Por Jhonathan Camacaro
El teatro, en su esencia más pura, no necesita un gran escenario. A veces, solo requiere un patio en la Base de Misiones Defensores del Legado de Chávez, la luz del sol que se cuela entre las ramas y la voluntad inquebrantable de un grupo de almas creativas. Lo que describe, la creación de una obra de teatro infantil durante seis meses es una hazaña que va mucho más allá de la simple puesta en escena. Es un acto de fe, de resistencia y de puro amor por el arte y la comunidad en el municipio Lagunillas.
Este proyecto no fue un esfuerzo aislado, sino un resultado palpable del trabajo de la Misión Cultura Zulia, una iniciativa que demuestra su compromiso con el desarrollo cultural desde las bases. A través de ella, el conocimiento y la pasión en este caso de su servidor, profesor Jhonathan Camacaro, y el dramaturgo Luis Gerardo Leal nos hicimos presentes, guiando cada paso de este proceso. Con liderazgo y dedicación fue crucial para transformar un patio en un aula de vida y un escenario de sueños.
Análisis de la obra Lírica
Una mujer con una familia queda sola, sin
su esposo, y tiene que buscar mas de dos trabajos para mantener a su hijo. Ella se entera que su hijo es maltratado por
otro chico. La madre del niño se molesta,
pide justicia y reclama a la directora del colegio.
La profesora juzga a la mujer, cree que está
loca, lo que hace que ella empeore su actitud y reclame en voz alta y grite a
la directora y a la madre del otro chico.
Ella no quiere que su hijo pase por lo mismo que su esposo que fue
asesinado.
Las tres mujeres intentan llegar a un
acuerdo, pero la madre del niño no acepta y exige a la otra que saque a su hijo
maltratador del colegio. La madre
desconsolada cuenta la historia de su esposo entre lágrimas. Ella vuelve a pedir justicia y las otras
siguen creyendo que está loca y ella amenaza con vengarse.
Karlen Silva, alumna del pnf teatro mención actuación en UNEARTE Guanare
Lírica, texto de Gustavo Ott dirigido por Carlos Arroyo
Lírica se sitúa en el drama social y de denuncia con rasgos
de teatro documental y teatro social debido a su carácter crítico. La pieza
cuenta con 9 escenas, tiene una estructura de secuencia con escenas que fluyen
de forma lineal y una coreografía que refleja la violencia humana y con
pequeñas pausas; es para tres actrices. Esta elección es significativa, ya que
la dinámica de las relaciones y las voces femeninas son centrales en la
construcción de la trama y los personajes.
El estilo de Ott es
conocido por su realismo crítico, a menudo con toques de ironía o humor negro,
aunque en una obra como Lírica (con un tema tan serio) el tono podría
ser más sombrío y reflexivo. Su escritura es ágil y dinámica, buscando capturar
la atención del espectador.
El lenguaje es directo
y coloquial, reflejando las formas de hablar de los personajes y del ambiente.
Sin embargo, detrás de la aparente sencillez, suele haber una gran profundidad
y una carga poética (de ahí el nombre Lírica que se refiere a la
intensidad emocional, a la musicalidad de sus diálogos o al carácter
confesional de las voces, no necesariamente a que sea un poema). Podría
utilizar repeticiones, frases cortas o un ritmo particular para generar
impacto.
Como en todo texto
dramático, las acciones de los personajes, el ambiente, el tono y su estilo a
menudo es preciso indicarlos en las acotaciones escénicas para guiar la
interpretación. El diálogo es el motor principal de la obra. En Ott, el diálogo
suele ser directo, realista y a menudo crudo, reflejando el habla coloquial,
pero con una intencionalidad poética o rítmica que le da profundidad. Dada la
temática del odio y la tolerancia, los diálogos exploran confrontaciones,
malentendidos y expresiones de dolor y resentimiento. Hay monólogos internos
que permiten a las actrices expresar los pensamientos y sentimientos más
íntimos de sus personajes, común en la dramaturgia de Ott.
La trama, se centra en
las dinámicas de una comunidad respecto al odio y la tolerancia. Se presenta
una situación inicial en una comunidad. Se
introducen los personajes (las tres mujeres) y se establece el conflicto
principal o la tensión latente relacionada con el odio, la intolerancia o los
prejuicios dentro de esa comunidad.
El espacio podría ser único
y simbólico que represente a la comunidad o un lugar de encuentro donde los
conflictos se hacen visibles (por ejemplo, una sala común, una calle, un
patio). El espacio podría ser opresivo o, por el contrario, un lugar de
posibilidad. La puesta en escena del Teatro San Martín de Caracas en el
contexto de la comunidad de San Martín sugiere que el espacio real y el
dramatúrgico podrían tener una conexión importante.
El tiempo de la acción
podría estar concentrado (un solo día, unas horas) para intensificar el drama,
o podría abarcar un período más extenso si se exploran las consecuencias
históricas del odio. La obra probablemente se sitúe en un presente
contemporáneo. El odio y la tolerancia están en el contexto de una comunidad y
se representa cómo estos sentimientos se manifiestan, sus causas, sus
consecuencias y la dificultad de superarlos. Otros temas secundarios son: la
violencia verbal o emocional que nace de la intolerancia, la comunicación y la
incomunicación entre los miembros de una sociedad, los prejuicios y la
discriminación, la memoria colectiva y cómo los eventos pasados influyen en el
presente, la responsabilidad individual y colectiva ante los conflictos
sociales y la búsqueda de la convivencia y la paz.
Las interacciones entre
las tres actrices (y los personajes que representan) desarrollan el conflicto.
Se exploran las diferentes perspectivas sobre los temas, a través de recuerdos,
anécdotas, confrontaciones e intentos de reconciliación. Es constante un punto
de máxima tensión y revelación. Donde hay confrontación verbal explosiva, viene
el descubrimiento de una verdad dolorosa; hay momentos de epifanía donde se
comprende la profundidad del problema y la posibilidad de un cambio.
Las tres actrices
interpretan roles centrales representando diferentes facetas de la sociedad y
distintas posturas ante el conflicto. Son personas directamente afectadas por
el conflicto social. Los personajes de
Ott suelen ser complejos y realistas, con defectos y virtudes. Sus motivaciones
son humanas, incluso cuando sus acciones son extremas. Se exploran sus
psicologías, sus miedos, sus prejuicios y sus esperanzas en relación con el
tema central. A través del desarrollo de la trama, los personajes sufren una
transformación, aunque no necesariamente un "crecimiento" positivo. Enfrentan sus propios prejuicios o consolidar
sus posturas.
El desenlace no es del todo feliz y completamente cerrado. Ofrece una reflexión sobre la persistencia del odio, la fragilidad de la tolerancia, y una pequeña esperanza de cambio. El objetivo es dejar al público pensando y reflexionando sobre las implicaciones sociales del tema.
Rudy
Jaramillo, PNF Teatro mención
Actuación. Unearte Guanare
Análisis obra Lírica de Gustavo Ott.
Por Andrea Suárez
Lírica, de
Gustavo Ott, es una producción de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y
la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa (CRTP), se presenta en la sala
Alberto Ravara del Centro Teatral de Occidente Herman Lejter.
La narrativa gira en torno a las secuelas
de un trágico suceso, donde el encarcelamiento de un marido y el fallecimiento
de otro impactan la dinámica familiar; esta historia profundiza en temas como
la pérdida, el miedo y la resiliencia vistos a través de los ojos de dos madres
que navegan por circunstancias que alteran sus vidas.
La historia se ubica en Caracas, Venezuela,
en la Institución Elemental San Martín donde dos madres: Abril de López y Norway
González que, debido a un crimen violento, sus vidas se entrelazan. El esposo de Abril es asesinado por el esposo
de Norway y este este último se encuentra preso y sentenciado porque se declaró
culpable. Los hijos de las mujeres, David López y Lennon González son
compañeros de clase y mejores amigos, a pesar de la enemistad entre sus madres;
los niños de 9 años comparten un profundo y fuerte vínculo comunicándose a
través de la poesía y un lenguaje único; incluso se enamoran de la misma niña, Francesca. Estos chicos son obligados a estar separados
violentamente por sus madres que se odian.
La obra explora como los personajes
enfrentan situaciones de pérdida, violencia, dolor, trauma e incluso sed de
venganza. Muestra cómo el dolor puede
afectar la percepción de la realidad y las relaciones interpersonales, buscar
justicia y la forma de seguir adelante.
La obra se basa en conflictos tanto
internos como externos, los personajes luchan con sus propios demonios, así
como con problemas que surgen de las circunstancias trágicas. Lírica busca generar una reflexión en
el espectador sobre los temas ya antes mencionados e incluso la esperanza a
través de personajes complejos y situaciones dramáticas. La puesta en escena invita a la audiencia a
cuestionar sus propias percepciones sobre la justicia, la venganza y la
capacidad humana de encontrar la belleza en medio del caos como lo hacen
Lennon, David y la directora.
Lírica,
también profundiza sobre temas como la culpa, el perdón y los desafíos de revisar
las relaciones después de la violencia. Por
otra parte, también trata sobre la resiliencia de los niños y su amistad
incluso frente al caos y la adversidad. Además
es notorio que ambas madres que lidian con su propio dolor e ira: Abril busca
proteger a su hijo de la “mala influencia” de Lennon, mientras que la señora
González lucha contra el estigma asociado con el crimen de su esposo. En otras
palabras, esta obra explora la posibilidad de reconciliación y comprensión
entre las dos familias, centrándose en la importancia de la empatía y el
potencial de curación.
El diálogo es un elemento central en la
obra revelando las emociones, conflictos y motivaciones de los personajes. Los parlamentos son intensos y cargados de
emoción, reflejando la tensión y el dolor que experimentan los personajes.
Los colores utilizados en escena sugieren usos simbólicos. Por ejemplo, el color negro que en la mayoría de los casos se asocia con oscuridad, misterio, duelo, muerte, rebeldía, poder, odio o venganza, en la obra es utilizado en la vestimenta de ambas madres como también en elementos como el escritorio este uso podría ser se abordan emociones y sentimientos negativos entre las dos familias por el asesinato que las vincula. El blanco también es utilizado tanto en la vestimenta como en ciertos elementos de la puesta en escena el color se relaciona a los niños (por la pureza), a la inocencia que ellos representan, pero también el blanco está asociado a la esperanza, nuevos comienzos y a la verdad. El gris, otro color que utilizan, es simboliza la neutralidad, el equilibrio, pero también la indecisión, la ambigüedad, la transición entre lo bueno y lo malo (negro y blanco), la melancolía o la falta de claridad. El gris es usado solamente por la profesora Ramírez (la directora) quien tiene el papel de mediadora en el proceso de llevar a ambas madres a superar el odio y avanzar hacia el perdón por amor y la estabilidad emocional de sus hijos.
La obra utiliza símbolos para transmitir significados más profundos; por ejemplo, los temblores podrían representar la inestabilidad y el caos en el mundo de los personajes, mientras que la poesía es la belleza o la esperanza en medio de la oscuridad.
Andrea Suárez, PNF: Teatro mención
actuación en UNEARTE Guanare
Lírica, de Gustavo Ott.
Por Aniuska Linares
En Lírica
encontramos un conflicto entre dos mujeres, ambas esposas, madres y ambas
vinculadas por una tragedia: el marido de una que asesinó al de la otra. A partir de allí se teje la estructura
dramática.
En
la pieza hay tres personajes: Abril López, Norway González y la directora de la
escuela. También tenemos a sus hijos, Lennon
y David, dos niños cuya imaginación es potentísima y que tienen una profunda y
fuerte amistad; amistad en la que comparten la ilusión por el primer amor y así
como sueños que construyen a través de la poesía.
Compuestas
por nueve escenas, Lírica conmueve desde el inicio hasta el final. La
profundidad y la crítica social que contiene cada línea dicha por las actrices
trasmiten el odio que se tienen, el miedo y la frustración de saber que sus
hijos estudian juntos.
La obra
no necesita tanta escenografía para contar la historia y el trasfondo. La iluminación, los cortes entre cada escena
con sonido de calle, temblores, personas caminando, la tensión que trasmitieron
al final de la obra dejan al espectador con un nudo en la garganta y una
presión en el pecho; hacen reflexionar al saber de qué casos como estos existen
no solo en Venezuela sino en Latinoamérica.
Fue
una obra extraordinaria de principio a fin y me conmovió mucho el hecho de que los
niños saben quiénes eran sus padres, que conocen la situación pero, ellos van
más allá de esas circunstancias; es decir, estos niños tienen la sensibilidad y
la capacidad para amar y perdonar, capacidad que sus madres no tienen.
Aniuska
Linares, pnf teatro mención actuación UNEARTE Guanare.
Clase de análisis del texto dramático, Escuela de Teatro Inés Laredo. Personajes que llegan tarde.
ESCENA I.
Aula de segundo año, 2:15 pm.
En escena, un aula con pupitres
ocupados por estudiantes. El profesor Jesús Eduardo, de mediana edad,
apasionado por el teatro, se encuentra frente al pizarrón con un ejemplar
desgastado de Seis personajes en busca de autor de Pirandello en la mano. Ya ha
comenzado la clase, pero el ambiente está cargado de una comprensión tácita.
JESÚS EDUARDO: (Con voz serena,
pero con pasión) Hoy hablaremos de lo que significa "existir sin
autor". Pirandello nos dice que hay personajes que buscan desesperadamente
ser comprendidos... ¿No es eso lo que sentimos a veces?
(Se oyen pasos
apurados fuera del aula. Entran Verónica y Alí, algo agitados. Verónica lleva
un bolso escolar maltratado; Alí camina con pasos cansados, su ropa muestra
signo de desgaste).
VERÓNICA: Disculpe profe, no pasaban camionetas… y tuve que
caminar un tramo. No tenía para pagar un taxi.
ALÍ:
(Susurrando) Yo me vine a pie desde
Los Haticos... A pesar de mi situación de salud, con la tensión.
JESÚS EDUARDO: (Deja el libro sobre el escritorio, se
acerca con calidez) Llegaron. Y eso, muchachos, ya es parte de la obra. (Se vuelve hacia el resto de la clase)
¿Qué es más teatral que dos personajes que cruzan obstáculos para entrar a
escena? ¿No les parece que Verónica y Alí son como esos seis personajes,
buscando su lugar?
Los estudiantes
murmuran entre sí, asintiendo. Algunos miran a María Verónica y Alí.
JESÚS EDUARDO: (Poniéndose de pie junto a ellos) El teatro no sólo está en el papel, está en lo que
vivimos. Cuando el transporte falla o el bolsillo aprieta, no deja de haber
drama, ni aprendizaje. Así que, hoy, vamos a incluirlos. Verónica, Alí… ustedes
serán los personajes que interrumpen el mundo “real” con su presencia. ¿Están
listos para ser parte de Pirandello?
VERÓNICA Y ALÍ: (Con una
sonrisa leve, asintiendo con más confianza) Sí, profesor.
JESÚS EDUARDO: (Tomando de
nuevo el libro) Entonces abramos el telón.
(Se apagan lentamente las luces del aula. Fin de
escena).
Mismo salón de clase, media hora después.
(Los estudiantes toman nota. Jesús Eduardo hojea las
páginas del libro mientras revisa una pequeña libreta con nombres. El reloj
marca las 2:45 pm).
DINY: Profesor,
falté la media hora de clase. No pude conseguir el pasaje con tiempo... Igual
leí la obra. Discúlpeme.
(El profesor se
guarda la nota en el bolsillo del saco con cuidado. Silencio respetuoso en el aula. Algunos
estudiantes bajan la mirada).
JESÚS EDUARDO: (Con tono
reflexivo) A veces pienso que estas ausencias no son falta de interés… sino
una injusticia que viaja en el bolsillo vacío. (Mira a Diny, luego a otro alumno)
Diny viene desde La Lagunilla. Tú, Johana,
desde Ciudad Ojeda. El camino no siempre es amable… Y sin embargo, aquí están.
El teatro espera por el talento. Pero también exige presencia… compromiso.
(Adrián asiente
lentamente. Johana mira a al profesor con ojos brillantes).
JESÚS EDUARDO: (Su
mirada recorre el aula, buscando a alguien) Ahora bien... ¿Quién más leyó Seis personajes en
busca de autor? (Norimel levanta la
mano, tímidamente.) Norimel, ¿te
animas? Cuéntanos qué te impresionó de esos personajes sin autor.
NORIMEL:
(Se pone de pie con nervios pero
decisión) Me impresionó que cada personaje tenía su propia verdad… Y que el
autor ya no podía controlar nada. Me hizo pensar… ¿quién nos escribe a
nosotros? ¿El barrio? ¿La falta de oportunidades? ¿O la posibilidad de imaginar
algo distinto?
JESÚS EDUARDO: Norimel... eso que acabas de decir no está en ningún
manual. Es teatro puro. (Se dirige a toda
la clase con firmeza.) Tal vez los gobernantes no ven el arte teatral como
semilla de comunidad… Algunos de ellos no valoran, pero ustedes… su formación… su
voz… Ese análisis que une vida con escena... eso puede fundar el teatro
comunitario de nuestras ciudades. La ausencia de apoyo no es excusa para el
silencio.
(Los estudiantes asienten. Una energía nueva recorre
el salón).
JESÚS EDUARDO: (Recogiendo sus
cosas con serenidad) Hoy no hubo sólo análisis. Hubo escena. Hubo vida.
(Los estudiantes aún reflexionan sobre las palabras del profesor).
MARIENELA: . Profesor Jesús. Perdón por no haber podido venir. Ya
me lei la obra Noche tan linda.
(Isaac, compañero de pupitre, le
susurra mientras ella habla).
ISAAC:
Esa exposición es para la próxima
semana, Mari… Solo espero que no te enfermes otra vez. El profe Jesús, necesita
evaluar al equipo completo… ¡sin bajas!
Marielena sonríe con timidez. El grupo se ríe con
delicadeza. profesor se acerca lentamente.
JESÚS EDUARDO: Marielena, que hayas leído esa obra… Esa pieza urbana
tan llena de ausencias y búsquedas… Ya dice mucho de tu compromiso.
(Se dirige al grupo entero).
Cada texto que ustedes
analizan les prepara para la escena… pero también para entender las voces que
gritan desde el fondo. Pablo García Gámez escribió sobre migrantes invisibles.
Ustedes, desde aquí, lo hacen visible.
(Hace
una pausa y se apoya en el escritorio).
JESÚS EDUARDO: Esta clase, “Análisis del Texto Dramático”, no es
solo una unidad curricular… es la columna vertebral de su formación actoral.
Porque sin comprender el texto… ¿cómo podrán sostener un personaje? ¿Cómo
podrán defender una historia que nace desde el dolor o la esperanza? (Pausa corta. Mira a los estudiantes con cercanía). Muchos de ustedes vienen desde lejos… como Diny
desde La Lagunilla… Moisés de San Franciscio, Johana de Ciudad Ojeda. Y aun así
se presentan aquí, día tras día. Eso es teatro. Eso es resistencia. Yo, como profesor… siento que no basta con
enseñarles técnica. Debo sembrar en
ustedes la convicción de que el arte teatral puede transformar una ciudad…
Aunque no lo vean los gobernantes… Aunque nos falte el apoyo. Porque ustedes, cuando analizan un texto,
están preparando el alma para escribir teatro.
Marielena… tu voz será parte del escenario la próxima semana. Y tú, Isaac,
que la cuidas con tus palabras… también la acompañarás. El equipo completo…
debe estar listo con las obras de estos autores: Pirandello, García Gámez. Gustavo
Ott, Shakespeare, Antón Chéjov, Lolimar Suarez, Nelly Oliver… esperan en
nuestras páginas. ¡Nosotros somos el autor que buscan!
(Se apaga lentamente la luz del aula mientras el
profesor cierra el libro de Noche tan linda).
Fin de la escena.
Se apagan lentamente las luces del aula. Fin de la clase de análisis del texto dramático: Personajes que llegan tarde.
*Jesús Eduardo Espinoza León, dramaturgo y profesor, plantea en estas escenas dos problemas que afectan a sus estudiantes de la Escuela Inés Laredo de Maracaibo. A veces, asistir a clases es un acto de resistencia.
Matices dramáticos. Lecturas dramatizadas
Cierre del taller de dramaturgia en el CELARG 2024-2025.
Curaduría y dirección, Aníbal Grunn.
Seis
obras teatrales totalmente diferentes donde se refleja la esencia y proyecto de
cada tallerista, los cuales presentan fragmentos de sus textos por medio de
lecturas dramatizadas en un plazo de quince minutos y que será llevada a cabo
con la colaboración del Laboratorio Teatral de la Compañía Nacional de Teatro
(CNT).
1.- Tú ganaste, yo perdí –
Libeslay Bermúdez.
2.- Una linda navidad –
Sanday Delgado.
3.- El bautismo – Loysmar
Espeja.
4.- El venerado árbol de manzano
– Fanny García.
5.- Historia de una olvidada
– Dora Lucena.
6.- Hallacas de cuervo –
Jorge Ospino Lameda.
Un
trabajo de ocho meses de estudios con distintos aprendizajes e intercambio de
información, no solo para escribir estas obras, sino porque también nos tomamos
un tiempo para leer y analizar las estructuras de las distintas piezas
emblemáticas del teatro venezolano como del teatro internacional que se
establecieron como guía en nuestras prácticas. Todo un privilegio al contar con
el maestro Aníbal Grunn como facilitador del taller, en sus roles de curaduría
y dirección. Dichas sesiones se realizaron de forma semanal en los espacios de
la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos. Otras
sesiones se impartieron en los distintos teatros y salas en Caracas con la
finalidad de observar, conocer y criticar las distintas propuestas dramáticas
que se presentaron en el Teatro Nacional,
Teatro Municipal, Teatro Principal, Teatro Simón Bolívar, Galería de
Arte Nacional, La Estancia, Plaza de la Juventud, UNEARTE, Casa del artista,
CELARG, Teatro Alberto Paz y Mateos, Sala de Arte y Ensayo del Teatro
Universitario, así como otras recomendaciones merecedoras de ser observadas y
que son presentadas en otros espacios teatrales.
Del Laboratorio de Creación Teatral de la CNT, contamos con la
participación de: Yohel Ramírez, Amilkar García, Franeys Briceño, Sebastián
Quevedo, Yisser Oviedo, Cesar Castillo, Yemayá León, Johana Rojas, Sara
Escalona, Yendy Vegas, Eduvina Soto, Keyla Guerrero.
¡Una
extraordinaria experiencia que nos motiva a seguir en nuestra formación como
nuevos dramaturgos!
Si
quieres acompañarnos, conocer más de estos escritos, enterarte de los distintos
talleres que imparten el CELARG, la cita es el lunes 14/07/2025, 4:00 p.m.
CELARG, Altamira. Piso 6.
Miradas al escenario nace como resultado del taller de Crítica Teatral organizado por la Compañía Nacional de Teatro de Venezuela durante e...
