo, un teatro donde la venezolanidad se entienda como lo que es, una construcción entre personas diversas, con voces que se mezclan, se respetan y se cuentan.

Para nosotros el teatro es una familia, un compartir. Y desde Barlovento aportamos nuestro granito de arena para formar parte del maravilloso y diverso teatro venezolano.

A todos ustedes, que de alguna forma hacen teatro, gracias por compartir sus historias, porque el teatro también es una forma de conocer y sentir nuestro país.

Que este día nacional del teatro sea entonces ocasión para reafirmar el valor de nuestras artes escénicas y el respeto a quienes con esfuerzo y vocación construyen cada día el teatro venezolano. Mil gracias. Bendiciones a todos y todas.

Hirma Pacheco

Teatro Negro de Barlovento

¿Eres tú o la lluvia?

 

¡Cuerpos que vuelan, palabras que conmueven…! El Laboratorio Teatral Gesto Escénico estremecerá en el CAM-LB el Día Nacional del Teatro en Maracaibo.

Por: Jésús Eduardo Espinoza.  

El movimiento como vehículo de la memoria y la dramaturgia corporal como un territorio de resistencia poética se abren paso en la cartelera marabina. El Laboratorio Teatral Gesto Escénico celebra su primer año de labor ininterrumpida , fundado formalmente en junio de 2025 con una firme vocación de investigación que entrelaza teatro, danza, música e imagen con el estreno de su más reciente pieza: ¿Eres tú o la lluvia?

Un legado de formación y un ritmo onírico

Detrás de este trabajo hay una sólida trayectoria que se nutre y sostiene en el tiempo. Ambas actrices Juliett de la Cruz y Steff Bohórquez, poseen ya una valiosa experiencia, fruto de una rigurosa formación heredada de una gran maestra de la escena: Silvia Martínez. Este linaje pedagógico florece hoy en el talento de estas jóvenes creadoras, cuyo desempeño sobre las tablas resulta sencillamente extraordinario a través del dominio del cuerpo y el movimiento. 

Quienes son unas verdaderas investigadoras de la escena. En su afán por perfeccionar su arte, tanto Steff como Juliett   realizan constantes viajes de Maracaibo a Caracas para mantenerse en permanente estudio y actualización dentro de las artes escénicas. Esa disciplina rigurosa se complementa con la destacada labor pedagógica de Steff Bohórquez, quien ejerce como profesora de juego dramático y trabajo corporal con los alumnos de la Escuela de Teatro Inés Laredo, adscrita a la Secretaría de Cultura de la Gobernación del Estado Zulia.

En esta puesta en escena, la obra adopta un ritmo lírico y onírico, de naturaleza poética, donde los cuerpos de ambas actrices se transforman con una absoluta unidad. Quienes hemos tenido la oportunidad de asomarnos a su propuesta visual quedamos fascinados al ver cómo esas mujeres se convierten en una suerte de aves humanas; seres de la intemperie que transitan entre la realidad y el vuelo. Es, ante todo, un trabajo escénico muy unido y contundente donde el movimiento esculpe el espacio y los diálogos revelan el alma de los personajes, sostenido por la creatividad y el talento de estas jóvenes que sin duda seguirán dando grandes sorpresas y auguran un porvenir inmenso en la escena venezolana, y muy especialmente en el teatro zuliano. 

La propuesta: Una metáfora de la impermanencia

Bajo la dirección e interpretación de Juliett de la Cruz y Steff Bohórquez, la pieza se plantea como una reflexión sobre el transitar, los ciclos y la impermanencia. Con textos concebidos por el recordado dramaturgo zuliano Javier Rondón, la obra indaga en la identidad desde la corporalidad. Dos personajes habitan los bordes de la fragilidad de la memoria y el dolor velado tras las máscaras, erigiéndose como "seres hechos de literatura" que pugnan por sobrevivir en un entorno distópico azotado por el olvido y el silencio.    

El montaje no busca ilustrar ideas, sino encarnarlas. Así como la lluvia que impacta la tierra, fluye, se evapora y recomienza, el cuerpo escénico se transforma en pulso vital y eterno retorno. Gracias a la adaptación dramatúrgica de Steff, que logra dar a la mencionada obra teatral.  

Homenaje y antesala a la escena

Como antesala a este estreno, en el marco de la celebración del Día Nacional del Teatro, que se celebra el 13 de noviembre en Venezuela. la función rendirá homenaje al maestro Javier Rondón. El preámbulo incluirá el performance Desandar (por Cecilia Muñoz y Lucía Sánchez) y el Monólogo Tutorial a cargo de Stefanny Andrades.  Les recomiendo que asistan a este maravilloso trabajo teatral y tendrán sus apreciaciones particular a lo visto con la obra y las actuaciones.

Agrupación: Laboratorio Teatral Gesto Escénico (@labgestoescenico).  Obra principal: ¿Eres tú o la lluvia?    
Dramaturgia: Javier Rondón. 

Dirección e Interpretación: Juliett de la Cruz y Steff Bohórquez.    

Fechas: sábado 14 y jueves 19 de noviembre.    

Hora: 6:30 PM.    

Lugar: Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez (CAM-LB).    

Colaboración / Entrada: 5$ (Cash / Tasa BCV).    

Reservas:  por los teléfonos 0424-6120156 / 0412-6515377. 

Polisemia y la palabra teatro

 

Por Miguel Flores

Por la naturaleza de su práctica, la palabra "teatro" sufre una constante y rica metamorfosis lingüística. No es un simple capricho del idioma; es el reflejo de una complejidad sociológica única. Mientras que un pintor va a su taller y un escritor se enfrenta a su página, el creador escénico habita un término que es, a la vez, un techo de concreto, una microsociedad jurídica y un modo de resistencia vital.

Para comprender el fenómeno en su totalidad, es necesario fragmentar el término en tres dimensiones esenciales: el espacio físico, el colectivo humano y la condición identitaria.

1. El Teatro como edificio: El contenedor sagrado y el espacio ciudadano

Cuando decimos "voy al teatro", la primera referencia es espacial. El edificio teatral es la arquitectura del encuentro.

Sociológicamente, el teatro como inmueble no es solo un montón de ladrillos con butacas y un proscenio; es un territorio de validación social y un eje urbanístico.

Desde la Antigua Grecia hasta los grandes teatros nacionales, el edificio ha funcionado como un espejo de la estructura social de su época. Sin embargo, en la modernidad, el edificio también se ha transformado en un refugio, un templo laico donde la comunidad se reúne para mirarse a sí misma en la oscuridad.

​El gran director e investigador teatral Peter Brook, en su célebre libro El espacio vacío (1968), revolucionó esta idea al recordarnos que la arquitectura es secundaria ante la acción, pero reconociendo la potencia del lugar:

​"Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina por este espacio vacío mientras otro lo observa, y esto es todo lo que se necesita para realizar un acto teatral."

​Aun así, cuando ese "espacio vacío" se institucionaliza y se convierte en edificio, adquiere un peso civil. El edificio es el punto de referencia geográfico y cultural de una ciudad; es el lugar donde el espectador suspende su cotidianidad para entrar en el tiempo del mito y de la ficción.

​2. El Teatro como grupo o compañía: La microsociedad jurídica y creadora

​Pasamos del continente al contenido. El teatro no son las paredes; son las personas que lo habitan. Aquí es donde la sociología del teatro encuentra su campo más fértil, distinguiendo entre el "grupo de teatro" y la "compañía".

​El grupo de teatro suele nacer de una necesidad estética, política o existencial compartida. El grupo es una célula de resistencia, una pequeña utopía donde los creadores comparten una visión del mundo. Ejemplos históricos como el Odin Teatret de Eugenio Barba o el Berliner Ensemble de Heiner Müller y Bertolt Brecht demuestran que el grupo es, ante todo, un laboratorio de vida y entrenamiento continuo.

​Por otro lado, la compañía con personalidad jurídica es la evolución del grupo hacia la estructura organizativa. El teatro, además de arte, es un hecho económico y laboral. Cuando el grupo se constituye formalmente, adquiere derechos, responsabilidades legales y un entorno de producción que le permite dialogar con el Estado, los mecenas y los circuitos internacionales. Es la profesionalización del oficio.

​El sociólogo francés Jean Duvignaud, pionero en la sociología del teatro, explicaba que el grupo teatral funciona como una "sociedad en miniatura". Dentro del grupo se ensayan nuevas formas de relaciones humanas que luego se proyectan hacia el público. El grupo es el motor que genera el hecho artístico; sin este tejido humano, el edificio quedaría reducido a un museo polvoriento.

​3. El Teatro como identidad individual: "Yo soy del teatro"

​Esta es, quizás, la dimensión más hermosa y abstracta. Cuando un actor, director o productor dice "yo hago teatro" o "yo soy del teatro", no está hablando de un empleo ni de una ubicación geográfica. Está declarando una filiación ontológica, una forma de ciudadanía existencial.

​Decir "soy del teatro" implica pertenecer a una cofradía invisible que atraviesa los siglos. Es una identidad que define cómo se mira la realidad, cómo se camina por la calle y cómo se entiende la condición humana. El teatro aquí deja de ser un objeto de consumo o un espacio físico para convertirse en un cordón umbilical con la vida.

​El maestro Konstantín Stanislavski, en su obra fundamental El trabajo del actor sobre sí mismo, insistía en que esta identidad requiere una ética inquebrantable. Una de sus frases más célebres resume a la perfección esta distinción entre el ego individual y la pertenencia a ese todo abstracto que llamamos teatro:

​"Ama al teatro en ti mismo, y no a ti mismo en el teatro."

​Para el creador, el teatro es una patria sin fronteras. Se puede estar en el patio de una casa, bajo la sombra de un árbol o en una plaza pública, y se sigue "siendo del teatro" porque la mirada del teatrista es permanente: siempre está buscando la luz, el conflicto, la belleza y la verdad del comportamiento humano.

​Conclusión: El vórtice del hecho teatral

En definitiva, la genialidad de la palabra "teatro" radica en que ninguna de estas tres acepciones puede vivir plenamente sin las otras. El edificio necesita la vibración humana del grupo; el grupo necesita un espacio (físico o simbólico) para el encuentro con el espectador; y ambos se desmoronarían si no existieran individuos comprometidos hasta los huesos con la frase "yo soy del teatro".

​Cuando estas tres fuerzas convergen —un creador consciente de su identidad, un grupo consolidado en su oficio y un espacio dispuesto para el rito— ocurre el milagro de la teatralidad. Es allí donde el teatro deja de ser un concepto sociológico y se convierte en lo que siempre ha sido: el arte vivo por excelencia.

Día nacional del teatro venezolano

Texto y fotos Dora Lucena Ramírez

La celebración de este día, inicialmente se realizaba el 28 de junio. Nació por Decreto del presidente de la República Carlos Andrés Pérez del 15 de junio de 1978 y publicado en la Gaceta Oficial de la República de Venezuela N° 31.509 en conmemoración del día en que, en el año 1600, por primera vez aparece documentada en los registros históricos la licencia para la escenificación de una representación teatral.

Esta fecha se mantuvo hasta el 2019 cuando en el Decreto No. 4071, se declara como Día Nacional del Teatro el 13 de noviembre. Este Decreto tiene entre sus "considerando":

“Considerando: Que los valores de la cultura constituyen un bien irrenunciable del pueblo venezolano y un derecho fundamental que el Estado fomentará y garantizará,

Considerando: Que el Libertador Simón Bolívar reconoció al teatro como una creación cultural libre, instrumento innovador de costumbres y lecciones de moral, de lo cual hay evidencia histórica y jurídica, de conformidad al Decreto de fecha 13 de noviembre de 1828, mediante el cual otorgó licencia exclusiva para la construcción de un teatro en la ciudad de Caracas,

Considerando: Que el 13 de noviembre de 1828, es un día significativo, hito histórico como punto de partida republicano de la escena teatral venezolana, como bien irrenunciable del poder popular para construir su trascendencia histórica”.

La Ley del Teatro que establece el marco jurídico que regula, fomenta y protege las artes escénicas teatrales fue publicada en Gaceta Oficial Extraordinaria N° 6.663 del día 11 de noviembre de 2021. En sus primeros artículos establece el Objeto y la Finalidad:

Objeto

Artículo 1. Esta ley tiene por objeto el desarrollo, la formación y promoción de las artes teatrales como libre expresión cultural que contribuye al desarrollo integral de las personas, al buen vivir, a elevar la calidad de vida y al desarrollo económico y social de la Nación, bajo los principios recetores establecidos en la Constitución de la República Bolivariana de Venezuela de una sociedad participativa y protagónica, en un Estado democrático y social de derecho y de justicia, integracionista, latinoamericanista y caribeño, defensor de una cultura de paz y sostenida en los valores de la educación y el trabajo.

Finalidad

Artículo 2. Esta Ley tiene como finalidad:

1. Reconocer y promover la libre creación cultural a través del Teatro.

2. Fomentar y proteger la creación, desarrollo y difusión de las actividades

teatrales en sus diferentes modalidades.

3. Contribuir al desarrollo de la actividad teatral y la creación de obras artísticas cuyo contenido difunda los valores constitutivos de la venezolanidad, especialmente de las culturas populares, indígenas y afrodescendientes”.

En cuanto al Reglamento General, el Ejecutivo Nacional no ha dictado ni publicado un decreto. La ausencia de este Reglamento, deja en un limbo la operatividad de la Ley: financiamiento, gestión, seguridad social continúan sin herramientas de ejecución.

Aún así, las compañías, asociaciones, grupos y teatristas en general continúan trabajando en la promoción de las artes teatrales.

Este año con motivo de la celebración, en todo el país, ya algunas agrupaciones y escuelas de teatro, han anunciado sus actividades para celebrar el día: La Compañía Nacional de Teatro presentará la obra La Revolución escrita por el maestro Isaac Chocrón; en el estado Aragua, la Asociación Teatral de Aragua celebrará con su tradicional Ensamblaje Teatral donde en un solo espectáculo se presentan en esta oportunidad, 13 agrupaciones y 90 artistas y Otro Beta con actividades en la calle; en San Cristóbal, el Movimiento Teatro Escena Táchira, Artechisua Teatro Viajero y Odraleba Teatro organizan el Teatro en Plaza (artes escénicas en espacios públicos y de calle), en Lara, Barinas, Bolivar, Falcón, las diferentes actividades se llevarán a cabo durante varios días.

Entre las manifestaciones culturales se presentarán obras de teatro en todas sus manifestaciones, performance y música en vivo; además de conversatorios, charlas y talleres.

A pesar de todos los inconvenientes, el teatro venezolano continúa; por eso, parodiando aquella famosa canción interpretada por Jennifer López, me atrevo a decir: ¿Y el reglamento pa` cuándo?            

Noviembre 2026

Cantaura y su cuadragésima segunda cita con la escena

Por Iván Lira

Persistencia y terquedad del teatro: Cantaura prepara su cuadragésima segunda cita con la escena

Hay un momento preciso en el teatro que suspende el tiempo: el instante exacto en que la sala se sumerge en una penumbra cómplice, el murmullo del público se extingue como una respiración compartida y el primer haz de luz muerde el polvo suspendido en el aire. En ese parpadeo, las paredes del recinto desaparecen y el espacio se vuelve infinito. Ese es el prodigio que, año tras año, de manera tenaz e inapelable, se ha convocado en el corazón del estado Anzoátegui. La Muestra de Teatro de Cantaura no es simplemente una cita en el calendario cultural; es la ceremonia ritual de una comunidad que se reconoce en el espejo vivo de la ficción, que desafía la intemperie con la fuerza de la palabra y que ahora, con la llegada de su cuadragésima segunda edición, reafirma una vocación inquebrantable por el arte dramático.

El pulso del presente: Entre telones, fechas y un homenaje indiscutible

El Grupo Teatro Moriche y el Teatro Municipal Isaías Medina Angarita se encuentran afinando los últimos detalles para recibir esta nueva cosecha escénica, programada del 20 de noviembre al 5 de diciembre. Con una trayectoria que ha sabido capear temporales económicos y sociales, el festival vuelve a abrir sus puertas en diversos escenarios de Cantaura para cobijar propuestas que van de la risa a la reflexión, de la dramaturgia contemporánea al pulso de la calle.

La edición número 42 llega con un sentido muy especial: rendir tributo a una de las figuras más respetadas y queridas de la escena nacional, el actor guanipense Noel Llovera. Ganador del Premio Nacional de Teatro 2024 y condecorado con la Orden al Mérito en el Día Nacional del Teatro, Llovera —a quien las crónicas y sus pares denominan con justicia uno de los "gigantes del teatro nacional"— ha consagrado su vida a transformar los escenarios en territorios de dignidad e imaginación. Su paso por emblemáticos montajes como Los Emigrados o Manumisas, así como su infatigable labor formativa en la región oriental, convierten este reconocimiento en un acto de estricta justicia poética.

El viaje en el tiempo: Cuatro décadas de resistencia y fervor escénico

Para entender el peso específico de lo que ocurre hoy en Cantaura hay que remontarse a los albores de este sueño. Aunque la organización sitúa formalmente su nacimiento en 1985 —con memorias que apuntan a una gestación previa en 1984 impulsada por voluntades incansables como Will Meza y Betty Ruíz—, la Muestra nació bajo una premisa casi quijotesca: ofrecer a las agrupaciones noveles y experimentadas un espacio de exhibición donde la falta de pergaminos previos jamás fuera una barrera.

A lo largo de su historia, el encuentro ha sabido mutar sin perder el alma. Desde aquellas primeras carteleras regionales hasta ediciones monumentales que han reunido a decenas de agrupaciones nacionales e internacionales —incluso desafiando los complejos tiempos de la virtualidad en 2020 con resiliencia digital y presencial—, el festival se ha desbordado de las paredes del Teatro Municipal y la Sala Diego Sadot para tomar plazas, escuelas y sectores populares. Como bien ha señalado la memoria institucional y el sentir de sus hacedores, esta Muestra se alza como el pulso teatral de mayor continuidad en el oriente del país, un territorio donde el teatro no es lujo ornamental, sino trinchera de identidad y cohesión social.

La voz de la memoria: El arte como trinchera y comunidad

El teatro en Cantaura nunca ha dependido de fastuosos engranajes burocráticos; se sostiene sobre los hombros de creadores que entienden el oficio como un apostolado. En palabras de sus propios fundadores y de trayectorias fecundas como la de Noel Llovera, el trabajo escénico busca incansablemente convertir los espacios cotidianos en "desiertos de sonrisas e imaginación".

Esa vocación comunitaria se traduce en un diálogo constante entre la raíz local y la universalidad del hecho artístico. Las tablas locales han visto desfilar desde comedias entrañables hasta dramas descarnados, demostrando que el público del municipio Freites posee una sensibilidad aguda, curtida por décadas de asistencia fiel y un apetito voraz por las buenas historias.

Un telón que no se baja: Invitación abierta

Llegar a 42 ediciones no es un simple cálculo matemático; es la prueba incontestable de que la pasión artística, cuando es genuina, logra doblegar al olvido. La Muestra de Teatro de Cantaura se alista una vez más para demostrar que, frente a cualquier adversidad, la cultura sigue siendo el latido más honesto de un pueblo.

Del 20 de noviembre al 5 de diciembre, las luces del Teatro Municipal Isaías Medina Angarita volverán a encenderse. La invitación queda formalmente extendida para toda la comunidad y para los visitantes de latitudes vecinas: acudamos al llamado de las tablas, ocupemos las butacas, dejemos que la magia del teatro nos sacuda por dentro y celebremos juntos que, en Cantaura, el telón, tercamente, vuelve a subir.