Un punto de vista
Artes para la Paz
por Carlos Rojas
criticarojas@gmail.com
Especial para Miradas al
Escenario
Congreso
Iberoamericano Artes para la Paz.
Foto: cortesía Mincultura*
Desde el 13 al 15 de mayo del 2026,
el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella y el Teatro
Colón de Bogotá se convirtieron en el epicentro de un encuentro continental
que intentó instalar una discusión urgente sobre el presente de la educación
artística y cultural en Iberoamérica.
El Congreso Iberoamericano de Educación y
Formación Artística y Cultural -Artes para la Paz- reunió
ministros, delegaciones oficiales, organismos multilaterales, investigadores,
docentes, gestores, críticos y agentes comunitarios de más de dieciséis países
en una programación que alternó paneles políticos, laboratorios pedagógicos,
mesas técnicas y espacios de intercambio territorial.
El evento aspiró a consolidarse no sólo como un
encuentro académico, sino también como una plataforma política para pensar el
arte como herramienta de cohesión social y construcción de paz. La dimensión
institucional del congreso fue evidente desde el inicio.
Conviene desconfiar del entusiasmo automático
que suelen producir estas cumbres. Mientras más solemne se vuelve el discurso
oficial, más visible aparece la distancia entre las declaraciones y las
condiciones reales de las comunidades.
Ese fue quizá el gran núcleo silencioso del
encuentro. Porque si algo quedó claro en Bogotá es que la educación artística
sigue ocupando un lugar paradójico en Iberoamérica: todos la celebran
simbólicamente, pero muy pocos Estados la sostienen con continuidad,
infraestructura y políticas duraderas.
3ª Panel ministerial: Formar
formadores para una agenda regional de educación artística. Foto: cortesía MPPC**
Las mesas ministeriales insistieron una y otra
vez en conceptos como inclusión, diálogo regional, memoria, saberes ancestrales
y convivencia. Nadie parecía dispuesto a cuestionar la importancia del arte
dentro de los procesos educativos. Justamente allí apareció una contradicción
reveladora: cuando el consenso es absoluto, el conflicto desaparece del
discurso y reaparece en otro lugar mucho más incómodo.
La discusión ya no pasa por defender el valor del arte, sino por decidir quién lo financia, quién garantiza su permanencia y quién asume su presencia real fuera de los centros urbanos privilegiados.
Congreso Iberoamericano Artes para la
Paz. Foto: cortesía Mincultura
La presencia de organismos como la UNESCO,
la OEI y la CAF reforzó una visión regional donde el arte aparece
asociado al desarrollo sostenible, la innovación social y la convivencia
democrática.
El enfoque posee valor estratégico, aunque deja
una tensión inevitable: cuando el arte necesita justificarse exclusivamente por
su utilidad social, comienza también a perder aquello que lo vuelve
imprevisible, incómodo y críticamente cuestionador.
Esa tensión atravesó silenciosamente todo el
encuentro: el arte entendido como herramienta frente al arte entendido como
experiencia irreductible. Se habló muchísimo de mediación, inclusión,
metodologías pedagógicas y bienestar emocional. Mucho menos del arte como
conflicto, memoria crítica, disenso o fractura simbólica.
Una formación verdaderamente transformadora no
debería limitarse a producir sujetos funcionales, sino ciudadanos capaces de
cuestionar los relatos que organizan el poder.
Uno de los aportes más visibles fue el de Colombia, país anfitrión y principal impulsor de la agenda “Artes para la Paz”. La ministra de Cultura y la delegación colombiana defendieron con insistencia la idea de la educación artística como derecho ciudadano y herramienta de reconstrucción del tejido social.
Raúl Cazal ministro de
Cultura de Venezuela. Foto: cortesía MPPC
La creación de la Red Iberoamericana de
Educación y Formación Artística y Cultural (RedArtes),
así como la llamada Declaración de Bogotá, fueron presentadas como parte
de una estrategia regional orientada a integrar memoria, pedagogía y
participación comunitaria.
Resultó evidente que Colombia intenta
posicionarse como epicentro diplomático de una nueva agenda iberoamericana. Detrás
del optimismo institucional persiste una pregunta inevitable:
¿Puede una narrativa de paz sostenerse en
territorios todavía atravesados por desigualdades profundas y múltiples formas
de violencia?
Brasil aportó una de las
perspectivas más lúcidas del encuentro. La recuperación de la Política
Nacional de Cultura Viva y el fortalecimiento de los llamados “Puntos de
Cultura” evidenciaron una apuesta donde la formación artística se entiende
menos como instrucción técnica y más como construcción colectiva de ciudadanía
y convivencia.
Las experiencias vinculadas al cordel, la
xilografía y las prácticas populares del nordeste recordaron algo fundamental:
las comunidades producen resistencia simbólica mucho antes de que las
instituciones decidan legitimarla. Brasil defendió con claridad una idea
poderosa: el arte puede convertirse en una forma de reconstrucción afectiva y
política de la vida colectiva.
La presencia de Corea del Sur introdujo
un contraste particularmente interesante. Frente a muchos modelos
latinoamericanos centrados en memoria, violencia y desigualdad social, Corea
presentó una visión altamente institucionalizada de la educación artística
vinculada al bienestar emocional, la inclusión digital y la cohesión ciudadana.
A través de organismos como la Fundación
Cultural Asia-Iberoamérica, dirigida por Samil Yang, el país
asiático mostró cómo la formación artística puede integrarse estratégicamente a
políticas públicas sobre salud mental, envejecimiento poblacional y
transformación tecnológica en varias regiones de Colombia. Resultó
especialmente llamativo el énfasis coreano en medir científicamente el impacto
de la educación artística mediante investigaciones multidisciplinarias.
Allí apareció otra pregunta incómoda:
¿Hasta qué punto la obsesión contemporánea por
medir resultados termina reduciendo la experiencia estética a indicadores de
productividad emocional o eficiencia social?
España presentó quizás una de
las intervenciones más sólidas en términos legislativos y académicos. La
consolidación de la Ley de Enseñanzas Artísticas y el reconocimiento del
Estatuto del Artista mostraron un proceso de institucionalización
sostenido. La delegación española insistió en el arte como motor de inclusión,
regeneración barrial y salud emocional, especialmente en contextos vulnerables.
También resultó notable el interés por
responder críticamente al impacto de la inteligencia artificial y los nuevos
modelos tecnológicos sobre la producción creativa y educativa. Detrás de ese
avance persiste una tensión no resuelta: mientras las enseñanzas superiores
ganan reconocimiento jurídico, las disciplinas artísticas continúan perdiendo
espacio dentro de buena parte de la educación obligatoria.
Raúl Cazal ministro de
Cultura de Venezuela. Foto: cortesía MPPC
La participación de Venezuela,
encabezada por el ministro de Cultura Raúl Cazal, estuvo marcada por una
narrativa de resistencia simbólica y despliegue comunitario. El discurso
venezolano insistió en la democratización de la enseñanza artística, la
expansión territorial y la formación cultural como mecanismo de cohesión
social. La experiencia de la Misión Cultura, UNEARTE y el Sistema
Nacional de Orquestas apareció constantemente como ejemplo de intervención
estatal sostenida.
Más allá de las tensiones ideológicas que
inevitablemente atraviesan cualquier lectura sobre el modelo venezolano,
resultó interesante observar cómo Venezuela sigue defendiendo una visión donde
la práctica cultural no aparece subordinada al mercado, sino vinculada a la
identidad nacional y a la participación colectiva.
El riesgo, naturalmente, es que toda narrativa
oficial termine convirtiéndose en un discurso autosuficiente sino permite
también espacios reales para la crítica, la autonomía y el disenso.
El énfasis constante en saberes ancestrales,
transmisión intergeneracional y memoria colectiva dejó momentos de enorme
potencia simbólica. Asimismo, apareció una sospecha inevitable: existe siempre
el riesgo de convertir esas experiencias en recursos de representación dentro
de vitrinas diplomáticas cuidadosamente diseñadas. Transformar lo popular en
una estética de exhibición además puede convertirse en una forma de neutralizar
su potencia crítica.
Los talleres prácticos y laboratorios
comunitarios fueron probablemente la dimensión más viva del encuentro. Lejos
del protocolo ministerial, estos espacios permitieron observar metodologías
concretas, pedagogías corporales y experiencias situadas. Allí muchas
iniciativas recordaron una verdad elemental que las instituciones suelen
olvidar: la educación artística no nace en los ministerios; apenas puede ser
acompañada por ellos.
La creación de RedArtes fue presentada
como uno de los grandes logros del congreso. La iniciativa promueve circulación
regional, intercambio académico, programas de becas y cooperación pedagógica
entre artistas, docentes y estudiantes de toda Iberoamérica.
Congreso Iberoamericano Artes para la
Paz. Foto: cortesía MPPC
La OEI y la UNESCO entregaron a
Colombia la presidencia y, a Portugal la vicepresidencia de la red como
reconocimiento al programa Artes para la Paz. El anuncio fue recibido
con entusiasmo.
Aunque conviene recordar que América Latina
posee una larga tradición de plataformas impecablemente redactadas que
desaparecen lentamente entre burocracias, falta de presupuesto y agotamiento
institucional. Las redes no existen por decreto presidencial o ministerial.
Existen cuando producen circulación real, investigación compartida y
continuidad política.
La llamada Declaración de Bogotá deberá
observarse con la misma cautela. Los documentos multilaterales suelen dominar
un lenguaje cuidadosamente equilibrado: dicen lo suficiente para parecer
transformadores y lo suficientemente poco para no incomodar demasiado a nadie.
La dimensión real de este encuentro sólo podrá
evaluarse con el tiempo, cuando sea posible saber si logró traducirse en
políticas sostenidas o si terminará incorporándose al extenso archivo
latinoamericano de encuentros llenos de entusiasmo y escasa transformación
concreta.
3ª Panel ministerial: Formar
formadores para una agenda regional de educación artística. Foto: cortesía
MPPC
Lo más valioso del congreso no estuvo
necesariamente en sus ceremonias ni en sus consensos, sino en la evidencia de
una necesidad urgente: Iberoamérica está replanteándose sus modelos de
formación porque las estructuras tradicionales ya no logran responder a las
transformaciones sociales y humanas del presente.
Hoy los territorios son más complejos, las
comunidades viven nuevas formas de fractura y exclusión, y las tensiones
contemporáneas exigen otros lenguajes pedagógicos y sensibles adecuados a la
realidad y, a sus necesidades.
En medio de ese escenario, el arte aparece como
uno de los pocos espacios todavía capaces de producir imaginación colectiva. Imaginar
no basta. También hace falta transformar las estructuras que limitan esa
posibilidad. Tal vez esa sea la imagen más honesta para cerrar este encuentro:
no la de una celebración triunfalista, sino la de una suspensión crítica.
Congreso Iberoamericano Artes para la
Paz. Foto: cortesía MPPC
Durante tres días, ministros, organismos
multilaterales, gestores y académicos coincidieron en defender el valor del
arte como herramienta de cohesión social y construcción de ciudadanía. Detrás
de ese acuerdo apareció una evidencia incómoda: la educación artística continúa
siendo celebrada en el discurso mientras sigue ocupando un lugar secundario en
las prioridades presupuestarias y en la vida concreta de millones de personas.
Ese desfase entre el reconocimiento simbólico y
la fragilidad estructural sigue definiendo buena parte del destino de la
educación artística en Iberoamérica. Porque el verdadero dilema nunca ha sido
declarar que el arte importa. El conflicto aparece después: cuando toca decidir
si merece presupuesto, continuidad, formación docente y presencia efectiva
fuera de los grandes centros institucionales.
El arte puede contribuir a la paz, sí. Pero,
pierde sentido cuando se le exige únicamente producir armonía, bienestar
emocional o consenso. Conserva su potencia cuando incómoda, interrumpe relatos
dominantes y hace visibles las fisuras que las instituciones públicas y
privadas prefieren administrar antes que resolver.
Carlos Rojas y Raúl Cazal ministro de Cultura de Venezuela. Foto:
cortesía MPPC
RedArtes y la Declaración de
Bogotá abren una posibilidad importante para la cooperación regional. Ninguna
red sobrevive gracias al entusiasmo de su inauguración. Sobreviven aquellas
capaces de sostener circulación real, pensamiento compartido y políticas culturales
que resistan el desgaste burocrático y los cambios de gobierno.
Desde Bogotá me despido y cierro esta bitácora con
una impresión que atravesó silenciosamente todo el encuentro: quizás la
discusión de fondo ya no sea únicamente cómo financiar la educación artística,
sino qué tipo de sociedad necesita justificar el arte exclusivamente por su
utilidad social. Porque toda política cultural termina revelando,
inevitablemente, una idea de ciudadanía, de memoria y de poder.
Y tal vez esa sea la pregunta más incómoda que
dejó este congreso: si Iberoamérica realmente dice apostar por la paz, la
inclusión y la democracia formativa, ¿está preparada para sostener una
educación artística capaz no sólo de reconciliar, sino también de cuestionar
las estructuras que producen exclusión, desigualdad y silencio?
CR (@mipuntocritico)
Agradecimientos al Congreso Iberoamericano Artes para la Paz; al
Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes de Colombia y a la ministra
Yannai Kadamani; al Ministerio del Poder Popular para la Cultura de
Venezuela y al ministro Raúl Cazal; a Mónica Sánchez por las
fotos, a Prensa MPPC; a Katherine Hinojosa; a Ignacio Barreto;
a Universidad Nacional Experimental de las Artes; y a Jhoel Hiram
Arellano Carrero, por la colaboración y el acompañamiento durante la
cobertura del congreso.
Todas las
fotografías son cortesía de prensa: *Mincultura
y del **MPPC © 2026.
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