16.9.26
Maracaibo: La Fundación Teatro Esencial invita a una experiencia escénica doble en la Casa de los Títeres Arepa y Cacao, 19 de septiembre, 2026
La tarde del próximo sábado 19 de septiembre, a las 5:00 p. m.,
la recién inaugurada sala de la Casa de los Títeres Arepa y Cacao abre
sus puertas para recibir una doble función de danza-teatro. La jornada
iniciará con SAMSA, una segunda metamorfosis, propuesta escénica
dirigida por Yoannelly Infante e interpretada por Juan Mantilla y Yecson Peña, que
lleva al escenario una mirada contemporánea sobre los abismos de la condición
humana.
La tarde continuará con la reposición de Solapada ternura,
producción del proyecto Tente EmpieDanza-Teatro bajo la dirección de la reconocida
coreógrafa Silvia Martínez. La pieza reúne en escena a Ileana Arteaga, Ismenia
Juárez,
Carla Matos, Juan Mantilla, Cecilia
Muñoz, Paola Saavedra, Dafne Solarte y José Morán, en una propuesta que explora
los límites entre la representación y la vulnerabilidad.
Esta presentación conjunta no solo
celebra el encuentro escénico, sino que evidencia un vínculo de filiación y
continuidad académica. Yoannelly Infante concibió SAMSA bajo la tutoría docente
y artística de Silvia Martínez, constituyendo su Trabajo Especial de Grado con
el que obtuvo el título de Licenciada en Artes Escénicas (mención Danza) en la
Facultad Experimental de Arte de la Universidad del Zulia (LUZ).
Al profundizar en SAMSA, una segunda
metamorfosis, la obra se revela como una pieza contemporánea inspirada en el
célebre libro La Metamorfosis de Franz Kafka. La puesta en escena es una
invitación directa al sumergimiento en las grietas de Gregorio Samsa, logrando
transformar su pérdida de identidad y soledad.
Por su parte, Solapada ternura se
adentra en las tensiones entre el artificio y la esencia humana. Ambientada en un universo de divas/os y
puestas en escena, plantea la pregunta central: «¿Quiénes somos cuando la
música deja de sonar?». Evolucionada a partir de una fase performática
realizada en 2023 junto a Fundateatristas, la producción reflexiona sobre cómo
los roles asumidos moldean la realidad. En ese ejercicio de honestidad, las
máscaras caen para dejar al descubierto la vulnerabilidad acompañada por el
cúmulo de memorias que marcan los cuerpos.
El montaje de Solapada ternura cuenta
con la participación especial de 18 intérpretes de la ciudad: (Alexis Blanco,
Dennys Fernández, Leonardo Isea, Ángel Marín, Freddy Marín, Ronald Millán, José
Molero, José Luis Montero, Isidro Morillo, Arnaldo Pirela, Juan Carlos
Quintino, William Quiroz, Henry Semprún, Romer Urdaneta, Luis Vargas y
Alexander Ventura, proyectados en un video realizado por Juan Mantilla con la
colaboración de Ángel Marín (Teatro Esencial).
La música original y arreglos son de Carla Matos y Michael Avariano; la identidad visual de Ricardo Sánchez y Tico Perozo; los accesorios de Ileana Arteaga; el vestuario de Melissa Escalona; y el apoyo en escena de Jaime Villasmil y Lucía Sánchez. Jesús Madueño recreó el logo aniversario y, junto a Gabrielle Leendertz y Guary Otero, diseñaron la imagen de la obra, con el respaldo de Fundateatristas, Ana Felicia Núñez, Gabriel Cubillán, Stefany Bohórquez, Keyla González, el Gabinete de Cultura del Zulia y la oportuna crítica de José Javier León, disponible para su lectura en la cuenta de Instagram de la agrupación (@tenteempiedanzateatro).
Fecha: sábado 19 de septiembre | Hora: 5:00 p.m.
Entrada: 5 €
Reservaciones: 0414-3645770Redes:@tenteempiedanzateatro
15.9.26
Aragua: Día Nacional del Teatro 13 de noviembre, en el Teatro Ateneo de Maracay
El teatro pone
en escena aquello de lo que muchas veces no se habla. Venimos cargados de ausencias, distancias o emociones ocultas y,
al salir de la función, el arte nos ha atravesado; hemos compartido risas,
lágrimas o empatía colectiva. Aunque los sentimientos no se pueden tocar, el teatro los materializa. Lo que se
siente, se ve.
El Día Nacional del Teatro,
ya es una tradición que convoca a varias agrupaciones y culmina con un ensamblaje teatral. La
integración coproductiva hace posible diferentes propuestas estéticas para el desarrollo de
una unidad escénica. Con un tema central ajustamos los impulsos para pasar de
una escena a otra y lograr un solo espectáculo.
Además, es importante señalar que este evento también funciona como una vitrina para que las agrupaciones regionales muestren su acto libre y creativo, expresando su visión desde lo particular y lo universal. En este espacio surgen propuestas que quizás no podrían producirse en las salas convencionales debido a las circunstancias actuales; sin embargo, esto no detiene su diálogo constante con el contexto y sus imprevistos, fomentando así “otros imposibles” escénicos dignos de realizarse. Su esfuerzo es nuestro credo, y vale la pena visibilizarlo porque forma parte fundamental del circuito creativo, económico y productivo de la región y del país.
Para integrar toda esa sensibilidad,
apelamos a nuestro esfuerzo, tiempo, sudor y pasión; juntos, con nuestra manera de imaginar la
vida hacemos que el escenario se convierta en un acto puro y humano, en un abrazo colectivo,
presente y posible. Afirmamos que no hay nada más necesario, fundamental e indispensable para la vida y la
sociedad debido a su capacidad única de
generar sentido y permitir la reflexión sobre la realidad y la experiencia humana.
El 13 de noviembre, en el Teatro Ateneo de Maracay, diversos grupos presentarán sus piezas breves convirtiendo el evento en un espacio de resiliencia, esperanza y solidaridad ante las adversidades que nuestra tierra ha enfrentado.
El teatro no solo entretiene, se convierte
en el territorio donde sanamos; repara la casa común a través de la palabra y el encuentro. Cada
aplauso es un cimento nuevo, un ladrillo invisible levantado con la complicidad del público que
desafía el escombro, porque cuando la tierra
tiembla, el arte nos abraza.
Rubén Joya.
13.9.26
Portuguesa: “La Locura de Reverón” se encontró con el público de la Carlos Gauna
 |
| Alfredo Ramos en La locura de Reverón. |
(Tomado
de Profesores de Teatro de Venezuela, Facebook).
Ocurrió el jueves once de junio dos mil veintiséis en el auditorio “Reinaldo Martínez” de la Casa de la Cultura “Carlos Gauna” de Araure, estado Portuguesa. En ese lugar, completicamente lleno de gente, la Agrupación Teatral Cinqueña III de Barinas puso en escena La locura de Reverón.
Fue una función muy especial dedicada a la
referida institución, icono de la cultura portugueseña, con motivo de la
celebración de sus sesenta y un años de fundada. Por otro lado, con la
presentación de esta obra, la agrupación artística barinesa rindió homenaje a
las mujeres y hombres que han forjado la historia del teatro de Acarigua-Araure
desde principios de los años sesenta, algunas y algunos de los cuales
estuvieron presentes entre el público. Especialísima, además, resultó esta
función para Alfredo Ramos, actor y director del grupo, pues después de muchos
años, se reencontró con aquel escenario en el que, un día de mil novecientos
setenta y tres, inició su tránsito por el maravilloso mundo del teatro.
Al final de ese tránsito, el mago de la luz
incorporó a bailar en su Castillete de Macuto a buena parte del público. Luego,
vinieron los efusivos aplausos, y un sencillo, pero muy cálido brindis por la
Casa de la Cultura cumpleañera, por las y los hacedores de teatro, y por la
vida.
Se agradece a la directora de la Casa de la
Cultura “Carlos Gauna”, doctora Lilian Jiménez y a todo el colectivo humano que
la acompaña en su destacada gestión, por las atenciones brindadas a la
Agrupación Teatral Cinqueña III. También se agradece la colaboración dispensada
para el montaje de luces por parte de Saúl Oropeza, de Oropezas Producciones.
Del mismo modo, agradecimientos especiales a las Maestras y Maestros del
teatro, Mirian Sosa, Ivanna Catarrossi, Renny Loyo, Héctor Marcano y Cruz
Alvarado, por contribuir a la convocatoria de teatreros y teatreros de la vieja
guardia a que asistieran a la función y, en algunos casos, con apoyo técnico y
logístico para hacer posible la presentación del grupo en el auditorio
"Reinaldo Martínez".
Así mismo, para los Alcaldes, Salvador Guerrero
del municipio Antonio José de Sucre, y Argenis Aldazoro del municipio Barinas,
así como al gobernador del estado, profesor Adán Chávez, va un profundo
agradecimiento por el valioso apoyo brindado, mediante transporte, alojamiento
y comida. Lo cual garantizó la presencia de la agrupación teatral barinesa en
tierras de Portuguesa.
¡Qué viva el teatro!
10.9.26
La nominación al Premio Isaac Chocrón de la obra “Agua de Colonia” honra a Enrique León y al Teatro Zuliano en general
Alexis Blanco
¡Qué gran noticia…! ¡Nuestro maestro
indispensable, Enrique León Luzardo, nominado para el “Isaac Chocrón”…! Estoy
convencido, sin corroborarlo, que la voz de Milton Quero Arévalo susurraba
entre las cortinas de ese gran Teatro de la Vida Noble. Y Javier Vidal y su
combo jamás “pelarían ese boche”, jejeje.
Me (nos) hicieron la mañana de este jueves 10 de septiembre… Agua de Colonia,
al igual que el resto de las obras escritas por el creador de la Sociedad
Dramática de Maracaibo, nunca será un texto fácil de leer o representar. Sin
embargo, está nutrido por las vivencias de un país transido, a mediados del
pasado siglo… El estar nominado es, de por sí, un rotundo éxito gregario para
esta aldea que le inspiró a escribir: “Falsa es la canción cuando no se tiene a
un cómplice”. Deberían otorgárselo, por unanimidad. Isaac lo haría, sin
rechistar. Ambos fueron muy muy cómplices. Chocrón, creador de la Compañía
Nacional de Teatro, lo llevó a Caracas para dirigir Caín Adolescente, de
Román Chalbaud. Soy testigo privilegiado de esa experiencia trascendental. Al maestro Enrique León Luzardo (de quien me declaro uno de sus discípulos
dilectos) se le considera el más importante director de teatro en el
Zulia actual.
La obra poética del maestro Enrique León Luzardo incluye, además de la nominada
Agua de Colonia, los poemarios Y vos que vais a ser cuando seáis
grande muchacho (1974); Estoy enamorado tuyo (1975); Fragmentos
(1990); Diferencias sobre el nombre (1996) y Flor de baile
(Textos teatrales, 1997).
(Indagad en Google...Mi máquina se cuelga...Aquí mismo, en el barrio Facebook, hay una página, Sociedad Dramática de Maracaibo). Muy pronto, ya avisaremos dónde Marlene Nava y yo instigábamos siempre un conversatorio ad hoc que el tiempo y el río que sucumbe en el lago convirtieron en pecios de mi propio naufragio.
El texto de la revista más importante del teatro iberoamericano:
Sociedad Dramática: Un colectivo llamado Maracaibo
Alexis Blanco
La nota número siete del programa de mano de Caín Adolescente, de Román
Chalbaud, que dirigió Enrique León para la Compañía Nacional de Teatro y que, bajo el nombre de "Tientos," presentaba al
espectador que en el Teatro Nacional de Caracas acudía masivamente a aplaudir y
gozar de esa puesta, dice: "Me es obligatorio nombrar a la Sociedad Dramática de Maracaibo, porque ha sido allí, en ese colectivo, donde
he podido desenmarañar un poco este nada envidiable oficio". Esta nota habla de ese grupo, que él dirige, desde hace más de una
década.
Tomando el nombre, retomándolo, apuntaría él durante una entrevista de la misma Sociedad Dramática de Aficionados que en 1842 se conformaría como el primer grupo teatral dispuesto a dotar a la ciudad portuaria y fronteriza de un teatro erigido después con el nombre de un famoso historiador llamado Rafael María Baralt. Esta Compañía ha consolidado un largo prestigio y una definida tendencia estética, cuya mayor novedad, al decir de los críticos, consiste en manifestarse a través de esa grandilocuente ampulosidad que define a esta gente que vive muy al oeste, en la frontera de Colombia y en la orilla de un lago íntimamente conectado con la larga historia de la conquista y colonización de todo un continente.
¿Cuáles son esos rasgos, ese sedimento creador que ha hecho a esta Compañía,
cuyo nombre se abrevia en una palabra de por sí
significativa en el espectro teatral contemporáneo de Venezuela, "La
Dramática", el mismo nombre que acompaña puestas memorables como la de Ubú
Rey de Alfred Jarry; Edipo, Rey de Sófocles; Traje de etiqueta de
César Chirinos; Profundo de José Ignacio Cabrujas; El médico a palos
de Molière, para citar por ahora sólo algunas de las producciones que ha hecho bajo la égida de León? Hay que mirarlo
de cerca . . .
Una ciudad sin teatro era como Maracaibo
Cuando Enrique León regresa a Venezuela, luego de una "pasantía" de 10 años por el teatro alemán, viviendo en esa tórrida Europa donde
vio "desde los Rolling Stones hasta el Piccolo Teatro de Milano con
Giorgio Strehler, pasando por las experiencias del Living Theatre y las escaramuzas del Berliner Ensemble", viene convencido y convenciendo
que la única manera de hacer teatro con garantías de perdurabilidad y
continuidad es mediante la integración de un grupo estable que funcione desde y
para una sede propia, donde surgiese la efectividad de la primitiva fuente del
teatro: es el espacio vacío que ya Peter Brook había incluido dentro del léxico
teatral de la humanidad.
 |
| Nicolás Curiel y Enrique León |
Por allí surgió "La Dramática," su versatilidad femenina entendida en la noción que regalaría a algún alumno: "En el teatro, amigo mío, la palabra es una hermosa dama a la cual hay que tratar con la mayor de las galanuras." Surgió también aquella frase: "Una ciudad sin teatro es como Maracaibo." Comenzó en 1977 a brillar el aura sudorosa de los actores. Comenzó pensando en un clásico del mejor estilo, según su versión de las cosas: Woyzeck de Georg Büchner.
Un tiento según Adolfo Appia
Con el montaje del Woyzeck comenzó el tránsito hacia otros procesos. Sumergido siempre a pesar suyo, según afirman algunos que le aman de
cerca en un constante proceso de reflexión en torno al teatro, León forja un
continuum de ideas, que tal vez podría ser resumido en el tiento número once
del ya citado programa de su espectáculo con la CNT: "El actor como es
justo debe ocupar el primer lugar. Después de él, la disposición general de la
escena, cuyo
rango implica que está en función de las dimensiones y de la movilidad del actor. A continuación, la todopoderosa luz, la iluminación. El
último término de la pintura, cuyo papel debe subordinarse definitivamente a
los elementos que la preceden".
Esta cita de Appia condensa en buena parte la manera de enfocar las cosas en el escenario por parte de este director, quien ha sido el primero del interior del país en ser invitado a dirigir la institución estatal más importante del teatro. En su concepción "dramática" y vista desde Maracaibo, aclaró siempre a los entendidos que en esa ciudad, capital del Zulia, el estado del petróleo y de la producción pecuaria y agrícola por excelencia de la Nación, el sol nunca dejaba de acentuar una inminente relevancia sobre todo intento estético de sensibilidad y reflexión en torno al hecho teatral y que la convocatoria para el espectador sea respuesta efectiva, siempre y cuando los actores hablaran en un lenguaje que les resultara afectuoso, musical, "marcando la ficción".
Un método de los autos hasta el globo
La intención inicial consistía en conformar un equipo sólido desde
el punto de vista de la formación del actor y del "modo de ser dramático," lo cual en sí entrañaba la disposición de una herramienta de trabajo que sin encajar en lo que conceptualmente responde al nombre de "Método”, si discurriera por la particular alquimia que debe encajar todo espectáculo para atrapar la magia del espectador y resolverle de manera directa su necesidad de ser conmovido, sorprendido, bien tratado en la dimensión de su voluntad de acceder a asistir a cada nueva ceremonia, generalmente nocturna, como en todas partes del mundo.
La intención inicial consistía en conformar un equipo sólido desde
el punto de vista de la formación del actor y del "modo de ser dramático," lo cual en sí entrañaba la disposición de una herramienta de trabajo que sin encajar en lo que conceptualmente responde al nombre de "Método”, si discurriera por la particular alquimia que debe encajar todo espectáculo para atrapar la magia del espectador y resolverle de manera directa su necesidad de ser conmovido, sorprendido, bien tratado en la dimensión de su voluntad de acceder a asistir a cada nueva ceremonia, generalmente nocturna, como en todas partes del mundo.
Así, las experiencias didácticas preliminares recogieron el antiguo legado del hombre de la escena en Maracaibo, como Manuel Marín a quien todo el mundo llamaba con el seudónimo de "El Mocho" y otros, como Antonio García. Hay una razón integral en esta actitud: el padre de León, Jesús León, fue actor profesional con estas compañías, las cuales se repartieron el trabajo de la ciudad, en las décadas del 20, 30 e inicios de la de los 40. Por otra parte, esa tradición había mantenido casi siempre un maridaje con la "dialéctica del tigre," la cual, según la perspectiva del artista antiguo, quería decir: "Hay que hacer de todo para poder vivir de este oficio." Desde y si se mira bien, en contra de esa tendencia, y en una aparente y contradictoria acción de reconocimiento de esa manera de vivir de muchos profesionales "matatigre", a la fuerza, de los postulados que animaron puestas como la de Traje de etiqueta, donde el tigre era elevado a una condición estética, acompañado por "tigres" como los de Jorge Luis Borges, William Blake y Orson Welles, según consta en el programa de mano de esa pieza que concurriría a los Festivales Nacionales copando la atención por su acción participativa, rica en imaginería popular y una progresiva y envolvente alucinación alrededor de cada espectador.
De manera, pues que Enrique León propone su tesis inicial de trabajo, que la profesionalización debía trascender los ámbitos de esa manera parroquiana de disponer de las rayas del tigre en el traje del actor y que éste debía beber de la fuente constante de la formación y estudio de los procedimientos creativos del arte de hacer teatro. De allí que cuando indicaba, "Un actor debe ser eficiente administrador, un gran contabilista además, debe saber mirarse a sí mismo en el personaje que esté creando”, mucha gente suspiró escéptica y hasta dejó colar alguna sorna. La historia parece haber sido muy seria al escuchar los planteamientos del poeta que dijese alguna vez, "Falsa es la canción cuando no se tiene un cómplice”.
Una sala de teatro pequeña en una ciudad grande
Desde la integración del universal testimonio del arte teatral, visto en atrios eclesiásticos donde se representaban los autos sacramentales en
la Edad Media hasta la brillante exposición que surge del Teatro El Globo,
regresando hacia Atenas y señalando el Old Vic o el Alberto de Paz y Mateos, la
Rajatabla, o mirando hacia el Teatro Municipal de la Ciudad de Puebla en
México, donde la Sociedad Dramática estuvo en 1984, invitada al Festival
Cervantino por el gobierno del país de Juan Rulfo y Octavio Paz, tener un
teatro ha sido siempre el gran sueño de este grupo de Maracaibo, el mismo que
ahora regenta la Sala de Teatro Antonio García en la avenida 5 de julio N°
3C-73 (Calle 77) de Maracaibo y desde donde ha impulsado toda esta trayectoria
que se ganó el premio continental Ollantay 1983 como mejor grupo y por
su trabajo de investigación y aportes a la realidad teatral latinoamericana.
Un lugar de participación para una ciudad de más de millón y medio de
habitantes y ninguna sala de espectáculos continuamente activa. De esta manera surgió un teatro para la ciudad que dejó de ser ajena a la diaria confrontación del público con los artistas que intentan
reflejarlo en sus costumbres, idiosincrasia y tradiciones, sin tener por ello
que abandonar la universalidad de la cultura mundial. Cabe recordar entonces la
afirmación de Enrique León: "Debo señalar que vengo de una ciudad amada por la luz, alucinante de inmanencias y algunas veces
engañada por sus habitantes y vecinos. No es extraño, entonces, encontrar… en la
‘Dramática’... signos de esa canción”.
Cada cabeza es un mundo
Pero León desea hablar por ahora de lo que
significa cada día esa "casa como de esperanzas y sueños". En la Sala Antonio García se
ha venido conformando durante los meses de febrero, marzo, abril, mayo, junio,
julio, septiembre, octubre y noviembre del año '87 una programación especial
donde, diariamente, más de 100 jóvenes estudiantes de los diferentes centros de
educación secundaria del Estado Zulia asisten durante las mañanas, a ver una
función del espectáculo Pasos, sainetes maracaiberos del siglo XIX, donde se
acompaña el mismo con una charla sobre los comienzos de la actividad teatral en
la ciudad, a mediados del pasado siglo y de cómo se ha evolucionado hasta esta edición
contemporánea de la "Dramática." Ese podría considerarse el primer
paso de toda una idea pedagógica que tiene su punto de atención básica en dos
proyectos desarrollados como talleres: el de creatividad infantil, llamado La
Caja del Cachicamo y el de formación de jóvenes actores, denominado Taller
Permanente de Teatro. En La Caja… se recrea un trabajo interdisciplinario de pedagogía infantil, apoyado en novedosas proposiciones al respecto y que hasta
ahora ha producido siete espectáculos, diseñados y propuestos por los niños
participantes, con la conducción de algunos integrantes del estable. Del mismo
modo, en el TPT, los jóvenes con edades comprendidas entre 16 y 25 años se
integran a los patrones de trabajo de la SDM sin que por ello haya lugar para
el sacrificio de la espontaneidad que surja de los participantes, quienes básicamente son instruídos en cuanto a las múltiples relaciones que supone este tipo de
trabajo, donde el amor juega el rol preponderante.
Esa palabra mágica, esas palabras mágicas
Afirmaba Enrique León durante el breve discurso de celebración de los diez años de la Sociedad Dramática de Maracaibo, el siete de julio de
1987, que: "Este trabajo ha significado para nosotros litros de sangre,
pero el amor ha sido nuestro catalizador, nuestra enzima vibrante por la cual
nos damos el mágico gusto de pisar un escenario con dignidad y desde allí
reafirmar nuestra condición de artistas, amantes de la ciudad, de sus secretos, los cuales queremos siempre transformar
en rumores y sorpresas que encanten a nuestros espectadores y ensanchen esta
emoción que comienza con el ritual diario, por el cual venimos y hacia al cual
vamos".
Lo demás está en nuestra contemporaneidad. Desde esta ancha intención están las voces y los gestos de Enrique León y la compañía que le secunda en esta labor diaria y permanente: Nelly Oliver, Homero Montes, Alexis Blanco, Doris Chávez, Gerardo Piñeiro, Walter Sambiagio, Camila León, José Antonio García, Hermmankis Parra y toda una ciudad que tienen como compañera. Desde ella, saludan, agradecidos…
Dejo esto en el ambiente, más una... anécdota:
En Delfos, siete de julio de 1988, minutos antes del estreno de Edipo, rey,
inaugurando un evento organizado por el Ministerio de Cultura griego, entonces
regentado por la legendaria actriz Irene Pappas, el cual no era un festival
teatral en sí, sino la indagación epistemológica de aquellos griegos sobre la
huella (factible y perfectible, en aquel entonces representada) marcada
por su poética teatral en el mundo entero. El montaje de León con su SDM
impactó a Miguel Castillo Didier, así como a otros eruditos y especialistas
(Isaac Chocrón a la cabeza) quienes aplaudieron y avalaron la lectura
"dramática" de un Edipo que representaba la tragedia del poder
ilegítimo de los gobiernos de facto en nuestro continente. De hecho, en la
primera versión realizada por Enrique León Luzardo, vuestro relator (hoy
devenido en BCC) vestía un traje blanco, de lino, a la usanza y estilo de Pedro
Estrada. La máscara siempre formó parte del planteamiento, para jugar con la
melena del actor protagonista y para fortalecer la escena final, cuando Edipo
se saca los ojos, pero, se los juro, fundamentalmente porque todos los
Dramáticos adorábamos y queríamos lucir las máscaras que hacía un entrañable
amigo de entonces y de siempre, un talentosísimo hermano por todos conocido y
admirado como Javier Rondón…
En fin, momentos antes de aquella legendaria función en Delfos, Enrique me
llamó aparte y, posando sus manos sobre mis hombros, con su voz de arrullo y
rif de guitarra etérea, cual maestro émulo de su tocayo, Lossada, me miró a los
ojos y me recitó, solemne y neobarroco: "¡Chamo! (mi apodo originario) no
tengo más lejos dónde traerte...Te amo... Ahora, sal al escenario y hazlo... Recuerda
que tú eres Edipo y que esta gente conoce muy bien la novelita de Sófocles que,
desde el otro lado del mundo, hemos venido aquí para contarles. Móntate en el caballo de nuestra versión de
la historia, por ellos harto sabida, y condúcelos sin tregua hasta la verdad de
Tebas, la desolación de Edipo, por nosotros poetizada" ¡Ufff!!! Me maravilla la memoria, me hace
maravillar.
¡Salud!
Alexis Blanco, El Barroco Cronista Cuántico.
9.9.26
La poesía, el títere y la memoria se abrazan en Maracaibo: 12vo. Festival de Poesía.
 |
| Carlos Aguirre Fulcado |
Por Jesús Eduardo Espinoza.
La ciudad vuelve a
convertirse en el epicentro de las letras nacionales. Con un rotundo éxito y el
telón abierto de par en par, el histórico Teatro Baralt dio la bienvenida a la
duodécima edición del Festival de Poesía de Maracaibo, un encuentro que este
año rinde un merecido homenaje al titiritero, dramaturgo y docente Carlos
Aguirre Fulcado.
Organizado por el
infatigable poeta, editor y hombre de letras Luis Peroso Cervantes, figura
clave al frente de Sultana del Lago Editores, el festival consolida, una vez más, un espacio de resistencia y celebración cultural. Gracias a su labor editorial,
la imprenta se ha convertido en un puente para dar a conocer la creación de
autores zulianos, de toda Venezuela y de creadores internacionales que han
visitado la región. La poesía sonríe y brilla en la trayectoria de Carlos
Aguirre Fulcado, maestro de la construcción y manipulación del títere, y
educador que sigue dejando una huella imborrable en la Escuela de Títeres de
la Secretaría de Cultura de la Gobernación del Zulia, formando a generaciones
de titiriteros que hoy sostienen el legado de las tablas regionales.
 |
| Carlos Aguirre Fulcado |
Los compases iniciales de la fiesta literaria
El telón del Teatro
Baralt se abrió el martes 8 de septiembre para rendir tributo al maestro
Aguirre. La jornada inaugural estuvo matizada por las palabras alusivas a su
obra y la voz de los poetas que interpretaron sus propias creaciones. El
encanto del teatrillo cobró vida cuando el actor y titiritero Richard Uzcátegui
movilizó sus muñecos con piezas poéticas admirablemente logradas ante los
espectadores. La música en vivo, acompañada de sugerentes imágenes, transportó
a los asistentes por los caminos de la historia narrativa en un inicio
inolvidable.
Una agenda en expansión: del verso virtual al pulso
territorial
La programación
continuó su marcha abarcando diversos formatos y locaciones:
Miércoles 9 de
septiembre: Las actividades virtuales tomaron protagonismo con las lecturas de
poesía de "Código Poético", a cargo de Alexander Lugo Rodríguez, Lira
Cabrales, Norvis María Martínez Ramos, Olga Cortez y Paola Monasterios.
En el transcurso de la
tarde, la jornada literaria se enriqueció con importantes presentaciones
editoriales: Poesía Completa de María Calcaño, el libro Poesía y
Serranía de Manuel Felipe Zamora, Canto a Maracaibo de Duglas
Zabala, y la lectura titulada "Lo que Duele Decir".
Para cerrar el día, el
festival se desplazó a otro espacio cultural entrañable en Palmarejo, bajo
el lema "El Zulia es un poema", que incluyó lecturas y la
inauguración de una exposición, con la participación de los poetas Carlos
Ildemar Pérez, José Luis Montero Conde y el propio Luis Peroso Cervantes.
Con este arranque, el
festival continúa desplegando una agenda cargada de alegría y entusiasmo que
seguirá llevando muestras poéticas por distintos rincones hasta su gran cierre
el domingo 13 de septiembre.
7.9.26
Maracaibo: La Escuela de Teatro Inés Laredo llama a inscripciones.
La Escuela de Teatro
Inés Laredo, de la @secretariadeculturazulia inicia la prórroga de
inscripciones para su programa regular de formación para adultos, y para el
Taller Inicial de Teatro.
Hasta el viernes
25 de septiembre puedes formalizar
tu inscripción para el período 2026-2027.
OFRECEMOS:
Formación a tres años
(seis semestres) con Certificado del Programa de Formación expedido por la
Secretaría de Cultura de la Gobernación del Estado Zulia.
Mención: Actuación
Materias: Educación de la Voz, Actuación, Expresión Corporal,
Análisis de Texto Dramático, Historia del Teatro, Juegos de Expresión
Dramática, Producción, Teatro de Títeres + Maestros invitados en áreas afines a
lo largo de la formación.
REQUISITOS:
Adultos: Ser bachilleres como requisito mínimo. Los
adolescentes que aún no cumplan el requisito pueden inscribirse en talleres
libres cuando se convoquen.
Niños: Tener edades comprendidas entre los 8 y los 12 años
para integrar el Taller Inicial de Teatro.
Descarga, llena y trae
la planilla de inscripción que aparece en el perfil de la cuenta de Instagram ESCUELA DE
TEATRO INÉS LAREDO
Copia de la cédula de
identidad (en caso de menores de edad, acompaña la planilla con copia de la
cédula del representante, de la partida de nacimiento del alumno y su examen
cardiovascular).
Copia del título de
bachiller o del último título obtenido.
Examen de Salud Mental
Pega una fotografía
tipo carnet a la planilla.
Regístrate con tu
nombre y apellido al 0424 6543936 para ingresar al grupo de nuevos alumnos.
Consignación de
documentos:
Lunes, miércoles y
viernes de 9:00 a 12:00
Lugar para
consignar documentos:
Centro de Formación Artística Andrés Eloy Blanco (Secretaría de Cultura del
estado Zulia). Av. El Milagro, diagonal al Hospital Central de Maracaibo.
Escuela de Teatro Inés Laredo.
Nota: Los menores de edad deben asistir acompañados de un
representante.
Horario de clases: miércoles y viernes de 2:00 a 4:30 pm
Lugar de las
inscripciones: Centro de
Formación Artística Andrés Eloy Blanco (Secretaría de Cultura) Av. El
Milagro.
Granada, traición y crimen. Reseña por Ligia Álvarez
El pasado sábado 7 de septiembre, a las 7:00 p.m. —con rigurosa puntualidad—, dio inicio el espectáculo Granada, traición y crimen, al cual tuve el privilegio de asistir como invitada.
El dramaturgista es Aníbal Grunn, quien también asume la codirección junto a Carlos Arroyo y Rufino Dorta. La puesta en escena congrega a un talentoso elenco conformado tanto por actores y actrices emergentes como consolidados, con el propósito de rendir homenaje al insigne escritor español Federico García Lorca, a los noventa años del fusilamiento que lo aniquiló físicamente, pero que no pudo exterminar el legado que dejó a la humanidad.
Durante la función se entrelazan la vida, la
poesía y la dramaturgia del autor sin dejar de resaltar los trágicos momentos
de su persecución y posterior asesinato. El recorrido se divide en seis
estaciones, destacándose, desde mi perspectiva personal, los siguientes
momentos:
Comienza
en los espacios abiertos del estacionamiento de la Compañía Nacional de Teatro,
donde se recrea la ribera de un río con agua alrededor mediante expresivos
movimientos corporales y coreografías, acompañados por un grupo de mujeres que
entonan cantos de labor.
El
público se desplaza hacia otros rincones. Desde un balcón se proclaman
fragmentos de su legado literario y en el cafetín se representa una pequeña
parte de la pieza Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, enriquecida
con matices guitarristas y plegarias.
La
experiencia no concede tregua ni a los intérpretes ni a los espectadores,
porque el formato exige una caminata constante. En el trayecto se incluyen
pasajes humorísticos y números de danza que rememoran instantes de "La Barraca",
la emblemática compañía teatral fundada por el gran poeta y hombre de
teatro.
A lo
largo de todo el trayecto, una sombra acecha la luminosidad del arte: un
gendarme que cumple el doble rol de encarnar la represión y la autoridad
exagerada, y de guiar a la audiencia en la transición de cada estación. También
la figura de Bernarda Alba, en varias ocasiones, irrumpe para exigir un silencio
luctuoso, tal vez presintiendo el fatal destino de su creador. Yerma no se
queda atrás lamentándose de la infertilidad, y el Romancero Gitano nos permite
emocionarnos una vez más.
El
viaje llega a su fin en la sala Román Chalbaud del recinto, donde se vive el
episodio más desgarrador: el fusilamiento del poeta, representado a través del
lenguaje dramático y corporal, simbolizando la ejecución perpetrada contra la
poesía, las tablas, la danza y la cultura en general. Este trágico suceso no
silencia el lamento de los personajes femeninos, cuyos cantos y expresivos
gestos sellan la presencia eterna del artista.
La
obra deja claro que el crimen trasciende al poeta, pues Federico García Lorca
no es uno solo. Vive en cada verso, en el compás de la danza, en el amor a la
palabra y en cada actriz, actor, espectador y poeta. A pesar del gendarme que vigila los pasos de los espectadores,
su duende permanece intacto, arropado por la admiración del público.
Juicio a Medea impacta en el Teatro Baralt
Rigor mítico, talento
emergente y
el llamado a la unión del teatro zuliano.
el llamado a la unión del teatro zuliano.
Por: Jesús Eduardo Espinoza León
El pasado fin de semana, la Sala Experimental del Teatro
Baralt, gracias al apoyo del arquitecto Jesús Lombardi se convirtió en el
epicentro de un acontecimiento escénico de altura, con la presentación de Juicio
a Medea. Hay que destacar la pluma de la autora: la dramaturgia
de Yasmina Jiménez se alza con una brillantez innegable, construyendo líneas de
diálogo cargadas de profundas metáforas que resignifican la temática de Medea
con un alto nivel de teatralidad.
Este texto exigente y
poético encontró un cuidado absoluto bajo la visión del director Leonardo Isea,
quien supo traducir esa fuerza literaria en imágenes vivas sobre la escena. La obra
ofreció una puesta en escena sumamente onírica con imágenes de poética teatral,
donde el uso de pantallas con proyecciones de nubes y los sutiles efectos de
luces,el cortinaje, el piso de espejos a cargo de Alexander Ventura y José Luis
Cabrita, junto a la producción de María Alejandra lograron dotar de vida propia
al texto dramático.
La propuesta dialoga con maestría entre la tragedia clásica de Eurípides y la realidad
contemporánea de la mujer. Expone aquellas heridas donde el dolor, la
humillación y la pulsión de venganza frente a la agresión masculina se
transforman en materia escénica. Todo ello sostenido por un riguroso trabajo escenográfico
y los reflejos de espejo que hacen posible la magia en su teatralidad entre los
personajes y lo corporal del elenco.
Guiado por la valiosa batuta del maestro coreógrafo Alexander Ventura, se consolida un espectáculo puro, hermoso y profundamente reflexivo que debería ser de obligatoria apreciación para los estudiantes de teatro, de danza y de educación secundaria por unir lo mitológico con nuestra realidad.
Uno de los pilares fundamentales de este éxito recae en la entrega absoluta, en cuerpo y alma, de Stefany Salas en el papel protagónico de Medea. Egresada de la Escuela de Teatro Inés Laredo y nutrida por la formación del director Leonardo Isea, Salas demuestra una organicidad desbordante y gran futuro en la actuación. A su lado, un trío de actrices noveles, entre ellas Nora Chávez, Micaela Calles y Sofía Beck formadas en el taller-montaje, asumieron la interpretación con un profesionalismo admirable. Esto evidencia que el talento en el estado Zulia y en Maracaibo florece con fuerza, especialmente cuando existen directores como Isea, en el área de las artes escénicas, y Ventura, en la danza contemporánea: ambos se consagran a la formación integral de las nuevas generaciones. En la obra, además, asistió la reconocida actriz y docente zuliana Nereida Pérez.
Sin embargo, tras la
euforia del aplauso y el reconocimiento a la vocación de estos artistas, quienes
sostienen su labor a pulso superando la escasez de recursos,
es imperativo detenerse a reflexionar sobre una debilidad que nos atañe como
gremio.
El teatro marabino
tiene los elementos para erigirse como potencia, pues le sobra talento, amor y entrega por el oficio. Pero ese salto cuantitativo y
cualitativo solo se dará cuando acudamos a ver al compañero
para brindarle el abrazo solidario y la retroalimentación constructiva. Apoyarnos los unos a los otros
es el camino para que nuestra escena brille con la fuerza incontestable
que merece.
Graciela Henríquez Escobar: In Memoriam
 |
| (Graciela Henríquez. Barquisimeto, 1932 / México, 5 de septiembre 2026) |
(Tomado de la revista Paso de Gato).
La Universidad Nacional Autónoma de México, a
través de la Coordinación de Difusión Cultural UNAM y la Dirección de Danza
UNAM, entregó el Reconocimiento Danza UNAM 2025 a la doctora Graciela Henríquez
Escobar. La entrega se realizó el domingo 1 de febrero de 2025.
RECONOCIMIENTO
La doctora Graciela Henríquez Escobar,
bailarina, coreógrafa e investigadora es originaria de Barquisimeto, Venezuela. Su
formación en ballet comenzó en Caracas y París, y se amplió a través de una
trayectoria internacional que la llevó a trabajar en países como Etiopía,
Italia, Alemania y Estados Unidos. No obstante, fue en México donde encontró el
contexto propicio para profundizar en la danza moderna y establecer su
residencia permanente, marcando un punto de inflexión en su desarrollo
artístico.
Desde su llegada a México en 1962, se integró
activamente al panorama cultural mexicano, donde formó parte de proyectos con
figuras fundamentales como Alejandro Jodorowsky, Amalia Hernández y Raúl Flores
Canelo. En particular, su vínculo con este último, a través del Ballet
Independiente, dio inicio a una etapa decisiva de su trabajo coreográfico.
Durante este periodo estrenó obras como Invenciones, Gymnopédies, Mujeres y
Espacios, las cuales consolidaron un legado esencial para la danza
contemporánea y la danza-teatro en México.
De forma paralela a su labor escénica, Graciela
Henríquez Escobar desarrolló una sólida trayectoria académica y creativa en la
que logró converger investigación, docencia y producción artística. Estudió
Antropología Social en la ENAH, obtuvo la Maestría en Divulgación de la
Historia y el Doctorado en Antropología y Arte; esta formación
interdisciplinaria se reflejó directamente en la concepción de obras como La
Bolivariada, Radioranzas 42, Tropicanas Holiday, y Presagios, entre otras. A lo
largo de más de tres décadas ejerció la docencia en instituciones como la
Universidad Iberoamericana y la Escuela de Danza CICO, además de desempeñarse
como subdirectora del Museo Universitario del Chopo.
Cabe señalar que el primer Reconocimiento Danza
UNAM 2017 se le otorgó al maestro Serafín Aponte; en 2018, al maestro Manuel
Hiram; en 2019, a la maestra Lourdes Lecona; en 2020, a los maestros Jaime
Blanc y Guillermo Maldonado; en 2021, a la maestra Leticia Alvarado; en 2022,
al maestro Alberto Dallal; en 2023 a la maestra Anadel Lynton, y en 2024 al
maestro Federico Castro.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
Maneras de mirar
Maneras de mirar
Miradas al escenario nace como resultado del taller de Crítica Teatral organizado por la Compañía Nacional de Teatro de Venezuela durante e...
-
COMUNICADO DEL MOVIMIENTO TEATRAL VENEZOLANO ORGANIZADO En defensa de la República Bolivariana de Venezuela, la soberanía y la libertad ...
-
Un punto de vista D esaciertos en la escena bogotana por Carlos Rojas criticarojas@gmail.com Desaciertos en la escena bogotana . Foto c... -
“La acción cultural debe inundar las comunas” Oswaldo Ramos, teatrista y activista social Por Oscar Acosta Oswaldo Ramos es Licencia...