Conversatorio. El desafío del teatro venezolano en la actualidad 8- El reto más grande: llenar las salas, Annie Ferrer.

Annie Ferrer

Continuando con las ponencias del Conversatorio El desafío del teatro venezolano en la actualidad, realizado en el marco del XXII FETCOM 2024, organizado por el Instituto de Investigación para el Desarrollo del Arte en Venezuela, (iiAVE) a continuación, la ponencia titulada El reto más grande: llenar las salas, enviado por Annie Ferrer, actriz de teatro, cine y televisión; directora de Garaje Teatral, productora y dramaturga.

Annie Ferrer, inició su trayectoria teatral en el Complejo Cultural Cruz Felipe Iriarte del estado La Guaira. Posteriormente, siguió su formación en la Agrupación Teatral Policromía y participó en talleres de actuación con los maestros: William Cuao, Dimas González, Grupo Actoral 80, Rubén Darío Gil, Daifra Blanco, Jennifer Morales, Juvel Vielma, Norma Monasterios y Antonio Cuevas. En el ámbito de la dramaturgia ha asistido a talleres de Pablo García Gámez y Ligia Álvarez entre otros.

Ha participado en innumerables producciones teatrales, festivales teatrales, telenovelas, cortometrajes, largometrajes, videoclips y comerciales. Como actriz, ha recibido numerosos reconocimientos y menciones. Entre ellos, destacan: premio a Mejor Actriz Principal en el Festival de Monólogos UPEL, y en FESTEA por su participación en Anónimo, obra escrita por Dionys Fuentes. En el Festival de Monólogos No Convencionales 2024, fue galardonada con una Mención Especial por su interpretación de Regina Espina de la obra Actúa con Regina Espina, del dramaturgo Pablo García Gámez.

Entre sus obras dramáticas se encuentran, Amargo frenesí, No controles, El reino de Maléfica, Los fantasmas de Ebenezer. Su pieza teatral Que me velen sentao, recibió el Primer Premio del Concurso Estadal de Dramaturgia 2025 Rodolfo Santana de La Guaira, premio otorgado por la CNT en conjunto con el Cenal.

En el año 2022 inauguró Garaje Teatral, ubicado en Carayaca, un espacio dedicado para la creación y formación actoral para niños, jóvenes y adultos.

El reto más grande: llenar las salas

Annie Ferrer

El reto que tengo desde que soy actriz es llenar una sala, incentivar al público a que venga a ver un trabajo que está hecho con amor, disciplina y responsabilidad.

Es una cuestión de encontrar alternativas, incluso al valor de una entrada. En mi papel de directora de una agrupación infantil, al momento del diseño de un flyer, busco de que sea sumamente llamativo, incluso lo acompaño con videos que invitan a la audiencia, haciendo las propuestas más interesantes.

Ha sido uno desafío sumamente grande como actriz, especialmente en el ámbito del cine, ¿por qué?, porque siempre he querido mantenerme atenta a las redes sociales para enterarme de las convocatorias a casting para largometrajes, aunque quisiera mantenerme distanciada de estas plataformas digitales.

Siento que este año he sido afortunada. El Festival Teatral de Autor (FESTEA) de Maigualida Gamero, me brindó la oportunidad de mostrar el trabajo que he ido desarrollando durante dos años y medio con niños en la comunidad de Carayaca. Este evento me dio la oportunidad de presentar mi labor en el FESTEA 2024. Considero que debería fomentarse este tipo de iniciativas, ya que constituyen una vitrina donde acude el público a valorar el acto creativo.

Ahorita en FESTEA nos otorgaron un reconocimiento que es para mí, para Annie Ferrer, un llamado a seguir trabajando duro, con disciplina y con respeto hacia nuestro oficio. Nos dieron un reconocimiento que considero y siento que vale más que cualquier otro premio y es el de “mejor taquilla” porque realizamos un esfuerzo conjunto con los representantes encargados de la venta de entradas. ¿A qué conclusión he llegado? Definitivamente, hay que hacer preventa.

Hay otro reto que hay que superar. Yo siento que en el teatro hay dos bandos: los del este, y los de la otra zona y ¡No! el teatro es teatro en su esencia, sin importar el lugar en qué se realice; ya sea en una plaza, sea en la Concha Acústica, o en el Teatro Principal, ¡es teatro! y eso es lo que debe unir a los artistas. Ninguno es más que nadie por simplemente pertenecer a un grupo reconocido o de larga trayectoria. ¡No! Somos artistas y merecemos estar unidos. El hecho que yo esté realizando teatro en Carayaca con niños, no significa que ese teatro o lo que yo escriba, sea de menor valía que una obra escrita por otro dramaturgo, simplemente por ser de otra zona geográfica. ¿okey? Porque poseo la habilidad para escribir una obra y tengo las herramientas ya que recibo clases con un maestro que es Pablo García Gámez y además, tengo compañeras que son maestras: la maestra Ligia Álvarez, Roma Rappa, Dora Lucena, el mismo Armando Holzer.

La CNT ha logrado que se unan los artistas, porque cuando ellos celebran sus eventos, incluyen en los reconocimientos el trabajo de un Williams Cuao, de una Alejandra Téllez, así como de sus artistas pertenecientes a los diversos elencos pero también a otros. Y eso es maravilloso, eso es unir, eso es reconocer que existen artistas en otros rincones, que también le están echando corazón y que ellos están reconociendo ese trabajo, valoran ese esfuerzo. También se está promoviendo la visibilidad de la dramaturgia venezolana y de los conversatorios; siento que ellos han creado una plataforma que permite al artista celebrar el hecho creativo y se encuentran allí esos creadores, esos colegas que continúan la labor artística.

Y eso me encanta, que la CNT siempre está en la búsqueda de dar visibilidad a los artistas que nos encontramos en otros rincones. Y como muestra un botón: El Día Internacional del Teatro. Garaje Teatral, celebra por segundo año consecutivo este evento formando parte de la programación de la CNT, y eso lo agradezco muchísimo. Es un honor que Garaje Teatral haya sido sede de Mujeres Creadoras en su segundo año, y viene su tercer año. Allí, ha estado Jericó, ella desde Caracas y yo aquí, dándole visibilidad a lo que se está haciendo en nuestra comunidad. Eso es maravilloso. Apoyarnos sin mezquindad, dejar la apatía; como artistas debemos dejar de ser indiferentes.

También aplaudo la creación del grupo de WhatsApp (Texturas), en el cual están las dramaturgas venezolanas.

Un premio no te hace mejor.  Un premio te incentiva a seguir por este camino y trabajar y trabajar

Agrupación Teatral Coordinación: Primer Círculo de Lectura Interactiva Itinerante en San Felipe, por Elsy Loyo

Elsy Loyo

El 13 de febrero de 2026 se realizará el Primer Círculo de Lectura Interactiva Itinerante, en San Felipe, Estado Yaracuy, de la mano de La Agrupación Teatral Coordinación.

Llegó febrero y, de su mano, nuevos caminos para recorrer desde La Agrupación Teatral Coordinación hacia la comunidad que nos alberga y nos motiva para seguir adelante.

Estos caminos abren para que este 13 de febrero nuestro Círculo de Lectura Interactiva, que arribó en el año 2025, como programa pionero en el Estado Yaracuy, a su segundo aniversario, se haga de un espacio nuevo el cual se realizará en convivencia con los Encuentros que en la Sala Coordinación, sede de La Agrupación, que ya hemos instituido una vez al mes para todos los lectores y lectoras que quieran vivir esta experiencia.

Este nuevo espacio lo hemos denominado Círculos de Lectura Interactiva Itinerantes. El espacio tiene como objetivo hacer llegar a otros lugares del Municipio y del Estado la lectura de dramaturgia con el libro físico, en voz alta, y generando tertulias, intercaladas con café y bocaditos dulces que hagan cercano y ameno el encuentro. De esta manera tratamos de replicar la experiencia que disfrutamos una vez al mes en Los Círculos de Lectura en San Felipe destinados al publico en general, en el seno de La Agrupación.

En esta oportunidad nuestro 1er Círculo Itinerante ha de realizarse en la Comunidad de Las Tapias 2, Municipio San Felipe, en homenaje a La Mujer, con Dramaturgia Nacional Femenina, por medio de La Antología de Lorena Pino: La Dramaturgia Femenina Venezolana. Siglos XIX -XX.

La organización de este Círculo, en particular, es en conjunto con la A.C. Adulto Mayor El Renacer, que hace vida activa en esta comunidad en el área social y cultural, y que nos recibiera en los años  2019 y 2025 en sus  patios  con nuestro Programa Patios de Naturaleza Familias Anfitrionas – Patios Teatrales con el montaje: Eemarü el Camino en Ofrenda a María Lionza.

El vínculo ha continuado, y se ha extendido. En el transcurso del tiempo también han organizado sus idas como espectadores a nuestra Sala. Han participado en Círculos de Lectura en nuestra sede y ahora abren para ser receptores y promotores de este programa en su Comunidad. Realmente estamos más que agradecidos con este maravilloso grupo de seres humanos por su apertura y receptividad.

Por tanto, la emoción nos embarga al ver que el 13 está aquí, que lo que hemos proyectado está a punto de hacerse realidad, y la compañía de gente tan bonita en la construcción del camino nos emociona aún más.

La aventura de una nueva experiencia nos motiva y hace sentir que la vida está ahí, que el teatro se abre paso de múltiples maneras para ser recibido, y para recibirnos y retarnos a seguir descubriéndolo cada día en sus múltiples maneras de hacerse presente. Ojalá siempre podamos estar a la altura de sus desafíos.

Ahora nos procuramos el Camino para el encuentro. Para que este teatro que hacemos siga viviendo y nos mantenga en la vida viva. Así que tenemos una cita este 13 de febrero a las 4:30 PM en la Sede de la  A.C  Adulto Mayor El  Renacer, Calle Alegría con José Félix Rivas, Comunidad Las Tapias 2, San Felipe en el 1er Círculo de Lectura Interactiva Itinerante celebrando a la Mujer. Allí nos vemos.

14 de febrero, 10:00am. Cine, teatro, poesía de Grecia en el Trasnocho Cultural, Caracas.

Este sábado 14 de febrero a las 10 a.m. en la Sala Paseo 1 del Trasnocho Cultural, el Centro Cultural Griego Venezolano reanuda sus actividades culturales para el gran público con la proyección de la película IFIGENIA de Michael Cacoyannis basada en la tragedia "Ifigenia en Áulide" de Eurípides.

Esta es una oportunidad muy especial para reencontrarnos con lo mejor del cine helénico y celebrar el Día Mundial del Idioma Griego (9 de febrero).

Previo a la proyección habrá palabras de la cineasta Efterpi Charalambidis sobre el cine de genial director grecochipriota (Zorba, el Griego, Electra, Las Troyanas entre otras). La película cuenta con el protagonismo de la gran actriz griega Irene Papas y lo más granado del universo actoral de Grecia.

También Costa Palamides hablará brevemente sobre la puesta en escena de tragedias griegas en la escena teatral caraqueña en un homenaje a Ludwig Pineda, el actor venezolano que más personajes griegos encarnó en nuestras tablas y que en el 2022 vivió en Grecia y actuó en griego en el montaje de Amor de Don Perlimplin con Belisa en su jardín de Federico García Lorca.

Por último, se presentará la edición bilingüe de una antología de la sublime lirica de la isla de Lesbos, la inmensa en su brevedad SAFO, cuyo título es ENCENDIDA POR EL DESEO con traducción del griego eólico de María Virginia Guevara, todo un acontecimiento literario en Venezuela gracias a Nila Ediciones de Giordana García Sojo.

Tres preámbulos exquisitos para celebrar con IFIGENIA en la pantalla grande, la proeza histórica y la vida eterna de la lengua griega, declarada por la UNESCO Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

La cita es este sábado 14 de febrero a las 10 a.m. en la Sala Paseo 1 del Trasnocho Cultural con entradas a la venta en la taquilla a 5$. Una presentación del Centro Cultural Griego Venezolano Venezolano inaugurando su variada programación del año 2026. Los esperamos.

La crítica teatral nacional en duelo: Falleció el maestro Leonardo Azparren Giménez. Por Alexis Blanco

A sus 85 años, Leonardo Azparren Giménez, surca el cielo de Barquisimeto para despedirse en su crespúsculo del adiós. Este miércoles, 11 de febrero, mientras dormía exhaló su último suspiro. Confieso que me siento muy triste, tristísimo. Era uno de esos amigos luminiscentes. Uno de esos muy pocos que en el mundo van quedando para poder conversar acerca de “La ciencia del teatro”.

Por ello, al partir hacia el morado mundo, Leonardo Azparren Giménez deja una impactante huella como el más acreditado crítico e investigador del teatro venezolano, dejando vacío el Sillón Letra "LL" de la Academia Venezolana de la Lengua. Un titán de “El Gesto de Mostrar”, como llamó a su imprescindible columna periodística.

En Maracaibo sembró una abundante camada de amigos. La mayor discrepancia que con LAG mantuve fue por un hecho baladí: él, seguidor de los Cardenales de Lara; yo, de las Águilis lis lis lis. Ni siquiera nuestra antinomia política deshizo un entrañable lazo de profundo respeto y amor por el teatro bien pensado y mejor hecho. Cada vez que publicaba un libro o un artículo suyo, lo encontraba adjunto en mi buzón de correo electrónico.

Leonardo Azparren Giménez con Alexis Blanco.  Casa de la Capitulación, 1986.

Tanta generosidad se agradece de por vida. La suya comenzó en Barquisimeto, el 12 de julio de 1941. Obtuvo licenciatura en Filosofía e hizo su maestría en Teatro Latinoamericano. Era Profesor Titular de la Universidad Central de Venezuela y coordinador de la Maestría en Teatro Latinoamericano de esa institución.  Trabajó en el cuerpo diplomático, durante sendas décadas (1971-1991). Dirigió el Fondo de Fomento Cinematográfico cuatro años (1982-86).

Fue Presidente del Círculo de Críticos de Teatro de Venezuela (1986-88); de la Editorial Monte Ávila (1994) y de la Fundación Teresa Carreño (1995-1999). Fue un especialista en teatro venezolano y teatro griego.

Sus investigaciones estuvieron centradas en los procesos de modernización del teatro venezolano y en el discurso teatral. La muerte lo durmió sin condiciones ni tregua. Y no le dio tiempo de culminar ese estudio del teatro completo de José Ignacio Cabrujas (1937-1995). El 27 de octubre de 2008 se incorporó a la Academia Venezolana de la Lengua con el discurso titulado “El drama: La paradoja del progreso en el primer discurso teatral moderno venezolano”.  Asesoraba el Grupo de Estudios de Teatro Argentino e Iberoamericano de la Universidad de Buenos Aires.

Reía, perplejo, cuando Enrique León, con quien ya desandará los escenarios de Dante Alighieri, le decía: “El Chamo dice que vos sois un verdugo”. No podía creer que, con esa frase, los maracuchos proferían el más sentido elogio.

Partió, en paz, el excelso Leonardo Azparren Giménez, dejando libros de insoslayable trascendencia histórica y referencial: Cabrujas en tres actos (1983, ensayos) Caracas; El Nuevo Grupo, 105p.; Documentos para la historia del teatro en Venezuela, siglos XVI, XVII y XVIII (1994, documentos con estudio preliminar) Caracas: Monte Ávila Editores, 333p.; El teatro en Venezuela, ensayos históricos (1997, ensayos) Caracas: Alfadil ediciones, 209 p.; El realismo en el nuevo teatro venezolano (2002, ensayos). Caracas: Universidad Central de Venezuela, 111p.; Estudios sobre teatro venezolano (2006, ensayos) Caracas, Universidad Central de Venezuela, 286 p. En 1999, ganó, en Argentina, el Premio Nacional de Investigación Armando Discépolo (1999) de la Universidad de Buenos Aires. Sí, sin duda, un verdugo.

Una vez, en señal de afecto insondable, descorchó una botella de Tokaji, un vino al que los húngaros llaman “oro dulce”. Una bendición compartida con Herminia, su compañera de toda la vida.

Ahora nos parece escucharlo, leyendo en voz alta, con su voz de violonchelo: “Aspiro ofrecer unos instrumentos que puedan ser útiles al alumno, en los que coinciden algunos aspectos teóricos y metodológicos tradicionales en los estudios teatrales, como los de la semiología, y los aportes de los estudios del discurso y su análisis crítico. El énfasis está puesto en el texto dramático (TD) en sus marcos sociales, sin perder la perspectiva de la práctica teatral como un todo, incluido el TD. Mi enfoque en nada pretende ser excluyente de otros en el análisis teatral. Entre nosotros se han publicado varios trabajos que han contribuido con la investigación teórica. Baste citar Técnica literaria del drama, de Enrique Izaguirre (1965) y, más recientemente, Apuntes sobre el texto teatral (1993) y Trama, proceso de construcción de la obra teatral (2010), del dramaturgo Edilio Peña. Incursiono en un campo amplio y previamente enriquecido. Comienzo con un panorama general de los orígenes y evolución de la teoría teatral para hacer escala en la semiología, la teoría que en el siglo veinte formuló principios teóricos y perspectivas metodológicas para los estudios teatrales.

Me detengo en lo relacionado con el signo teatral, el modelo actancial y el objeto teatral, por parecerme los campos de investigación más interesantes; también me refiero al enfoque semiológico del discurso teatral. A continuación, presento un panorama de los principios generales de los estudios del discurso, susceptibles de ser útiles para el análisis del discurso teatral. Parto de autores clásicos como Ferdinand de Saussure y M. M. Bajtín, para después abordar los planteamientos de Teun van Dijk, Norman Fairclough y Ruth Wodak.

En la tercera parte propongo una definición/descripción del discurso teatral y hago un análisis de los elementos que lo conforman.  Después expongo el concepto y el procedimiento general para abordar su análisis crítico, alimentado con lo expuesto en las partes iniciales. Mi propósito e interés es su utilidad para los estudiantes”.

Como decía antes, el teatro hecho en el Zulia ocupó siempre la atención en su enfoque global nacional: “También en 1959 tuvo lugar el festival de teatros universitarios en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela. Lo inauguró el teatro universitario de la Universidad del Zulia con El enfermo imaginario, de Molière, bajo la dirección de Inés Laredo.”

Y con la Sociedad Dramática de Maracaibo devino en un asesor fundamental. En enero de 1986, del 17 al 19, coadyuvó en el éxito del Primer Encuentro Nacional de Críticos de Teatro, capitaneando a un selecto grupo de miembros de ese gremio en Venezuela: Pablo García Gámez, Pedro Gatti, Edgardo Greco, Enrique Izaguirre, Edgar Moreno Uribe, Sonia Murillo, Carlos Pérez Ariza, Helena Sassone, Gisselle Schafermann, Virginia Vidal, Carmen Bohórquez, Víctor Carreño y Alexis Blanco.

Al crepúsculo del pasado tres de enero, el alma y el espíritu del maestro expresaron, en su cuenta Facebook: “Siento vergüenza por lo ocurrido ayer en mi país. Los venezolanos estamos obligados a revisarnos, a revisar lo que somos como sociedad, los valores en los que creemos y deberíamos creer y considerar la insuficiencia de sabiduría práctica que padecemos…”

Finalmente, hace muy poco, citaba al gran dramaturgo de la Grecia antigua, por él mismo muy estudiado: “Mientras está en juego el destino de nuestra sociedad y nuestro país, yo me dedico a releer a Eurípides y su representación de la violencia que destruyó su ciudad.”

Y, desde Eurípides, desde esa confrontación entre Odiseo y el Cíclope, imaginamos escuchar al propio Leonardo leyendo las líneas de…

SILENO:

Veo a la orilla del mar el casco de una nave griega, y a los remeros con su capitán que vienen hacia aquí y traen colgados de su cuello vasos vacíos, sin duda en busca de alimento, y las urnas del agua. ¡Oh extranjeros desdichados! ¿Quiénes son? No sabrán quién es Polifemo, nuestro señor, cuando se dirigen hacia este techo inhospitalario, arrastrados por su triste destino para servir de pasto al Cíclope que devora a los hombres. Pero callaos, y les preguntaremos de dónde vienen a las sículas rocas del Etna.”. Luego habrá apagón general mientras la Corifeo musita, compungida:

Oración Memoria Silencio.

Descanse en Paz.

 Alexis Blanco

El viernes 5 de marzo de 2003, partió de gira: Un recuerdo para la inolvidable actriz Carmen Palma, por Hernán Colmenares

Carmen Palma

En 1948, de la mano del recordado maestro mexicano, Jesús Gómez Obregón, inició su carrera en las tablas, al ingresar al curso de Capacitación Teatral del Ministerio de Educación de Venezuela. A lo largo de 56 años de actuación obtuvo, entre otros reconocimientos, la Orden Mérito al Trabajo, Primera Clase; Premio Casa del Artista, y Premio Juana Sujo por su magistral e inolvidable interpretación del personaje Gerarda, de la obra La Dorotea, de Lope de Vega; y en dos oportunidades el Premio Municipal de Teatro (1990 actriz de reparto y 1993, Mejor Actriz por su intervención en Escrito y Sellado, de Isaac Chocrón). De su paso por el cine venezolano, nos dejó el recuerdo de su personaje La Abuela en el film Macu, la Mujer del Policía.

El 20 de octubre de 2001, realizaría su última actuación, al corresponderle clausurar la Vigésima Sexta edición del Festival Internacional de Teatro de Oriente, en la ciudad de Barcelona, con la pieza El malentendido, de Albert Camus, junto a Francis Rueda, Alberto Álvarez, y Halid Hayeck, montada por el Teatro del Duende, bajo la dirección de Gilberto Pinto. En su honor, la sala de teatro, del grupo La Misere, de Maracay, lleva el nombre de la actriz nacida en Choroní, población del litoral aragüeño.

Apasionada por el teatro.

Carmen Palma, apasionada por la actuación, en 1950 participó en la fundación de los grupos teatrales Yare y Proa, dirigidos por Jesús Gómez Obregón y Eduardo Moreno, respectivamente. En 1951 viajaría a México para continuar su formación teatral en el Teatro de la Reforma (Seminario de Actores) con el maestro Seki Sano. A su regreso, en 1954, y hasta 1956, crea y dirige el Centro Teatral Maracay.

En 1957, junto con Alfonso López, funda el Teatro Popular de Venezuela, realizando presentaciones en todas las Universidades del país y en escuelas y liceos de Caracas. En 1958, para el Ateneo de Caracas, actúa en la obra La Rubiera de Ida Gramcko, dirigida por Horacio Peterson; y con el grupo Máscaras participa en Larga Despedida, de Tennesse Williams, bajo la dirección de Humberto Orsini. En 1959, interviene como organizadora y actriz en el Primer Festival de Teatro Venezolano, auspiciado por la Federación Venezolana de Teatro. En 1960, ingresa al Teatro Nacional Popular del Ministerio de Educación para actuar en ocho montajes de autores como César Rengifo, Federico García Lorca, Román Chalbaud, Alejandro Casona y Elizabeth Schon, entre otros.
En los años 60 y 68 trabaja en Televisión Educativa con el Centro Audiovisual Nacional del Ministerio de Educación. A la par de esta actividad, entre 1964 y 1965, actúa en piezas del teatro costumbrista venezolano. En 1966, participa en el Tercer Festival de Teatro Venezolano. En 1970 y 1971, es dirigida por José Ignacio Cabrujas en los montajes Madre Coraje, de Bertolt Brecht; y Profundo.
En 1972-73, interviene en Ricardo III, de William Shakespeare, dirigida por José Antonio Gutiérrez. En 1974, participa en la fundación de Marionetas de Venezuela-Teatro Tilingo, agrupación dirigida por Clara Rosa Otero Silva de Altamirano. En 1976, obtiene el premio Flor de la Siempreviva, otorgado por el Teatro Arte de Venezuela por su impecable interpretación del rol Bernarda Alba, en La Casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca, dirigida por Ibrahim Guerra.

En 1978, obtiene el Premio a la Mejor Actriz, por su actuación como Carmen en la pieza El Balcón de Jean Genet, versión y dirección de Ugo Ulive. En 1979, además de realizar un espectáculo unipersonal con poemas de Rafael Alberti y montar la pieza Historia de un Matrimonio, de Jaime Armiñan, con presentaciones en el Teatro Luis Peraza, el Teatro La Campiña, la Universidad Simón Bolívar y la Casa Guipuzcoana, de La Guaira; dedicarse a la docencia teatral, en los liceos Eduardo Calcaño, Agustín Aveledo, y Eduardo Crema; se incorpora a la actuación en las televisoras Radio Caracas TV, Venezolana de Televisión, canal 8 y Televisora Nacional TVN-5, y participa en la programación de dramáticos de las emisoras Radio Continente y Radio Nacional de Venezuela.

En los años 1980 y 1981, con el afán de ampliar su formación actoral se incorpora al Taller de Expresión Corporal y Educación Psicomotriz, dictado por Guillermo Díaz y Eduardo Gil. Curso sobre Lenguaje, Curso de Dramatización, dictado por José Gabriel Núñez, organizado por la Asociación Venezolana de Profesionales del Teatro. En las Primeras Jornadas Nacionales de Integración Social. Información sobre el Programa de Teatro dentro de las Nuevas Estrategias y el Teatro como Elemento de Integración. Así como en el Segundo Congreso Nacional de Educación Especial, con la ponencia Juegos Teatrales.

En 1982-83, forma parte del elenco de la película venezolana Teresa, de Alida Ávila. Participa en el Festival de Teatro Venezolano con la obra Las Cuatro Esquinas, de José Simón Escalona; y en la programación especial con motivo del Bicentenario del nacimiento de Simón Bolívar con un Homenaje al Libertador basado en poemas de Pablo Neruda y César Rengifo. Junto al profesor Trino Rojas, dicta el Seminario de Artes Escénicas, Juegos Teatrales, en Caracas y en Cumaná.

En 1986-87, se presenta en el Festival de Arte de Educación Especial, celebrado en el Teatro Teresa Carreño, con la adaptación y dirección de El Ángel Santiago, de Federico García Lorca, y poemas de Luis Queremel, actuados por alumnos del Instituto de Educación Especial Mevorah Florentin (ciegos y deficientes visuales).  Bajo la dirección de Gustavo Tambascio, actúa en dos montajes: Chúo Gil, de Arturo Uslar Pietri, con presentaciones en el Festival de Otoño, Círculo de Bellas Artes, Madrid; y en el Festival Iberoamericano de Cádiz, en España, para luego hacer una exitosa temporada en el Ateneo de Caracas. El otro montaje fue Albertina en Cinco Tiempos, de Michel Tremblay.

De la mano, del siempre recordado Carlos Giménez, participó en los montajes Casas Muertas, de Miguel Otero Silva, presentado en el Festival de la Habana en 1987; y en Todo está como siempre ha sido, de Oscar Garaycochea.

En 1988-89, luego de encarnar el personaje de La Abuela en la película Macu, la Mujer del Policía, dirigida por Solveig Hogesteyn, interviene en el 2do. Festival de Arte de Educación Especial del Distrito Federal y obtiene el Premio al Mejor Trabajo con la adaptación y dirección de Las Dos Chelitas, de Julio Garmendia. Asimismo, actúa en Las Bicicletas son para el Verano, de Fernando Fernán Gómez, dirigida por Ricardo Lombardi.

Por su labor en el campo de las artes escénicas el Concejo Municipal del Distrito Girardot le otorgó un reconocimiento. Con estas líneas, reivindicamos la figura de la actriz y docente teatral, Carmen Palma, quien estuvo en las tablas durante 56 años de su vida. Definitivamente, nació y vivió para el teatro.

Hernán Colmenares

Teatro y filosofía, la vida del ser en la escena del asombro cotidiano, por Freddy A. Torres González

 Teatro y filosofía, la vida del ser en la escena del asombro cotidiano.

(Texto dedicado al doctor Jonás Montilva)

-La violación de lo sagrado:

¿Que religión profeso? Ninguna
de todas las que me nombras.
-¿Y, por qué ninguna?
-Por religión.

Uno se pregunta , quién por fanatismo, o respeta las creencias y hasta las no creencias de la otra gente considerado como ateísmo.
La íntima religiosidad de la escena clásica de Shakespeare por ejemplo no disminuye el fervor de las veneraciones con la trama de los hechos compactados por la trama Isabelina.
Lo sagrado del ser es una experiencia como ejercicio de poder que tiende a ser absoluto.

Empédocles nos dice que la diosa Afrodita fue la primera reina del universo considerada como la Edad de Oro de nuestro mundo donde no había conflicto entre los inmortales y mortales. Desde luego, esto es un "mito' dónde expresa la profunda nostalgia del hombre por la "sagrada paz" que antes había, tanto en el cielo como en la tierra.

En general, lo sagrado es lo que con fervor anhelamos, pero difícilmente podemos tener en su totalidad.
Lo sagrado en la escena de la tragedia griega es la experiencia que se escapa a nuestra voluntad inquisitiva puesto que es un don, una gracia, un regalo que transfigura al hombre que recibe este favor divino.
Nos referimos por supuesto al mythos que es muy superior que la sabiduría mundana que nos hace vislumbrar la esencia de lo sagrado.
Es la parte divina del hombre cuando afirmamos con los ojos bien cerrados:
"Cuando los dioses eran más humanos
los hombres eran más divinos".

Todo mal, en el ensayo del filósofo ruso, Simon Frank cuando escribió su tesis La crisis del humanismo: "Todo mal que para Dostoievski siempre tiene origen espiritual, la soberbia, la alegría por la desgracia ajena, la crueldad, el odio, y hasta la lujuria, proviene de algún modo, de la tendencia del alma de vengar lo sagrado del hombre, ofendido y humillado, el núcleo más sagrado de la personalidad de afirmar y defender sus derechos, de un modo absurdo y perverso.

Los hombres malvados y oscuros de las obras de Shakespeare se puede visualizar en Ricardo II, en su monólogo inicial donde nos confiesa que se quiere vengar de la naturaleza por haberlo dotado de un cuerpo de monstruosa fealdad:

(Yo privado de esta bella proporción, desprovisto de todo encanto por la pérfida naturaleza; deforme, sin acabar,
enviado antes de tiempo a este
latente mundo, terminado a medias,
y esto tan imperfecto y fuera de moda,
que los perros ladran cuando ante ellos
me paro. ¡Vaya! yo, en estos tiempos afeminados de paz muelle, no hallo delicia en que pensar, el tiempo, a no ser espiar mi sombra al sol, y hago glosas sobre mi propia deformidad).

Por cierto Nietzsche reconoce la 'ilusión' de lo suprasensible como la disposición de sensibilidad del sosiego, que de algún modo brinda la metafísica. Por eso es válido preguntar: ¿cuál es la naturaleza de esta “ilusión" de lo suprasensible? ¿Tenemos derecho para instalar en un mundo extraño una fuente de todo Bien y de toda Verdad, para desde allí para valorar esto que nos acontece como Vida?

La relación de Nietzsche con la metafísica del ser de cifra en un movimiento de pensar en el que está en juego es el valor de la existencia del hombre. El hombre, minado desde adentro por el tiempo, ejecuta con Nietzsche, una tregua amorosa con el tiempo para verse en el espejo de la profunda orfandad cósmica que lo devora y, sin embargo, se detiene a pensar el valor de la existencia ante los demás.

La vida, como la obertura de Don Juan de Mozart empieza con acorde menor. Ese acorde menor no es otro que el asombro del “aparecer” de todo cuanto aparece para decirlo en una frase filosófica de Heidegger. y ' aparecer " "salir" es decisivo, "existir”. En un sentido existir expresa el hecho de que algo de a partir de un cierto origen. Ese "darse algo" en que consiste la existencia de todo cuanto aparece, se traduce en el horizonte del hombre de manera de una "soledad enamorada" en la que lo se desea y atrae causa temor y horror.
Esta soledad tiene un carácter de peregrino pleno de autenticidad, se hace consciente de un rasgo migratorio y mudable de la experiencia de vida por ejemplo en Ricardo II del dramaturgo inglés.

Todos los horizontes que se le presentan al hombre para valorar la vida, según Nietzsche, es el ocaso de todos los objetivos que guarda el hombre para confrontar la vida.
Solo queda un desierto en el que la subjetividad ejercite su dominio fracasado.

El universo de la representación, es según Kant, el mundo del conocimiento que preserva un sólido fundamento que se revela en un vacío superficial de la apariencia.

Frente a la facticidad de la existencia de Ricardo II , el hombre está sólo,
solo con su deseo y su horror
al contemplar en toda su abismal
profundidad aquello que Nietzsche
en un fragmento póstumo en 1870,
llamo Mysterion y asombro.

En lo que respecta al mundo,
no pudiendo gozar de él
como un don apacible en su quietud
sino por el contrario a través de la realidad
dispersa, disímil, y plural crea un armisticio
con el mundo a través de los valores
que le confieren conservación y crecimiento,
asimismo, la seguridad es su máximo
ante la vida, pues mientras más mira al fondo,
el hombre, tanto más hasta el fondo
a observar su sufrimiento.

Freddy A. Torres González

CANDILEJAS. José Luis Montero: El rostro inmutable del teatro Zuliano. Por Jésus Eduardo Espinoza.

Trayectoria artística del zuliano José Luis Montero

Formación y primeros pasos.

Formación integral: además de la actuación, se ha preparado en canto lírico, en la danza y el ballet clásico, lo que le otorga un dominio corporal y vocal poco común en la escena venezolana. La cual lo hizo muy joven, para luego dedicarse al teatro.

Grupo Rajatabla (Caracas): fue actor del afamado colectivo dirigido por Carlos Giménez, fue uno de los directores más influyentes del teatro latinoamericano.

Cine venezolano: participó en rodajes bajo la dirección de Román Chalbaud, figura clave del cine nacional.

Reconocimiento en Maracaibo.

Actualmente es considerado primer actor del Zulia, con presentaciones en espacios emblemáticos como el Teatro Baralt.

Su presencia escénica se caracteriza por un trabajo corporal y vocal impecable, que mantiene al público absorto en cada interpretación.

En Macbeth

Estilo y aportes.

Versatilidad: combina la técnica clásica con exploraciones contemporáneas.

Multidisciplinariedad: su formación en canto y danza le permite enriquecer la interpretación actoral.

Compromiso cultural: ha sido parte de montajes que rescatan la memoria colectiva y reflexionan sobre la condición humana.

Legado regional: su carrera contribuye a consolidar a Maracaibo como un centro teatral de relevancia nacional.

José Luis Montero es un referente del teatro zuliano y venezolano, con una carrera que une tradición y modernidad. Su paso por Rajatabla y el cine de Chalbaud lo vincula con la historia del arte nacional, mientras que sus interpretaciones recientes en Maracaibo lo consolidan como un actor de gran vigencia y profundidad.

La fuerza actoral de José Luis Montero.

José Luis Montero posee una presencia escénica arrolladora que lo convierte en un intérprete capaz de transformar cada papel en una experiencia única. Su formación integral en teatro, canto y ballet clásico le otorga un dominio absoluto del cuerpo y la voz, herramientas que utiliza para fundirse con sus personajes y darles vida con intensidad y autenticidad.

Metamorfosis escénica: no se limita a representar, sino que se transforma, logrando que el público vea al personaje y no al actor.

Versatilidad: transita con naturalidad entre lo clásico y lo contemporáneo, desde Macbeth de Shakespeare hasta Informe para Informe para una Academia de Kafka.

Profundidad emocional: cada interpretación está cargada de matices, transmitiendo la complejidad humana y atrapando al espectador en la trama.

Rigor técnico: su disciplina en canto y danza se refleja en la precisión de sus movimientos y en la potencia de su voz, que sostiene monólogos intensos y escenas de gran exigencia.

Como Ricardo III en Romancero Shakespeare
bajo el sol 

Impacto cultural: como primer actor del Zulia, ha consolidado un legado que reafirma la vigencia del teatro regional dentro del panorama nacional.

José Luis Montero es un actor que no actúa, se transforma. Su fuerza radica en la capacidad de desaparecer detrás del personaje y hacerlo vibrar con verdad, convirtiendo cada obra en un acontecimiento memorable para el público.

José Luis Montero en Macbeth

En cada aparición sobre las tablas, José Luis Montero despliega una energía escénica que desborda los límites del personaje. Su fuerza actoral no se mide solo en la potencia de su voz o en la precisión de sus gestos, sino en la capacidad de desaparecer detrás del papel y encarnar una verdad distinta en cada obra.

Montero no interpreta: se transforma. En Macbeth, su mirada oscura y su cuerpo tensado transmiten la ambición desmedida que devora al protagonista. En Informe para una Academia, su voz modulada y su gestualidad animalizada convierten el relato kafkiano en un espejo inquietante de la condición humana. Y en Agua de Colonia, su sensibilidad poética rescata la memoria colectiva con una intensidad que conmueve y sacude.

Su arte es un acto de metamorfosis permanente, donde la disciplina del ballet clásico y la musicalidad del canto se funden con la dramaturgia para crear personajes que respiran, sufren y vibran en escena. El público no ve a José Luis Montero: ve a Macbeth, a Pedro el Rojo, a cada criatura que emerge de su entrega absoluta.

Pronto homenaje a Marlene Nava.

La periodista cultural, fallecida recientemente, dejó como legado una pieza teatral inédita que su familia entregó a José Luis Montero. El hecho de que ella misma asistiera a la puesta de Macbeth otorga un carácter profundamente simbólico a este proyecto. La obra, ya terminada y lista para estreno, se perfila como un homenaje que une periodismo, memoria y teatro, reafirmando la función del arte como guardián de la identidad zuliana. Con el apoyo del Arquitecto Jesús Lonbaldi, conjuntamente con la Compañía Residente Baralt Teatro Clásico, bajo la dirección de la puesta en escena de Alfredo Peñuela.

Proyección futura: El loco y la monja.

La elección de un texto de Stanisław Witkiewicz, dramaturgo polaco de vanguardia. Este proyecto promete confrontar al público con temas de locura, espiritualidad y crítica social, en un lenguaje que desafía las convenciones.

José Luis Montero no actúa:
se disuelve en la piel del personaje,
se convierte en Macbeth,

en Pedro el Rojo,

en memoria viva del Zulia.
El público no ve al actor,
ve la vida misma,
transformada en teatro.

CINE: Alexis Blanco escribe esta “Barroca Crónica Cuántica” de una muy íntima película teatral llamada “Valor Sentimental”

En exclusiva, presentamos a continuación los apuntes del crítico de arte del Teatro Baralt, miembro del equipo del blog Miradas al Escenario y reportero ad honorem de Noticia Al Día, acerca de otra extraordinaria joya cinematográfica de nuestro tiempo, también muy vinculada con la historia universal del arte de la actuación. Menester será leerlos y sentirlos…

Valor Sentimental: Acerca del infinito afán de la memoria.

Sólo quienes han subido a un escenario y han sentido ese delicioso estado de pánico escénico, previo al comienzo de una representación teatral, podrán comprender a cabalidad ese incendio desde las entrañas que consume a “Nora Borg”, el personaje protagonista de esta última extraordinaria película del noruego Joachim Trier, Valor Sentimental, la cual, con un Globo de Oro en su muy rutilante palmarés, se apresta ahora a coronarse en marzo próximo, durante la ceremonia de los Premios Óscar.

“Nora Borg”, la actriz de la ficción de Trier, interpretada en el filme por la excepcional noruega Renate Reinsve, tiene que salir a escena para un pequeño rol en una obra del maestro ruso, Anton Chejov. Pero también ella estará después convocada para protagonizar “Nora” (Casa de muñecas), obra de su compatriota Enrik Ibsen y de donde le proviene su nombre:

“HELMER: ¡Claro! Como abogado, lo he comprobado en numerosas ocasiones. Casi todas las personas depravadas en su juventud han tenido madres embusteras.

NORA: ¿Por qué madres... precisamente?
HELMER: De ordinario son las madres; aunque, como es lógico, también los padres influyen en este sentido. Bien lo saben todos los abogados”.

Ojo: ese texto citado de Ibsen no está incluido en el filme de Trier, pero he aquí que lo utilizo para referirlo y para no arruinarles la fiesta a ustedes, bienamados lectores, con necios spoilers. No, señor…Aunque también pude haber enloquecido un poco, citando aquella bella canción de Lennon y Los Beatles, citada por Haruki Murakami: “Y cuando desperté estaba solo, este pájaro había volado.   Así que encendí un fuego ¿No es buena la madera noruega?”

Joachim Trier habla de su película maravillosa: “Lo que heredamos no es propiedad: es memoria”. Así planteada, Valor Sentimental es un drama familiar, discretamente devastador, sobre el legado, el ego artístico y el patrimonio emocional del que nunca nos desprendemos. Cuando un cineasta, antaño aclamado, regresa a la vida de sus hijas distanciadas, viejas heridas resurgen en una casa que ha absorbido generaciones de amor, abandono, ambición y silencio… Una ojeada a la enciclopedia virtual refleja:

“Sentimental Value (2025), dirigida por Joachim Trier, es una película noruega que evoca la intensidad dramática de Henrik Ibsen, explorando traumas familiares no abordados, el distanciamiento y la carga de la memoria. La protagonista, Nora, es una actriz que interpreta el papel de Nora en Casa de muñecas, de Ibsen, reflejando la búsqueda de liberación y autenticidad del clásico…”.

Así, como una preciada joya familiar muy antigua van apareciendo las claves, los objetos cuyo valor sentimental florecen durante las dos horas de la película: culpas, actos fallidos, descomunicación, oscuros recuerdos gregarios, dolorosos recuerdos del fascismo y sus agravios torturantes. Dos niñas crecen escuchando conversaciones de terapias terribles, en una antigua casa donde los ductos calóricos incendian las almas ofuscadas por la postguerra y sus crímenes extendidos. Un muchacho crece y envejece marcado por la culpa y el estupor ante el suicidio de su madre. Es un artista que proclama la palabra libertad como el componente fundamental de toda obra estética importante. Libertad, recordábamos desde Erich Fromm, es soledad muy sola.

Cuando entra a escena, al actor o actriz le sucede esa paradoja terrible: tiene detrás a todo un equipo humano, técnico y artístico que le acompaña, pero en verdad está íngrimo ante ese monstruo, esa hydra llamada El Público. Por ahí transcurre la pieza cinematográfica de Trier, por ese mundo de espectros vivientes llamado Teatro. Así, los “Borg” son gente de teatro y por ello las alusiones a Medea, no sólo la de Eurípides, sino tal vez a la reescrita por Heiner Müller, subyacen en la mente del espectador cinéfilo.

Como también le seducirán esas subyacentes alusiones al médico ruso dramaturgo, Anton Chejov, en cuyas obras el tiempo pareciera detenerse en el ser de los personajes, cuyos conflictos, también impregnados de soledad, permean toda la estructura familiar. Susurros vuelan: “Lo raro y muy admirable es que a Trier le haya cabido un particular y fino sentido del humor y un fardo de mordacidad en su ‘container’ colmado de drama sin resquicios y que a través de sus personajes nos hable de las diferentes calidades del arte, del cine, de la frivolidad de redes y plataformas, o la escenificación del miedo de salir a escena y actuar…”.

Al extraordinario maestro sueco, Stellan John Skarsgård (Gotemburgo, 13 de junio de 1951), ya le llueven los premios como actor, por esta interpretación de “Gustav Borg”, un artista consagrado invadido por las culpas devenidas de su propio oficio. Ha abandonado a sus sendas hijas y solo dedicó tiempo a una porque la incluyó como niña actriz en uno de sus más exitosos filmes tempranos. Sin embargo, su vida íntima está destrozada y solo desea intentar reivindicarla a través de una última película cuyo guión tiene listo y que él necesita que sea Nora, su hija actriz, quien lo protagonice. Ella se niega rotundamente, ni siquiera leerlo. Vaya golpazo.

Stellan Skarsgård ha sumado notoriedad a su gran éxito profesional, por sus demoledoras declaraciones contra el régimen de Donald Trump y lo que él considera una real amenaza mundial. Pero su autoridad artística rebasa todo nivel: Stellan es el papá de toda una generación de estrellas Skarsgård: Alexander, Bill, Gustaf y Valter.

Aquí necesitamos comprender cómo, en estas dos últimas crónicas sobre cine, encontramos referencias de artistas escénicos trascendiendo la tendencia a la frivolidad de las selfies y los likes, para proponer verdaderos acercamientos de los espectadores hacia los grandes valores universales del oficio de ficcionar la realidad o de construir ficciones desde ésta. Nunca olvidemos que los actores y actrices importantes están en una cruzada en defensa de los derechos de imagen y de voz. Un asunto insólito pero muy vigente. La muerte del Ser y del Otro a manos del capitalismo.

Volviendo al film de Trier, encontramos otra poderosa figura protagónica, cuyo nombre también nos resultará muy familiar desde el punto de vista de lo teatral: “Agnes Borg”, hermanita hermosísima de “Nora”, está interpretado por la también noruega, Inga Ibsdotter Lilleaas, una presencia fundamental de la narrativa de Trier. Ella es la madre de “Erik”, el nieto de “Gustav”, felizmente interpretado por el niño actor Øyvind Hesjedal Love y para quien su abuelo tiene planes interesantes: quiere que lo interprete cuando era ese niño que padeció el suicidio de su madre, “Karin”, una activista contra los nazis, cuyas ideas políticas le costaron sendos años de su propia vida.

Cuando “Nora” rechaza el proyecto de su padre, éste se encuentra, en un festival de cine donde se celebra su trayectoria, con “Rachel Kemp”, una estrella de cine en ciernes, interpretada por la formidable actriz estadounidense Elle Fanning. El veterano director quiere que ella haga ese papel tan trascendente, pero ella, aún haciendo un alarde de maestría interpretativa, reconoce que no podrá dar el rol. Y entonces tiene lugar otra gran escena-lección de actuación: humilde y otra vez humilde va y habla con el maestro y le ruega que acepte su renuncia al personaje. “Eres una buena persona”, le dice el viejo y entonces recordé ese principio, acuñado por un maestro polaco del periodismo, Ryszard Kapuściński: “Para ser un buen periodista (artista, digo yo) hay que ser fundamentalmente una buena persona”. Sin duda.

El cine, como el teatro, solo funciona bien si se hace en equipo. A Trier parece funcionarle muy bien esa fórmula, coescribiendo el guión, junto con Eskil Vogt, el mismo con el que hizo otra de sus muy notables películas, La peor persona en el mundo. Ese trabajo en equipo se refleja en Valor sentimental. Aquí tanto el antiguo productor, junto con su camarógrafo, son rescatados por “Gustav” del ostracismo y el olvido profesional. Recordé el guión de mi inolvidable hermano, Jacobo Penzo, en cuya película Borrador me puso a interpretar el rol de “Metáforo”, “Meta”, su sonidista de confianza. Así son los grandes directores: muy de familia.

Cierro con ese monólogo de “Nora”, una extraordinaria revelación o epifanía. Les aseguro que esta película, Valor Sentimental, con mucho puede ayudarnos a encontrar a Dios y sus misterios divinos:

“Sabes, no creo en Dios para nada. Veníamos de un hogar donde todo eso era irrelevante. No nos bautizamos. Mi hermana y yo tuvimos una confirmación civil solo por dinero. Entonces tuve una especie de crisis. Estaba sola en casa otra vez, tumbada en la cama, llorando. Sé que todos se tumban en la cama llorando en algún momento, pero... Alguien dijo que rezar no es realmente hablar con Dios. Es reconocer la desesperación. Tirarse al suelo porque es lo único que puedes hacer. Algo así como un desamor: ‘Llámame. Por favor, cambia de opinión. ‘Llévame de vuelta’.  Ahí estaba. Lo había arruinado todo. Estaba sola, tumbada allí, llorando. Y entonces, por primera vez, me senté y recé. Es difícil de explicar. No sé a quién le recé, pero lo dije en voz alta: "Ayúdame. No puedo con esto. No puedo hacerlo sola. Quiero un hogar". Dios es nuestro gran valor sentimental”. Lo juro.

Alexis Blanco

Tejiendo sueños en la Costa Oriental del Lago, por Jhonathan Camacaro

Ensayo en la penumbra a toda costa.

En el Zulia impulsamos la cultura desde el estado la Costa Oriental del Lago a puro teatro.

Con poesía nuestroamericana. 
Con estudiantes universitarios.

Desde el estado Zulia, en la Costa Oriental del Lago, la universidad en su sede de Lagunillas ha sido uno escenario de importantes manifestaciones artísticas, que hemos orientado desde nuestro humilde saber.

Ejercicio Teatral.  Calle 13.
En el contexto de la soberanía.

En los últimos días, durante el mes de febrero nuestro grupo, Tejedores de Sueños, ha organizado y realizado monólogos, ejercicios poéticos y performances dedicados a la soberanía nacional y latinoamericana, actividades que reflejan nuestro compromiso del con la identidad regional y con la formación de nuevas generaciones de artistas.

Nos fuimos al liceo a ganar almas apasionadas por el teatro.

En un peregrinaje impresionante y entrega a la vocación convertimos cada espacio en una auténtica bandera de cultura, reafirmando el papel del arte como herramienta de transformación social y como símbolo de orgullo zuliano.

El impacto de estas iniciativas consolida a la Costa Oriental del Lago nos colocan en el mapa con nuestro liderazgo hemos asumido libertad espacios en otros municipios que estamos llegando.

El oficio y el peregrinaje ante la dificultad.