Festival de Teatro Venezolano 2025: Talleres de Formación, por Fanny C. García Núñez

 Festival de Teatro Venezolano 2025: Talleres de Formación

 

Por: Fanny C. García Núñez

El Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través de la Compañía Nacional de Teatro y el Centro Nacional de Libro, llevó a cabo la segunda edición de los Talleres de Dramaturgia “Rodolfo Santana” 2025 tras un proceso de postulación realizado entre el 14 y el 17 de octubre. Una programación que se dictó de forma independiente por reconocidos maestros como: Aníbal Grunn, Ligia Álvarez, Rodolfo Porras, José Gregorio Cabello, Jesús Benjamín Farías, Lolimar Suárez y Héctor Castro. Por medio de nueve talleres en modalidad presencial y virtual en un período de dos meses.

En esta oportunidad tuve el privilegio de inscribirme en el Taller de Teatro y Poesía impartido por la profesora Ligia Álvarez, con sesiones online, los días lunes y jueves de 6:00 a 9:00 p.m. Más allá de perfilar un proyecto teatral, el taller se convirtió en un laboratorio de introspección sobre el proceso creativo del dramaturgo. La dinámica de cada sesión se desarrolló en un marco de participación constante que partió de las lecturas de distintos textos dramáticos y poéticos asignados por la facilitadora. Además, de contar con los autores como invitados especiales con el fin de conocer los conflictos y argumentos de sus textos, así nos revelaron sus experiencias en el proceso de escritura y desarrollo profesional en el ámbito de la dramaturgia. Tuvimos el placer de tener como invitados a José Gabriel Núñez (video pregrabado), Paúl Salazar Rivas, Pablo García Gámez, Gennys Pérez, José Luis Gámez y Annie Ferrer.

Bajo un cronograma bien definido, profundizamos en la creación de nuestro proyecto al explorar el lenguaje teatral desde el “YO” dramático y poético. Este enfoque se convirtió en el eje central para la construcción de personajes y escenas a partir de una “IMAGEN GENERADORA”, ese motor metafórico que nos ayuda a diseñar atmósferas envolventes y que da cauce al conflicto. Este último elemento se debió establecer de forma clara antes de empezar a dialogar, ya que sin él no hay drama, no hay una secuencia en la historia que pueda interesar y por el contrario, en vez de captar la atención, lo que hace es que el espectador o lector se desinterese ante la ambigüedad.    

Desde el 23 de octubre hasta el 15 de diciembre, el proceso de escritura de nuestros proyectos fue leído y debatido. Entre los compañeros, intercambiamos percepciones o comentarios. Mientras que la profesora Ligia Álvarez estaba atenta a nuestras intervenciones para corregirnos o sugerirnos, ella también nos recalcó la importancia de abordar en nuestros textos esa problemática o denuncia que queremos representar, pero desde una musicalidad reflexiva, alejada de prejuicios y tecnicismos aleccionadores, independientemente si la realidad retratada es cruda o sutil. Un aprendizaje clave fue cuidar el lenguaje, al evitar etiquetar esos personajes populares, diferenciando lo coloquial o grosero de lo vulgar u obsceno. En este punto, ella tomó como referencias a los dramaturgos venezolanos César Rengifo en sus obras Vivir en Paz, Sonata del Alba, Trampa de los Demonios y a Rodolfo Santana en El día que Aprendí una Palabra, Ángel Perdido en la Ciudad Hostil, Mirando al Tendido.           

En fin, en este Taller de Teatro y Poesía asimilamos que el norte de todo dramaturgo es reflejar la esencia y el carácter humano, para establecer esa comunicación que une y no separa. 

Acuarela, por Fanny García

Acuarela

Una pieza que comenzó a gestarse desde una idea bien concebida.

Obra escrita y dirigida por: OMAR CHURIÓN.

Producción: COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO.
TEATRO ALBERTO DE PAZ Y MATEOS.
SALA ROMÁN CHALBAUD

Por Fanny García

El actor del elenco estable de la CNT y cantante lírico Omar Churión se entrega por completo al proceso maravilloso no solo de escribir su primer texto dramático, sino también de dirigirlo. Una propuesta que surgió y que comenzó a trabajar desde el mes de julio en el Teatro San Martín, con el elenco emergente y laboratorio de creación artística de la misma compañía.

Como nuevo dramaturgo se destaca porque desde un principio tenía en mente el mensaje que quería reflejar: maltrato y abuso infantil. Él, con sinceridad, expresa en unas de las entrevistas antes del estreno de su pieza teatral que “tenía el deseo desde el principio de trabajar con unas puertas que se cierran y que cualquier niño está esperando que se abra, pero nunca se abre.” Agrega: “En la CNT siempre hemos trabajado desde el teatro colectivo y esta experiencia maravillosa se convirtió en un proceso donde obtuvimos distintas piezas, las cuales escribimos bajo tareas que yo, les asignaba. De esta forma nos adentramos en una realidad dolorosa y compleja que es el resultado que ustedes verán en escena”.

Esta pieza desde que entras, te sumerge al mundo infantil con canciones que arrulla esa etapa tan inocente y a su vez, vulnerable.

Se abre el telón, con unas puertas donde se proyectan las voces de unos niños. Y hay uno en particular que se pregunta: ¿yo no te pedí que me trajeras al mundo? Escuchas… Ya desde ese instante, vas a comenzar a cuestionarte.

Dichas puertas cumplen con la función deseada, cobran vida con movimientos ruidosos, ágiles y constantes. Además, que reflejan las sombras y sirven para ocultar lo que no se quiere aceptar. También, escucharás a una pelota que rebota. Observarás, el dibujo de un pisé en el piso y unas luces rojas que cambian a amarillas, para indicarnos el estado de alerta y de alarma que emerge de las historias narradas.

Desde la pluma de un escritor que confronta a un personaje prisionero, víctima de su pasado, se expone de forma ficcional, mas no exagerada una realidad que existe en nuestra sociedad.

Un drama psicológico que intenta suavizar el conflicto con lindas canciones de cuna.  Voces de estos jóvenes y excelentes actores que también, tuvieron la oportunidad de recibir clases de canto e interpretación musical por parte del mismo escritor y director.  La verdad: los felicito. Hasta a mí -que no me llama la atención ser actriz- me dieron ganas de inscribirme en ese taller de exploración para crear sobre las tablas con un fin social; eso sí, no me atrevo a cortarme el cabello, pero sí a cantar. Tal vez, muchos espectadores sientan lo mismo.

El elenco lo integran Francys Briceño, Sara Escalona, Yamaya León, Sebastián Quevedo, Yisser Oviedo, Kenyerli Gelvis, Maddy Hernández, Keyla Gerrero, Amilkar García y Jo Se. Asistencia de dirección: Gema Nerissa. Asistencia de producción; Sofia Carreño, Rufino Dorta, Carlos Arroyo. Técnico de sonido: Alejandro Capote. Iluminación: Alejandro Martínez. Vestuario: Johana Rojas.       

Horario: domingo, 2/11/2025 a las 4:00 p.m.

Rómulo Gallegos: SELVA, LLANO y palabra. Por Fanny García

 Rómulo Gallegos: SELVA, LLANO y palabra

 

Fanny García 

 

Regresa nuevamente, la producción teatral que está a cargo de la de Editorial Sarrapia y la Fundación Rajatabla, con texto de la dramaturga Yoyana Ahumada Licea y con la dirección de Marisol Martínez. Pieza que rinde homenaje a la vida y obra del escritor y político venezolano Rómulo Gallegos. La cita es el Teatro CELARG los días viernes 22, sábado 23 y domingo 24 de agosto de 2025 a las 5:00 p.m. con entrada gratuita. 

 

Desde su espacio íntimo, el público disfrutará de una experiencia artística multidisciplinaria que fusiona la puesta en escena con la esencia del autor desde su mundo real e imaginario. Un viaje en el tiempo que nos presenta los diálogos que él tenía con su esposa, Teotiste y con esos personajes de sus historias que lo invaden, que cobran vida entre la música y la danza.  

 

Esa pequeña habitación de estudio donde el escritor Rómulo Gallegos, solía crear sus obras cuenta con un sencillo mobiliario del siglo XX que resalta con luz amarilla su instrumento más valioso, una máquina de escribir. Y la ventana de herrería, que tiene al fondo, una pantalla, nos proyecta los paisajes de la selva y llano venezolano.

 

Esta obra teatral con esa perspectiva original la recomiendo porque tuve la oportunidad de apreciar ese mundo ficticio de Gallegos, en el Trasnocho Cultural el año pasado. En conclusión, considero que la pieza refleja la experiencia y la atmósfera de aquellos que tienen como oficio apasionado, el arte de escribir. 

 

Una dinámica que se enlaza con la extraordinaria interpretación del elenco donde intervienen: Jesús Das Merces, Margareth Aliendres, José Gregorio Martínez, Jessica Arminio, Nathalie Tablante y Luis Palmero junto con los bailarines Carmarys Carrasco y Michell Muccerino. 

 

Diseños sonoros y visuales a cargo del estudio de grabación Manoa Audio con Washé y Punto Azul. Diseño de iluminación: David Blanco. Diseño de vestuario: Altagracia y Marisol Martínez. Diseño escenográfico: Óscar Salomón. 

 

Si gustan sumergirse mucho más en la vida del homenajeado, también les informo que en el mismo edificio de la Fundación CELARG en Altamira, se inauguró el miércoles 20 del presente año, la exposición Gallegos: escritor presidente (1947-1948). El horario es de martes a domingo, 10:00 a.m a 4:30 p.m. 

 

Planifiquen con tiempo para que puedan disfrutar de estos dos eventos culturales. Un placer escribir estas líneas. ¡Hasta la próxima!   

 

Fanny García - 21/08/2025

Estrella negra, por Fanny García

  

 

Estrella negra

por Fanny García

Es una de las obras de teatro que se presentó en Caracas en la cuarta edición del Festival Internacional de Teatro Progresista Venezuela 2025, específicamente en la sala Román Chalbaud en el Teatro Alberto de Paz y Mateos. La dramaturgia es del venezolano Pablo García Gámez y la dirección estuvo a cargo del burkinés Hassane Kouyaté; él cual adaptó las escenas respetando la esencia de sus raíces, que a su vez está plasmado en el texto. 

 Esta coproducción africana-venezolana es un proyecto híbrido que parte de una nueva tendencia como es el teatro documental; englobando también a la narración oral, que es orientada en forma amena y jocosa por dos actrices: Aura Rivas y Livia Méndez. La narración oral junto con el ritmo de los tambores, cantos y danzas tradicionales nos permite retroceder en el tiempo para conocer en el escenario la representación de hechos biográficos del líder jamaiquino Marcus Garvey, quien fue uno de los precursores de la Panafricanidad al intentar luchar por una África unida, naciendo un movimiento que estuvo dirigido a defender sus derechos como seres humanos ante la discriminación racial; a pesar de que la esclavitud ya estaba abolida, pero donde la mayoría de la comunidad negra sobrevivía solo con lo básico, perdiendo la esperanza de poder surgir al no tener trabajo ni instrucción y mucho menos propiedades.  

Ante esa búsqueda de solidaridad, apoyo y conexión con esas raíces afrodescendientes contamos con la participación de un elenco extraordinario que trabajo en equipo al estudiar a cada personaje, así lo demostró el actor Ender Machado en su papel protagónico de Garvey adulto, integrándose con el desenvolvimiento de sus otros compañeros de actuación, los cuales tienen a su cargo distintas  interpretaciones; tal es el caso de Carlos Gabriel Arroyo quien es el Garvey adolescente y que luego abandona dicho papel al madurar, intercambiándose en otros roles entre los cuales hace de obrero, trabajador, estudiante, Mattuck. De esta misma forma tenemos a Ariana León como Amy, estudiante; José Luis León como Marcus padre, capataz, Du Bois, Comisionado de Inmigración; María Alejandra Tellis como Sarah, agente de aduana, estudiante, Edgar; Dionis Bahamonde como percusionista, obrero,  trabajador, Duncan; William Cuao como Mister Doyle, trabajador, Adolphus, agente de aduana, Fiscal Palmer; y a Livia Méndez como Richard, James y juez. 

 

En el  enriquecedor proceso de creación, formación y montaje, el director Kouyaté dicto distintas conferencias y talleres; también visitó al teatro negro de Barlovento para conocer esa cultura e intercambiar los aspectos más característicos de sus métodos con el fin de obtener un montaje natural y completo, concibiéndolo como inmersivo, al mezclar las energías del elenco con la del espectador, jugando con escenas claves que nos introduce a comprender la obra. Su propuesta une técnicas teatrales africanas con elementos de la escena occidental; ofreciéndonos un escenario cálido, sencillo, con poco mobiliario; así tenemos en cada extremo: un perchero donde está guindada la ropa que usarán los actores, tambores, sillas y mesas de madera que tienen ruedas para poder moverla al centro donde se despliega cada escena. Ese centro, está definido con una alfombra beige y al fondo vemos unas telas del mismo color que se encuentran colgadas, desmostrando la simbología de la madre tierra como nuestro origen, nuestras raíces. En esa misma sintonía de color y concepto se encuentra todo el vestuario. Además, el espectador podrá observar la presencia de todo el elenco tanto al ingresar a la sala como durante toda la función, ya que ellos también se convierten en espectadores. 

 

Este excelente montaje cuenta con la participación de la maestra Carmen Ortiz como coreógrafa y un destacado equipo técnico, que también da vida a la obra, por este motivo mencionamos a: Eloy Marchán (asistente de dirección), Arístides Muñoz y Aníbal Álvarez (producción), y Gerónimo Reyes (iluminación).

 

Concluyo con una cita de este líder, que resume el esmerado trabajo: “Para alcanzar nuestra humanidad las estrellas deben estar juntas.”

 

(20/04/2025) 

 

Rapsodia Circense: Un tributo a Freddie Mercury y Queen. Por Fanny García

 Circo Unido Venezuela, Espectáculo Rapsodia Circense: 

Un tributo a Freddie Mercury y Queen.

Por Fanny García

El año pasado tuve la oportunidad de asistir al espectáculo que presentó el circo contemporáneo “Circo Unido Venezuela” en el Centro Cultural Chacao en Caracas. Un montaje excepcional de una hora que nos fusiona el canto, el teatro, la danza, los malabares y las acrobacias para representar distintas escenas de las canciones que convirtió a Freddie Mercury en una leyenda del rock junto a su banda Queen. El show Rapsodia Circense resalta la poderosa voz y la habilidad que tenía dicho artista de cantar a capela, improvisar y actuar en vivo, retando a su banda a seguirlo para dar continuidad al espectáculo.  

Podemos definir este montaje como dinámico, simultáneo y entretenido al trasmitir al público esa adrenalina y sentimiento que el artista reflejaba en su contenido musical.

Esta intención fue captada por “Circo Unido Venezuela” y la proyecta en los diferentes números de acciones y escenografías que cuentan con una extraordinaria iluminación y vestuario. Un hermoso recorrido donde un payaso que imita a Freddie Mercury junto a un elenco de once artistas, combinan el arte escénico multidisciplinario. Todo un show donde el público puede sumergirse.  

Esta agrupación continúan con sus presentaciones en diferentes espacios culturales y hoy sábado 28 de junio de 2025 a las 5:00 p.m. invitaron a todos los fans de Freddie Mercury y a los apasionados de las propuestas circenses a un evento gratuito en el Teatro Municipal de Caracas, agotando todas las entradas. Sin embargo, para mañana 29 de junio a la misma hora extienden la invitación. ¡No se lo pierdan!  

Del elenco de Rapsodia Circense mencionamos con mucho respeto sus cuentas en Instagram: @lebigotes, @soyjess_y, @cirlucasfx, @javick.show, @natashacadizve, @fsebastianrojas, @0margenis, @satti.va, @anto_nellajmg, @vperla_, @andreagiovannaa_, @waleskaguilar02, @marilugares, @la_digiorgio.m, @keellycolmenares, @espiralex_, @deanraji, @sorbetics,   @raymondmix91, @arturolmoficial y @drjhonleal7.  

28/06/2025 

Viajeros Incompletos, por Fanny García

 Viajeros Incompletos

Por Fanny García

Es el performance que presentó la Compañía Nacional de Teatro (CNT) como antesala a las distintas obras que participaron en la cuarta edición del Festival Internacional de Teatro Progresista Venezuela (FESITPVEN), entre el diez y veinte de abril del año 2025. Representación artística que captó de forma inesperada, la atención del público espectador que se encontraba en la fila para ingresar a las distintas salas donde se exhibía dicha programación cultural. Por ejemplo en mi caso, tuve el placer de disfrutar esta muestra a las afuera del Teatro Principal y en el pasillo del Teatro Alberto Paz y Mateos en la ciudad de Caracas; impresionándome  la actuación de tres jóvenes artistas que se cuelan entre los organizadores y asistentes del evento, que usualmente van vestidos de negro. La única diferencia es que estos actores llevan ropa deportiva negra (mono, franela y cargan un bolso detrás de su espalda, el  cual sueltan cuando comienzan a quitarse  sus prendas parra quedarse en ropa íntima). Ellos con esa soltura se lanzan al piso para realizar distintos movimientos acrobáticos que simulan a una lagartija que con sus cuatro patas se desplaza y explora un nuevo territorio con una vivacidad orientada a demostrarnos un estado de alerta que entre giros, saltos, flexiones y vueltas canelas nos refleja ese instinto que tenemos los seres humanos de protegernos de las agresiones externas, así como las de origen interno. Ante esa capacidad de adaptación reflejada en su piel y el color blanco de sus prendas íntimas, observan al público con sus miradas penetrantes sin intimidarse. Al final, se levantan del suelo y uno de ellos que es el caballero alza su voz con un mensaje de protesta ante las desigualdades y desamparo que sufren esas personas consideradas extrañas en el proceso de exilio, migración e incluso por incapacidades físicas o solo por el hecho de pensar diferente; expresando algo así: “quién escucha al que lleva tierra en sus oídos, quién mira a los que se han arrastrado por el polvo…”   

Las dos damas continúan con su danza, alrededor de quienes son sus observadores y también expresan sus parlamentos de protesta. Al terminar, el joven se dirige a amordazar con cinta adhesiva blanca las manos y bocas de sus compañeras, para luego ellas, amordazarlo a él. Los tres se retiran con la cara en alto, mientras que otros colaboradores de la compañía recogen sus ropas y bolsos.     

 

Sobre el escrito de dicho performance que le calculé una representación artística que se desarrolla en un tiempo de cinco a siete minutos, desconozco la autoría. Sin embargo, pude ubicar que la dirección del montaje estuvo a cargo de Carlos Arroyo y en la participación del elenco, tenemos a: Gabriela Piza vivas, Victoria Alexandra (?) y Gerardo Ávila. Como punto final, quiero resaltar que esta agrupación se presentó en un mismo día, tres o cuatro veces antes de las tres, cinco, seis de la tarde, siete y ocho de la noche en los diferentes espacios asignados en la programación del FESITPVEN. 

 

  15/05/2025 

Mãos Trêmulas, F. García

 

 

 Mãos Trêmulas

Fanny García

Al escuchar el título de esta obra teatral -Mãos Trêmulas o Manos trémulas- se genera un sentimiento conmovedor y les aseguro como espectadora, mirona de escenarios: ¡que ese efecto no se pierde! Al contrario, se incrementa desde que observas sobre las tablas: dos sillas de madera con sus patas de hierro; una trenza colgada envuelta con unas telas de texturas ligeras en diferentes tonalidades del color ocre; detrás de una de las sillas hay una cima hecha con dichas telas que se realzan con el fondo del escenario que es negro.

Antes de comenzar la función suena una samba instrumental, la luz es tenue y arriba del escenario está la tira de lona sobre la cual se proyectará la traducción en español de los parlamentos emitidos por el elenco brasileño; es que la pieza teatral es de Brasil y fue presentada en la cuarta edición del Festival Internacional de Teatro Progresista Venezuela 2025; producida por Yara de Novaes y el dramaturgo Víctor Novóa, quien es el creador del texto y el responsable de envolvernos con sencillez en las vivencias de sus dos protagonistas, que con la fuerza de sus voces en tono pausado, más su lenguaje corporal bastante expresivo nos comunican su sentir al llegar a esa etapa de la vida llamada vejez y que la mayoría de nosotros tememos; no por el hecho de que salgan arrugas, que la piel comience a caer, que el pelo se tiña de blanco, nos quedemos calvos o que comiencen a presentarse ciertas incapacidades funcionales por un deterioro físico o tal vez mental. Cambios naturales que no significan que no te ames, que no te aceptes, porque puede ser que a esa edad aún haya ganas de vivir, trabajar, ser útil en alguna actividad y así ganar dinero por nuestros propios medios; ya sea para que esto contribuya a una buena calidad de vida que nos permita estar activos o mantenernos, en caso de no contar con unos ahorros, beneficios sociales o con una jubilación digna. 

La triste realidad es que desde que el mundo es mundo, nosotros como sociedad comenzamos a discriminar y abandonar a nuestros adultos mayores, privándolos de optar por un cargo laboral o de continuar su desempeño según sus capacidades, aptitudes y cúmulo de experiencias. Lo más doloroso es cuando los familiares cercanos se desentienden de ellos, como si ya estuvieran muertos. Bueno, y eso sin contar de que la mayoría de las naciones carecen de una buena política de estado para garantizarles protección social en un futuro no muy lejano. De esto y más allá de lo que estoy exponiendo en esta crítica teatral, se trata la obra. La verdad, no quiero hacer spoiler. ¡Quiero que la vean!  

Cabe destacar que a pesar de que el público no entiende el  idioma portugués y por consiguiente, deberán subir la mirada para leer la tira, esto no será limitación ni va diferir en apreciar cada instante de esta grandiosa actuación realizada por Cleide Queiroz y Plínio Soares, los cuales representan a unos ancianos en una edad comprendida entre los setenta y ochenta años. Lo admirable, es que ellos no requirieron de maquillajes en sus rostros ni en el cuerpo, tampoco usaron pelucas con cabellos blancos o con calva con el fin de representar a sus personajes. Ellos, personas de la tercera edad, orgullosamente nos muestran más que sus cuerpos; nos muestran su coraje, su amor y pasión al realizar su trabajo, invitándonos a reflexionar entre sus parlamentos. Gritándonos, ¡que aún están vivos y activos! 

Con esta simbología de unas manos temblorosas: danzan, acarician, empuñan, reclaman y exponen sus historias, sus decisiones, anhelos, frustraciones, lucha y resignación. Al final, la trenza colgada queda como una roca vacía llena de huecos; las telas que son la memoria, los desnuda y los cubre. El efecto de luces y la cortina de humo son el contraste, el camuflaje que muchos ancianos marginados callan.  

Yo soy Fedra, Fanny García

 

Yo soy Fedra

Fanny García

Yo soy Fedra.  Esa es su carta de presentación, tal vez para pertenecer a alguien o formar parte de algo. Ella te abre las puertas de su hogar, una habitación que la contiene. Cuando ingresas a su templo, puedes observar todo el espacio; mientras vas escuchando unas palabras repetitivas y llega un momento que te aturden y eso que van al ritmo del toque de una guitarra eléctrica; en un intento de formar un estribillo o coro de una canción, pero te das cuenta que es su voz interior que no puede apagar y es allí, donde otra voz masculina la sigue, representando esos ecos de sus pensamientos.  

Significa que escucharás repetidamente hasta el cansancio varias palabras causando en algunos de los espectadores hastío o tormento, hecho a propósito por la dramaturga y directora Mariannela Morena. Es que no se puede negar que ese personaje llamado Fedra, que lo encarna la actriz Noelia Campos, se encuentra en estado de desesperación. Aunque al principio se muestra glamurosa con la soltura de su cabellera rubia que va acorde con lo que lleva puesto: un conjunto de short y bléiser tornasol que hacen juego con el top, medias panty y tacones altos de color negro. 

 

Si, la escaneé. También husmeé cada rincón de esa habitación desordenada; llena de tantas ropas, accesorios, zapatos, maquillajes, bufandas. Y encontré a su favor unas plantas que no estaban marchitas y algunos libros que se notan que son sus preferidos porque están en la cabecera de su mesita de noche; incluso vi libros en la mesa de la sala y en su armario. Al final, ella me sorprende con la búsqueda inquietante de un diario que destrozó con rabia, como queriendo deshacer, esos hechos que forman parte de su historia y que en su momento fueron motivos de alegría, satisfacción. Solo que ahora está viviendo una decepción amorosa, una ruptura. Sin embargo me pregunto: ¿si esconde otras razones? 

La presencia de ese amor imposible que la invade como sombra, representada por el músico Lautaro Moreno; sus diálogos internos y las acciones que realiza en su intimidad me van confirmando que en efecto está dolida. Veo que se despoja de esa mujer que iba por la vida aparentando un estatus que no tenía; llenando sus vacíos con cosas materiales, aferrándose a un amor que ya no le corresponde o que nunca le correspondió. Con su ropa íntima negra se recoge el cabello sin peinar, se pone una pijama de pantalón, suéter con capucha y me muestra la carta bajo la manga que tenía guardada: una demostración, versión actual del mito tradicional, clásico, de la princesa de Creta, Fedra. Decidida desafía ese mito, no quiere tragedia ni venganza, mucho menos acabar con su vida. Liberada de cargas, refleja que está cómoda. Ha soltado esas expectativas idealizadas e impuestas por la sociedad. Fedra regresa renacida de ese inframundo. Lo deduzco cuando volvió a danzar, saltar, reír, cantar y a ponerse linda para ella. Vuelve a encaramarse en sus tacones, se pone una lencería de encaje blanco. Ángel sexy que comienza a aceptarse como es; sin importar los cambios físicos que se generan con el transcurrir del tiempo.

 

Me despide con su música; invitándome a bailar con accesorios de la “hora loca”. Su boca pintada con labial rojo, protesta: ¿cuál es la institución donde se denuncia o se pone la queja? 

 

No supe qué responder. Ante las experiencias dolorosas es mejor que cada quien se encargue y realice una introspección; también busqué la forma de asumir sus procesos para restablecerse. 

 

Yo, en esas escenas, conocí su historia sin juzgarla. Fui partícipe de eso que llaman la noche oscura del alma. 

 

 

Yo soy Fedra. Obra de Teatro La Morena de Uruguay, presentada en la Galería de Arte Nacional en Caracas, en el marco de la cuarta edición del Festival Internacional de Teatro Progresista Venezuela 2025.

 

  

(27/04/2025)